La Linterna Mágica

Mis preferidos para los Oscar

2008-02-24T22:53:00.003+01:00

Por supuesto, no creo que ninguno de ellos (Julian Schnabel, Tom Wilkinson, Ellen Page, Juno, Saoirse Ronan y Viggo Mortensen) gane en sus respectivas categorías, pero me gustaría que lo hicieran (a falta de ver Pozos de Ambición, Sweeney Todd y a la siempre prodigiosa Laura Linney en The Savages).

Todas las quinielas apuntan a que Pozos de Ambición, los hermanos Coen, Julie Christie, Daniel Day-Lewis, Javier Bardem y Ruby Dee serán los elegidos. Pues ni tan mal, ¿no?

Mañana saldremos de dudas.

Qué ver en el cine y por qué

2008-02-11T20:42:00.000+01:00

Juno. Pues porque todo el mundo va a ir a verla y todo el mundo va a opinar y tú vas a ser el único capullo que no sepas de qué va la vaina. Y aunque ella da mucha rabia –sí, ella, Ellen Page, la Juno, la película es una verdadera delicia que destila optimismo por los cuatro costados. La historia es vitalista y tierna, los actores son sinceros y ocurrentes y la banda sonora es sencillamente maravillosa. Acuña además una de las frases más románticas del cine: "eres el queso de mis macarrones". A disfrutarla sin prejuicios, por favor.

Viaje a Darjeeling. Pues porque es otro ejemplo de cine vitalista para reírse de todo y de uno mismo el primero. Bizarra y desternillante como ninguna otra de Wes Anderson –del que yo no era muy fan hasta después de ver esta peculiar road movie, en la película brillan con luz propia los tres fantásticos actores protagonistas de la película, aunque yo me quedo con un adorable Adrien Brody, que sigue demostrando que es uno de los actores con más talento del cine yanqui. ¿Para qué contaros detalles de la historia si no tiene ni pies ni cabeza? Sólo hay que subirse en el tren y dejarse llevar. Y lo mejor de todo es que no sólo es una comedia (a ratos agridulce) para pasarlo bien, también tiene su punto dramático y reflexivo en torno a la familia, un tema omnipresente en la filmografía del director estadounidense.

American Gangster. Pues porque éramos muchos los que nos preguntábamos dónde se había metido el Ridley Scott que nos conquistó con Blade Runner o Thelma y Louise, el de los primeros tiempos de cámara rabiosa e intensidad a raudales. En American Gangster parece haber vuelto de la tumba después de haber firmado algunos de sus más sonrojantes títulos (Gladiador incluído). A pesar del omnipresente Denzel Washington, la película consigue caminar sola con arrogancia, atrapando al espectador con un guión sólido e interpretaciones de categoría (Russell Crowe está fantástico). Una obra maestra del cine policiaco.

Persépolis. Pues porque es una nueva forma de hacer cine de animación, alternativa a los ordenadores y la cansina tecnología 3D que tanto se lleva ahora. Porque, aunque no me acabó de convencer, al menos podemos ver una peli de dibujos en la que no se pretende soltar una gracia cada cinco minutos o presentar al personaje más simpaticote de todos los tiempos. Detrás de ella encontramos la mirada mágica y auténtica de Marjane Satrapi. A pesar de que la cinta no es tan deslumbrante como los cómics, merece la pena por aprender algo de la triste historia de Irán y el sugerente imaginario de esta siempre sensacional dibujante.

Y diréis: o este tío ha perdido la capacidad de crítica o es que, inusualmente, ha acertado en todas las películas que ha ido a ver al cine. Pues no, más quisiera yo (haber acertado, digo, que la capacidad crítica es algo que agradezco mucho tener). Deseo, Peligro de Ang Lee me pareció decepcionante, en relación con otras de sus joyitas como Sentido y Sensibilidad, La Tormenta de Hielo o Brokeback Mountain. Aunque no está mal y tiene la impecable factura que siempre se gasta el cineasta, me pareció a ratos tediosa y artificial, además de gratuitamente desagradable.

Otro fiasco en toda regla fue la opera prima de Sarah Polley, Lejos de ella, que, partiendo de un argumento en principio atractivo, nos ofrece un drama geriátrico de escaso interés en el que la directora se empeña en hacer algo intimista y bonito a toda costa. Claro, lo consigue, pero le falta alma y sinceridad. Aunque Julie Christie se perfila como favorita para ganar el Oscar a la mejor actriz, no me parece ni mucho menos el mejor de sus trabajos, ni siquiera el mejor de las otras cinco. De hecho, su tendencia al histrionismo en la peli hace que ganen interés los personajes de reparto con tal de librarse por unos minutos de ella. Y aquí podría hacer algunos chistes con el título que os voy a ahorrar.

Felices Óscares a todos.

Expiación o el placer de la inmodestia

2008-01-18T18:52:00.001+01:00

No soporto leer una crítica negativa de una película que me ha encantado; supongo que le pasa a todo el mundo. Sin embargo, lo que más me molesta es leer sandeces sin sentido para criticar una película que, si bien no me parece que salve el mundo del cine, consigue ofrecer al espectador algo más que la basura que estamos acostumbrados a soportar en las salas.

Expiación (me permitirán que obvie el resto del repelente título que le han plantado en España) es una película afectada y manierista, porque es inglesa, de época, basada en un novelón y porque es un drama romántico. Hasta ahí estamos todos de acuerdo. Y con sus muchos peros, que son unos cuantos y a pesar de ese final tan desacertado, me parece una excelente película que se disfruta si somos conscientes de lo que vamos a ver y si nos quitamos prejuicios de encima.

Expiación es una película teatral, ficcionada, si se me permite el término (¡si ya desde el principio nos lo están advirtiendo!. En la que todo el argumento (un aplauso para Christopher Hampton, que no hacía un guión tan estupendo desde Las amistades peligrosas) gira en torno a un acontecimiento que desemboca en desastre. Y todo va sobre el antes, mediante y después del desastre. Por eso quizá parece en exceso descriptiva, narrativa, reiterativa por sus continuos flashbacks y elipsis. Por eso, puede resultar lenta. Por eso, puede resultar pretenciosa. No voy a justificar este punto. Tengo cierta debilidad personal por la artifiosidad bien hecha. Y ésta es de primera calidad. Sin embargo, ahí está en parte la gracia de la película.

Expiación es un ejercicio de virtuosismo gourmet de su director, Joe Wright, que parece buscar un contenido para ofrecer los continentes que es capaz de fabricar. Y como todo virtuoso, le gusta fardar... Y vaya si farda con sus planitos de quitar el hipo (atención a uno de los mejores planos de secuencias que he visto nunca). Pero es que aquí se luce el director de fotografía, la dirección artística, el encargado de montaje y Dario Marianelli, el compositor de la alucinante música original de la película. Una película que se disfruta sobre todo con los sentidos.

Pero también se luce el reparto. Sigo sin ser fan de Keira Knightley, aunque le concedo que aquí está más que correcta: es grácil y ligera cuando ha de serlo; apasionada y atormentada cuando toca. Pero es que, además, sale estupenda: y se deja querer por la cámara como le da la gana. De los que me declaro admirador desde ya es del valor en alza, James McAvoy, y de la espectacular chavala, Saoirse Ronan, la hermana que desata la tragedia.

En fin, sé que esto parece una respuesta a algo que he visto escrito por ahí, y que no suelo comentar las pelis en este plan. Pero me apetecía desahogarme: una película larga y lenta no tiene por qué ser una mala película; una película afectada no tiene por qué ser artificial; un director que sabe hacer las cosas bien puede pecar de inmodesto. Para mediocres, ya tenemos los multicines llenos de pelis cutres hechas por directores cutres.

Lo peor de todo es que ni siquiera me encantó la película. Pero cuando disfruto del espectáculo del cine, lo reconozco. Y con Expiación se disfruta, y mucho.

Lo mejor de 2007

2007-12-21T12:36:00.000+01:00

¡Cómo nos gusta una lista! Sobre todo a final de año: que si las celebrities más atractivas, que si los mejores discos, que si las noticias más relevantes, que si las personalidades que nos han dejado… Vamos, que un fin de año sin sus listas de lo mejor o lo peor es como un jardín sin flores, o mejor dicho, como un Santa Klaus sin reno, que parece una comparación más propia.

2007 tampoco es excepción, así que aquí va la lista de las mejores películas que he visto este año, pero, tranquilos, que no haré medias aritméticas ni promedios ni cosas raras. Es sólo lo que me ha gustado más de este año de cine, lo que más me ha decepcionado y los actores y actrices que me han convencido más. Como lista subjetiva que es, probablemente se me olvide alguna o no estará tal o cual que no haya podido ver porque se me haya pasado o porque aún esté en cartelera, así que podemos ir actualizándola hasta bien entrado enero.

Las mejores películas de 2007

1 - Más extraño que la ficción (USA)

2 - Juegos Secretos (USA)

3 - Zodiac (USA)

4 - El jefe de todo esto (Dinamarca)

5 - Half Nelson (USA)

6 - La vida de los otros (Alemania)

7 - ¡Esto es ritmo! (Alemania)

8 - Once (Irlanda)

9 - Conversaciones con mi jardinero (Francia)

10 - Diamante de sangre (USA)

11 - La maldición de la flor dorada (China)

12 - Promesas del Este (UK)

13 - The Prestige (USA)

14 - Hollywoodland (USA)

15 - El extraño (Francia)

16 - Ratatouille (USA)

17 - Persépolis (Francia)

18 - Historia de un crimen - Infamous (USA)

19 - Michael Clayton (USA)

20 - El velo pintado (USA)

Películas decepcionantes de 2007

1 - La fuente de la vida (USA)

2 - La ciencia del sueño (Francia)

3 - Elizabeth, la edad de oro (UK)

4 - Red Road (UK)

5 - Cuatro minutos (Alemania)

6 - No basta una vida (Italia)

7 - Una casa en el fin del mundo (USA)

8 - La brújula dorada (USA)

Mejores actrices

Kate Winslet (Juegos Secretos)

Gong Li (La maldición de la Flor Dorada)

Emma Thompson (Más extraño que la ficción)

Kate Dickie (Red Road)

Tilda Swinton (Michael Clayton)

Mejores actores

Reparto de El Jefe de Todo Esto

Ryan Gosling (Half Nelson)

Mark Ruffalo (Zodiac)

Ulrich Mühe (La vida de los otros)

George Clooney (Michael Clayton)

Otoño de 2007: tibia cosecha cinéfila

2007-11-29T12:37:00.000+01:00

Caen las hojas, llega el frío y vuelve la lluvia. Castañeras, setas en el campo, incipientes adornos de Navidad (y no tan incipientes) y una mantita en casa. Reconozco que el otoño me encanta por todas esas cosas, pero especialmente porque es por estas fechas, cuando ya estamos en noviembre, cuando comienzan a desfilar cada vez más pelis interesantes por la cartelera.

Este año no podía ser menos, a pesar de que mis elecciones han tenido un resultado desigual. Os desgrano, muy brevemente, las últimas pelis que he podido disfrutar (o no) en las salas.

No basta una vida. Película pequeñoburguesa (como bien diría J.) que tanto gusta al cine europeo, especialmente francés, y que a priori parecía buena elección por los buenos datos que tenía en Filmaffinity y las buenas críticas que había cosechado. Sin duda es una de las peores películas que he visto este año, no sólo porque parece un plagio mal hecho de la colosal Las invasiones bárbaras, sino porque es la típica peli pretenciosilla que va de profunda y se queda en ridícula, por ser fino. Ferzan Ozpetek, director de la interesante Hamam, el baño turco, reincide en la temática homo para ofrecernos una película engolada y sin alma que encima se adorna con una banda sonora insufrible. Sólo merece la pena verla por algunos actores, que están de muy buen ver.

Un funeral de muerte. Todo el mundo sabe, o debería saber, que hacer una buena comedia es bastante más chungo que hacer un buen drama. Y Frank Oz, a pesar del desastre de Las mujeres perfectas, se vuelve a atrever con el género, esta vez con un reparto totalmente inglés, que tiene mejor prensa en esto de la comedia, y desconocido, para concentrar la atención en lo que interesa, el argumento. Si bien no se trata de la comedia del siglo, ni siquiera del año, Un funeral de muerte ofrece lo que promete: pasar un buen rato riendo en el cine, sin caer en exceso en la repetición, que, a todas luces, es más que suficiente en los tiempos que corren.

Elizabeth: la edad de oro. Aquí tenemos un caso perfecto de bisutería fina: no sólo es excesivamente hortera de lo bonita que quiere parecer, sino que además no tiene demasiado valor cinematográfico. El experto en dramas históricos e intrigas palaciegas, Shekhar Kapur, retoma las andanzas de la Reina Virgen, Isabel I de Inglaterra, para contarnos, en esta ocasión, su enfrentamiento contra los católicos, comandados por María Estuardo, contra el Imperio Español, encabezado por Felipe II, y contra sus propias necesidades personales frente a las obligaciones regias. Aunque Elizabeth, la película que cuenta las primeras andanzas de la joven Isabel, ya denotaba impostados excesos en la dirección artística, un barroquismo que más o menos estaba compensado con una historia sólida, en esta segunda parte no sucede lo mismo. Kapur se deja llevar por la autocomplacencia y el manierismo en una película que agota de tanta decoración, tantos tules y rasos, tanta pluma, tanto diálogo supuestamente brillante y tanto histronismo injustificado. Ni siquiera su, en principio, excelente reparto consigue salvar esta película completamente prescindible.

Las 13 rosas. Este capítulo tan bonito de Amar en tiempos revueltos (de hecho, hay algún actor de la serie que también está presente en el reparto de la película) es ideal para ver en familia y seguro que encantará a vuestras madres. Se trata de un drama coral bastante bien hecho para ser español, pero que peca de tendencioso (eso sí, no siempre), pero sobre todo, de excesivamente emocional. Emilio Martínez-Lázaro, que a mi gusto se desenvuelve mejor en la comedia, seguro que cosechará premios y reconocimientos para esta cinta que, si bien formalmente es correcta, cinematográficamente es demasiado facilona. Para bien he de decir que el reparto y la ambientación están muy bien en general. ¿La peli del año en los Goya? Si El orfanato le deja, tiene todas las papeletas.

Michael Clayton. Sin ser un peliculón, Michael Clayton recoge el testigo de los thrillers reivindicativos yankis para ofrecernos un competente capítulo más en el que podemos disfrutar de un argumento interesante, apasionante a veces, y de un reparto en estado de gracia. No sólo por Tom Wilkinson y Tilda Swinton, de los que soy fan desde siempre, sino por George Clooney, que no acababa de convencerme, y que en la peli está sencillamente soberbio. Esta cinta demuestra que la diversión hollywoodiense puede ir de la mano, sin molestarse mutuamente, de la conciencia moral.

Once. Muchas veces la emoción, así desnudita, sin disimulos, y expuesta en carne viva, puede llegar a sonrojarnos. Es el caso de Once, la peli sorpresa de la temporada, no sólo por ser una muy buena película, sino porque en ella se demuestra, una vez más, que, con poquitos medios y escaso presupuesto, es posible hacer trabajos de calidad como éste. Eso sí, prevengo al respetable de que la peli es todo amor, todo canciones (casi un musical) y todo candor, así que los más retorcidos lectores de este blog es probable que acaben con diabetes debido al exceso de azúcar sin refinar. No digo que sea la mejor peli del año, ni mucho menos, pero sí que tiene unas buenísimas intenciones, fantásticas interpretaciones y mucha emoción a bocajarro. Sólo apta para ñoños incorregibles.

Promesas del Este: desde Rusia con dolor

2007-11-05T09:54:00.000+01:00

Con mucho escepticismo me acerqué yo al cine para ir a ver la nueva de Cronenberg, consciente de que la laureadísima y alabadísima Una historia de violencia, me había parecido un telefilme seudointelectualoide más adecuado para la sobremesa que para las salas de cine.

No soy gran seguidor de su filmografía, porque soy bastante asquerosito para ciertas cosas (vísceras, bichos…), sin embargo, M. Butterfly y Spider me convencieron absolutamente, ya que ambas esconden una intensidad poética difícil de contener y fácil de asimilar. Y es esto último lo más complicado para un director: ponerse intenso emocionalmente y no parecer barroco o artificial.

En Una historia de violencia no lo consiguió. En Promesas del Este está resuelto con mucha más fortuna. Y eso se debe al argumento. La primera se basa en una novela gráfica que, si bien en papel es capaz de obtener mucha credibilidad, en el celuloide a duras penas lo consigue. En el segundo caso, el guión es de Steven Knight, autor también del libreto de ese mayúsculo thriller de Stephen Frears que pasó inadvertido, Negocios ocultos.

No estoy diciendo tampoco que estemos ante la película del siglo, ni mucho menos. Pero sí que se trata de un buen documento sobre el horror que esconde la emigración ilegal, las mafias rusas y el dolor de la pérdida. Tintes sociales, violencia espectacular y la historia de dos antihéroes que estarían condenados a quererse si no fuera porque circunstancias más grandes que ellos se lo impiden.

Dolor familiar, contención amorosa, ambigüedades emocionales… mucha tela que cortar en una peli con una también línea argumental policíaca muy contundente pero que pasa casi desapercibida ante el drama que viven los principales personajes. Por eso, lo que a muchos les puede parecer un culebrón, a otros se les plantea como un peliculón de esos de llorar, sufrir, emocionarse y darlo todo.

Ni tanto ni tan calvo, yo me quedo con ese guión tan bien atadito, con el buen hacer del director, con una Naomi Watts cada vez más madura como intérprete y con su profunda y emocionante banda sonora.

Vamos, que sí, que me ha gustado bastante.

Comedias románticas madeinUSA con aires europeos

2007-10-14T20:15:00.000+02:00

Lo bueno de ir a ver una comedia romántica al cine es que nunca sales decepcionado. Sabes que lo que vas a ver: un género inmutable que se alimenta de sí mismo. Si te gusta, sabes que te hará pasar un buen rato. Pero si, además, te sorprende con algún detalle original, pues eso que te llevas.

Amor y otros desastres, Sin reservas y The Last Kiss son las tres películas que he visto últimamente. La primera está ambientada en Londres y las otras dos, son remakes de cintas europeas, alemana e italiana, respectivamente. En resumen, que las tres miran al Viejo Continente como fuente de inspiración y que de sorpresas y originalidad, nada, lamentablemente.

Amor y otros desastres es la peli que toda chica adolescente quisiera protagonizar. Para empezar, está ambientada en Londres, para darle ese punto excéntrico y de distinción que tanto gusta a los americanos (y supongo que intentando rememorar el éxito de las decentes Cuatro bodas y un funeral o Love Actually). Y para continuar, Jacks, la protagonista, interpretada por la pizpireta y un pelín sobreactuada Brittany Murphy, es la típica mariliendre moderna que tiene un trabajo estupendo en Vogue, inquietudes culturales, viste fenomenal y se lo pasa bomba con sus amigos mariquitas.

Lo peor de esta comedia romántica es que adolece de lo que más falta hace en este tipo de género: una buena historia de amor. En resumen, que los desastres del título son mucho más divertidos e interesante que ese amor que ha de justificar la peli. Partiendo de este planteamiento, el resultado de la cinta es, a todas luces, fallido.

Sin embargo, los personajes que rodean a Jacks (todos pensamos que era una gracieta relacionada con la colonia, pero no) sí son capaces de arrancarte más de una carcajada. Son tan imposibles, que resultan conmovedores y divertidos. Los actores son capaces de manejarlos y transmitirles vida mediante unos diálogos, en ocasiones, más que acertados. E interesan mucho más que los enredos ilógicos e increíbles que rodean a la historia de amor de Jacks. El acertado guiño cinematográfico del final de la película da un poco de cancha a una peli entretenida pero sin chicha ni limoná.

Sin reservas es el remake de Deliciosa Martha, película, para mí, incomprensiblemente sobrevalorada. Por eso nunca entendí la necesidad de volver a rodarla en versión yanki. La cinta alemana es lenta, aburrida y fría. Algo no funciona cuando lo que más interesa de una peli es el escenario: la cocina. Le falta espíritu y ambición, a pesar de la excelente interpretación de Sergio Castellitto, el vivaracho cocinero italiano, que consigue transmitir algo de pasión a una cinta que parece inerte.

Sin reservas es más de lo mismo, pero peor hecho. Por lo pronto, el reparto es un disparate. Catherine Zeta-Jones y Aaron Eckhart son la pareja con menos química que he visto en el cine en años. La niña de Pequeña Miss Sunshine está insoportable. La única que se salva es la fantástica Patricia Clarkson. El guión es aburrido, lineal y previsible, a pesar de la corrección formal. Y aunque mejora el ritmo narrativo y la música, en comparación con la original, también gana en obviedad y sobreactuación. Scott Hicks, que dirigió la notable Shine, puede darse por satisfecho: ha transformado una peli mediocre en un telefilm aburrido y sin gracia.

Para finalizar, hablemos de The Last Kiss, remake de la italiana El último beso, de Gabrielle Muccino. Como no puedo juzgar la original, porque no la he visto, sólo diré que The Last Kiss es una peli bastante digna, con ciertas pretensiones, que ya es algo más de lo que he podido ver en las otras dos.

Tony Goldwyn, en la dirección, que muchos recordaréis por ser el malo de Ghost, se alía aquí junto al hombre de moda en Hollywood, Paul Haggis, en el guión, (ganador de un oscar por Crash), para dar luz un producto algo más interesante que los anteriores, que justifica los seis euretes del cine, pero todavía con muchas carencias, lo que favorece que desaparezca pronto de nuestra memoria.

El argumento gira en torno a una panda de amigos al borde de la treintena que se caga de miedo ante un futuro en el que madurez es igual a obligaciones, hijos, ataduras e hipotecas. ¿A alguien le suena? Tanto si estás en una situación similar, como si no, resulta fácil sentirse identificado e interesado por la película. Por no hablar de la controversia que se plantea con la infidelidad en la pareja: desde luego a más de uno le dará que pensar.

Sin embargo, las comedias románticas también han de tener humor… y aquí la peli falla estrepitosamente. Las bromas no hacen demasiada gracia y escasamente se justifican. La elección del reparto tampoco es demasiado acertada (aunque Casey Affleck y Tom Wilkinson están, como siempre, magníficos) y el desenlace es, desgraciadamente, muy previsible.

Pues eso es todo. Me gustaría poder ir más al cine para contaros cosas y novedades, pero el trabajo me consume y me absorbe. Espero ponerme al día con la cartelera y acepto recomendaciones. Parece que lo nuevo de Cronenberg es de lo mejorcito que se puede ir a ver, ¿no?

¡Ya me contaréis!

Buen cine galo para el otoño

2007-09-26T18:26:00.000+02:00

Si normalmente por estas fechas ya están a punto de caramelo títulos estadounidenses interesantes de directores interesantes, en general respaldados por cierta mercadotecnia de la gorda o de la pequeña (vamos, los críticos y los premios de festivales internacionales), este 2007 observamos un gran vacío en este sentido.

Y eso que nos la pretenden colar con remakes como Sin Reservas (¿de verdad era necesario volver a hacer Deliciosa Martha y encima con la Zeta-Jones?) y Hairspray (la crítica se ha portado, pero Días de Cine dice que no es ni la mitad de ácida y el doble de edulcorada que la de Waters).

En resumen, que si miramos la cartelera y lo que dicen los críticos, todavía no hay ninguna peli posestival que haya sido capaz de desbancar en calidad y repercusión a algunas de las estrenadas en el verano.

Afortunadamente, he encontrado un reducto la mar de interesante en el cine francés. Hace ya bastantes semanas que se estrenó El Extraño, de Philippe Lioret, que es una de esas películas bonitas que adoran nuestras madres. Una historia de amor condenada al fracaso que se desarrolla en un lugar inhóspito, tan inhóspito como las gentes que viven en él.

Y es que, en esta ocasión, El Extraño es un excombatiente de la guerra de Argelia que tiene que luchar por encontrar su sitio en un pequeño pueblo costero de la Bretaña francesa. Lo malo es que a veces, el sitio está ocupado y comienza el conflicto de intereses. Y ahí está la chicha de la película.

No es que cuente algo nuevo, no es que sorprenda con el guión, el argumento, la brillantez de los planos. Es que lo que cuenta, lo cuenta tan bien, que a veces eso es más que suficiente para disfrutar en el cine.

La sorpresa del otoño viene de manos de Jean Becker y su Conversaciones con mi jardinero, una deliciosa comedia que, a través de sus protagonistas, nos habla de la felicidad que proporcionan las cosas sencillas y de la belleza de la amistad.

Divertida, emocionante y, sobre todo, con gran credibilidad (Daniel Auteuil y Jean-Pierre Darrousin dan un auténtico recital de buenas dotes interpretativas), Conversaciones con mi jardinero es de esas películas que hacen que salgas del cine con una sonrisa en los labios. Y, como he leído por ahí, consigue llevarte al huerto sin que te des cuenta.

¡Que las disfruteis!

Southland Tales: lo nuevo del director de Donnie Darko

2007-09-14T09:39:00.000+02:00

Richard Kelly ya tiene nuevo retoño y se llama Southland Tales. Siete años después de Donnie Darko, considerada por muchos peli de culto -y no sin falta de razón-, por fin podremos ver el nuevo trabajo de Kelly, que servirá para incluirle (o excluirle) de la exclusiva lista de buenos directores jóvenes americanos como Paul Thomas Anderson (que, por cierto, estrenará There will be blood con Daniel-Day Lewis), Bryan Singer (también tiene a punto de caramelo Valkyrie con Tom Cruise), David Fincher (Zodiac), Marc Forster (Más extraño que la ficción) o Noah Baumbach (que estrenará en breve Margot at the wedding con Nicole Kidman y Jennifer Jason Leigh).

La película, un drama de ciencia ficción de corte apocalíptico y ambientado en California (por eso lo de las tierras del sur del título), cuenta con un reparto, cuanto menos sorprendente. Los principales papeles protagonistas están copados por actores que frecuentan cintas para teenagers: Sean William Scott, Sarah Michelle Gellar, Mandy Moore, Justin Timberlake y The Rock. Démosles un voto de confianza porque, al menos para mí, la Gellar vale su peso en oro, aunque aún no hayamos podido ver demasiado de ella (y no digo nada de Justin, porque aún no he visto nada suyo, pero que apunta maneras). También estarán presentes en el reparto dos actrices de reconocido prestigio como Miranda Richardson y Janeane Garofalo.

De momento, no hay tráiler, sólo el póster de arriba que he podido ver en Blogdecine.com. La página web tampoco nos dice demasiado, aunque hay algunas pistas (entre ellas, imágenes) que nos indican por dónde van los tiros. El 9 de noviembre se estrena en Estados Unidos y el 7 de diciembre, en Reino Unido.

Esperamos ansiositos.

Red Road: una murga inquietante

2007-09-05T09:33:00.000+02:00

Inasequible al desaliento, sigo sufriendo bodrios indis con tal de no meterme a ver pelis de palomitas made in Hollywood. Claro, así me pasa. Las buenas críticas de Red Road, coproducción anglodanesa que debe su nacimiento a Lars Von Trier (a partir de ahora el bueno de Lars), me animaron a meterme en los Golem para intentar ver ese peliculón que hace semanas estoy esperando (y sigo).

Decepción al canto. Esta cinta debe su existencia al bueno de Lars, que ha ideado un nuevo proyecto, The Advance Party. Se trata de una trilogía Dogma (ya sabéis, sin iluminación, sin mucha parafernalia técnica, ni música y tal) en la que tres cineastas prometedores ruedan tres pelis que se desarrollan en Glasgow, compartiendo personajes, que no trama.

Andrea Arnold, debutante en el largo tras ganar el Oscar 2005 al mejor cortometraje, firma esta historia de silenciosa tensión centrada en una vigilante jurado de vida insulsa que no puede escapar de su pasado. Tras un comienzo prometedor, en la que la directora nos regala planos brillantes, dignos de videoartista, que son capaces de transmitir la indulgente desidia en la que vive la protagonista, el argumento comienza a activarse cuando la chica descubre en el trabajo, a través de sus cámaras, que un presidiario que ella conoce ha salido de la cárcel.

A partir de ahí comienza un largo y tortuoso camino en el que los espectadores, desconocedores de los lazos que unen a ambos personajes, han de sufrir con impaciencia que pase algo que acabe de dar chispa y concreción a la película. Y pasa, vaya si pasa. Pero para que suceda hemos tenido que exasperarnos tantas veces que casi hemos perdido el interés y, para más inri, a medida que todo toma forma, aumenta la inverosimilitud de la trama hasta concluir en un final que de tan increíble, se convierte en bochornoso.

Y eso que los actores son buenísimos y la actriz principal, Kate Dickie, es fantástica. Y eso que el mensaje de la peli tiene su punto y da para reflexionar: puedes perdonar, pero no olvidar. Y eso que la directora se ve que es una virtuosa. Sin embargo el ritmo es lento, el metraje, excesivo, la factura, pelín pretenciosa y el argumento, retorcido.

Eso sí, tomad nota: ganó el Premio del Jurado en Cannes y numerosos galardones en el circuito de premios británicos al cine independiente. No sé si es que soy un paleto, pero fui incapaz de ver una película redonda y que me convenciera. Sí pude darme cuenta de que asomaban ciertos modos y maneras que apuntan a la brillantez, pero de momento Andrea Arnold no ha dado en clavo. ¿Quizá en la siguiente?

Para compensar mi malestar por el cine indi que he tenido que sufrir en las últimas semanas, ayer disfruté a tope con Amor y otros desastres, de la que os hablaré en un próximo post.

Por cierto, Caótica Ana no es un must, es un rollo. Ya sólo el título apesta: no y no y no. No pienso verla.

Blog del día

2007-09-04T16:24:00.000+02:00

Inicio del autobombo con cierto aire de calculada y despreocupada modestia:

Pues por lo visto, el día 2 de septiembre, o sea, el domingo, fui Blog del Día.

Muchas gracias... ¡Me ha hecho mucha ilusión! Ni siquiera sabía que existía un blog que se dedicaba a premiar otros blogs así. Supongo que esto puede ser un incentivo para que actualice más... ¡Lo haré!

Fin del autobombo.

Cine de verano (2007)

2007-08-14T20:27:00.000+02:00

El panorama de la cartelera en verano siempre es desolador, pero este año la cosa está tan floja que dan ganas de ir al cine sólo por el aire acondicionado: películas de animación, magos imberbes, comedias casposas, acción y terror de adolescentes... Ante cosecha tan yerma, siempre queda algún reducto de calidad en pelis de menor presupuesto, que siempre resultan inquietantes porque lo mismo son una obra maestra que una mierda pinchada en un palo. No hay término medio.

Por eso siempre hay que elegir con tino: en estos meses suelen caer por los cines VO esos truños intelectualoides que ganan premios en los festivales internacionales y que casi siempre suelen ser los engañabobos del evitablockbusters. Aún por ver a Jessica Alba con unas siniestras lentillas azules en Los 4 Fantásticos y Silver Surfer, la peli de la fantásticamagníficaguapísima Julie Delpy y la tufillo indi Fast Food Nation, éstas fueron las pelis que elegí para intentar disfrutar del cine incluso en verano (el resultado fue, como siempre en estos casos, desigual):

Memorias de Queens. Parte de una historia más vista que el tebeo: chico de los barrios bajos huye de su hogar porque carece de futuro. La vuelta a casa supone un reencuentro con sus recuerdos y con la gente que dejó allí. Con una tensión desmedida, que a menudo agota al espectador, lo más destacable de la película es su reparto. Robert Downey Jr. y Shia LaBeouf encarnan, de mayor y de joven, y con mucha solvencia, a Dito Montiel, autor del libro en el que se basa la peli (A Guide to Recognizing Your Saints) y director de la propia cinta. El resto de intérpretes también hacen un buen trabajo: personajes inmediatos y llenos de frescura que son capaces de conmovernos. Lo demás, ya nos lo sabemos: drogas, violencia, sexo, falta de expectativas, problemas familiares, amistad y lealtad. Todo con mucha hormona, que son adolescentes. Nada que no hayamos visto antes. No mata.

Ratatouille. No suelo ver películas de animación porque me gusta más ver a personajes reales. Es un prejuicio absurdo, pero es así: prefiero carne y hueso, de verdad. Sin embargo, con la nueva entrega de Pixar hice una excepción porque el tema central giraba en torno a una de las pasiones de mi vida: la cocina. Y no me arrepiento de haberme dejado los siete euretes en taquilla porque es una película estupenda, muy divertida, que recrea a la perfección, con toques satíricos muy acertados, lo que es el mundillo gastronómico, por no hablar de la perfección formal del trabajo técnico de animación. Por poner algunas pegas, me pareció un pelín larga y se abusa en exceso del chiste fácil que propician caídas y persecuciones, supongo que en pos del divertimento más puramente familiar. Recomendable.

Cuatro minutos. Gran decepción la del debutante Chris Klaus, cineasta que ha recibido excelentes críticas por su opera prima Cuatro Minutos. Sin que me atrajera demasiado el argumento por manido (joven conflictiva intenta redimirse de sus pecados a través de su talento musical y las dotes pedagógicas de una anciana maestra de piano), acudí a las salas seguramente seducido por el creciente interés que me produce el cine alemán y por los premios y buenas críticas que había leído. Aunque no está mal del todo, se trata de una cinta vacía, alargada artificialmente, afectada y grandilocuente, en la que el dramatismo es tan intenso que impide al espectador sentir algo de empatía por las protagonistas y, por tanto, vivir la película de un modo más cercano y natural. El director se luce gracias a una técnica impecable, pero no acaba de conquistar la emoción de los que vemos la peli. Y es una pena, porque chicha hay, y mucha. Para ver en DVD.

¿Alguna recomendación?

Cine de pre-verano

2007-07-31T08:46:00.000+02:00

Como siempre, mil perdones por abandonar el blog durante tanto tiempo. He tenido vacaciones, sí, pero las semanas que las precedieron fueron un auténtico agobio de trabajo, por no hablar del estrés que siempre me produce la celebración de mi cumpleaños. Excusas aparte, como me gano la vida escribiendo, pues me cuesta llegar a casa y seguir dándole a la tecla.

Superado el pecado padre de todos los pecados, la pereza, aquí estoy de vuelta para hablaros de cine. Eso, si todavía queda alguien detrás de la pantalla del ordenador. Seré breve y resumiré las pelis que vi en el cine en los últimos dos meses. En realidad son pocas, pero en fin, intentaré resarcirme en agosto con el DVD y ponerme al día de los estrenos que me he perdido.

La maldición de la flor dorada. Si una virtud tiene Zhang Yimou es hacer espectáculo con la épica. Y es que cualquiera no es capaz de convertir un culebrón petardo e histriónico en una fábula operística llena de lirismo y belleza. Apabullante, voluptuosa y teatral, la película transcurre por derroteros antes visitados por Yimou, incidiendo en la temática familiar y en las intrigas políticas de la corte china milenaria. Totalmente recomendable y disfrutable, siempre que sepamos enmarcarlo dentro del barroquismo de Yimou, el aire legendario medieval chino y los excesos sentimentales que tienden al más puro artificio estilístico.

Zodiac. Impresionante, emocionante, bien hecha... casi me atrevería a decir que una obra maestra moderna del suspense. David Fincher demuestra en Zodiac que es un director como la copa de un pino y que en el thriller se mueve a sus anchas. Un reparto impecable y una historia magnífica consiguen atraparte de principio a fin en una película larga y densa que se hace corta y que no deja cabos sueltos gracias a un guión sólido de factura impecable. Mark Ruffalo eclipsa a Jake Gyllenhaal en su trabajo más sobresaliente hasta la fecha. Le pondría alguna pega, pero es que sólo me acuerdo de lo bueno. De momento, de lo mejorcito de este año.

¡Esto es ritmo! Animado por la recomendación de Cris, acudí al cine, como siempre bien acompañado, a ver este docudrama juvenil que se desarrolla en Alemania. Casi como un libro de autoayuda, la película desgrana la personalidad de tres adolescentes que se someten a un curioso experimento junto con sus compañeros de clase: formar parte de un ballet amateur que acompañe a la Filarmónica de Berlín en su interpretación de la Consagración de la Primavera de Stravinsky. Esta experiencia no sólo será altamente pedagógica para los jóvenes implicados en el proyecto, sino también para el espectador, que se ve imbuído en el espíritu de superación y optimismo que transmite el filme. A pesar de ciertos excesos dramáticos, ¡Esto es ritmo! es una excelente y novedosa propuesta.

La vida de los otros. Una de las películas del año, gracias a la cantidad de premios cosechados, Oscar incluido. Como buen retorcido que soy, tuve la sensación de que la película abusaba de ciertos edulcorantes artificiales que, a pesar de todo, consiguieron llevarme al terreno que el director quería: el de la emoción. Buen ritmo narrativo, un bonito guión, magnífica banda sonora y excelentes interpretaciones son la fórmula mágica de esta película alemana que nos adentra en los servicios de espionaje de la Alemania Comunista de los años ochenta. A pesar de las buenas intenciones, siempre queda una duda (spoiler): ¿qué tienen los protagonistas para que un aguerrido e inflexible capitán de la Stasi se convierta en esa buena persona que, al parecer, nunca fue?

Eso es todo. Nos vemos en el cine porque, con el calor que hace, ¡es donde mejor se está!

Spiderman 3: a tontas y a locas

2007-06-08T14:12:00.000+02:00

Hoy os voy a sorprender. No os voy a decir que Spiderman 3 es una castaña como ya han dicho críticos de verdad en los medios de comunicación y blogueros de palo como yo en las innumerables bitácoras que hay sobre cine en la Red. Me lo pasé pipa. Estuvo genial: me emocioné, me reí, me asusté, me revolví en el asiento y disfruté como un enano. Es una película de auténtico disfrute visual, especialmente para frikis y nerds de los que ya no quedan. Yo, encarecidamente, la recomiendo para pasar un buen rato.

Eso sí, debo hacer algunas matizaciones. Porque seré un freak, pero tengo mi (pequeño) sentido crítico. Aquí van, punto por punto, los que me parecen a mí los grandes agujeros negros del final de esta saga que esperemos que tenga una continuación en un supuesto Spiderman 4.

1- Al simbionte se le ve el plumero. Pues sí, Veneno parece una marica mala locaza hasta arriba de speed en las Fiestas de un imaginario Orgullo Gay Siniestro. Es increíble cómo un personaje tan fundamental para Spiderman se puede convertir en un plis, en una reinona del gore. Pero lo mejor no es esto: lo mejor es cómo el simbionte transforma a Peter Parker. Realmente la escena del baile en el club de jazz es lamentable. Bueno, más bien desternillante. ¡Vaya espectáculo bochornoso! En fin, que una cosa es que le cambie y otra que parezca un fantoche. ¡Pobre Tobey McGuire! ¡Lo que hay que hacer pa ganarse los garbanzos!

2- A todos los malos se les va la cabeza. No sólo Veneno está de atar, el pobre Harry es un cuadro: su personaje parece retrasado mental. No quiero meter spoilers (aunque no sé de qué serviría, si ya todo quisqui habrá visto esta peli), pero resulta sorprendente cómo el Duende Jr. se pasa dos pelis odiando a Spiderman, para que luego, la intervención de su mayordomo, le haga cambiar de opinión y se haga colega de Spidey. Pero Sam Raimi, ¡seamos serios! Y el Hombre de Arena será muy bueno y todo lo que queráis, pero destruir Nueva York varias veces sólo por salvar a su hija... si tan bueno es, ¿por qué no busca un método menos agresivo? En fin, un cuadro. Pero oyes, es que los malos de los cómics son así: los guionistas manipulan su psicología para adaptarlas a los giros argumentales. Por eso, un buen lector de tebeos no se sorprenderá de las incongruencias ingenuas en las que incurren los villanos de esta peli. Eso sí, verlo en el cine resulta bastante más sonrojante.

3- Mucho arroz pa tan poco pollo. Con este refrán tan castizo vengo a decir: ¿de verdad era necesario contar todo esto en una sola peli? Porque sólo con la trama de Veneno pues ya tenemos para una película, o dos. Y qué pena Topher Grace lo poquito que sale, y qué pena el desaprovechamiento de la monísima Bryce Dallas Howard.

4- Qué aturulle con tanta pelea. Me confieso poco fan de las pelis de acción, pero ahora que se han puesto de moda las secuencias vertiginosas, estos montajes de mil fotogramas por segundo, que no ves un carajo de lo que hacen los personajes cuando se pelean, me gustan menos todavía. Lo siento, seré un lentuno, pero es que yo no me entero de nada con tantos fuegos artificiales. Y lo que me gustaba del Lanzarredes es que las dos anteriores cintas eran películas en las que la vida real de los personajes tenía un peso tan importante como en los cómics. Los amores, la familia, los conflictos personales... Spiderman 3 adolece de un excesivo metraje, pero además, de demasiadas secuencias de acción.

5- Salsa rosa. Pues sí, la cosa va un poco de salsa rosa... porque la trama amorosa se simplifica y se vulgariza tanto que parece una especie de programa de cotilleo choni.

En resumen: Sam Raimi demuestra que la conclusión de la trilogía de Spiderman (aunque nadie tiene muy claro si será trilogía o la tercera de una saga más larga) se ha hecho un poco a tontas (el exceso de ingenuidad que destila resulta increíble a veces) y a locas (porque todo es como una locura, que se les ha ido la olla a todos de repente de diálogos, de efectos especiales, de todo). A pesar de eso, esta tercera parte no deja de ser una divertida entrega de las aventuras del Hombre Araña, destinada al entretenimiento puro y duro. Vamos, que no es cine de autor, así que tiene lo que tiene que tener. A su favor también hay que decir que el reparto es fantástico, que desde el primer minuto atrapa y que tiene desternillantes puntos de humor. ¿Quién da más?

Y dentro de nada... los 4F. ¡Que Dios nos pille confesaos!

Retrato de una obsesión: el Circo de los Horrores

2007-06-05T14:00:00.000+02:00

Otro caso de película indie, en este caso, dirigida por el sobrevalorado Steven Shainberg, que dio la campanada con Secretary, gracias sobre todo, al buen hacer de Maggie Gyllenhaal. En el film que nos ocupa, es la reputada Nicole Kidman la encargada de protagonizar la libre adaptación de la vida de la fotógrafa Diane Arbus.

La Kidman, que desde Dogville no ha hecho nada decente, tampoco acierta con Fur (que es el título original de Retrato de una Obsesión). La australiana no da pie con bola a la hora de elegir papeles en el cine, después de haber obtenido el Oscar por Las Horas. La larga y sonada serie de fracasos empieza con La Mancha Humana, Las Mujeres Perfectas, Reencarnación o Embrujada, y termina con esta petardada de película en la que la Kidman hace gala de sus peores registros.

Para excusarla, se puede decir que el argumento no hay por dónde cogerlo, a pesar de que los planteamientos son en principio buenos. Disfrazada de fábula intimista, la película nos cuenta el camino que recorre Diane desde una perfecta y anodina esposa y madre de familia hasta una arriesgada y comprometida fotógrafa del lado oculto del ser humano. Y, de por medio, la aparición de Lionel, interpretado por un histrión Robert Downey Jr, un monstruoso vecino que le ayuda a rescatar su verdadera vocación: la fotografía menos convencional.

Con esa base, se podría crear, cuanto menos, una película decente. Sin embargo, Shainberg, en un alarde de originalidad, prefiere inventarse un poco la biografía y pintar la historia con un halo de cuento que no sólo resta credibilidad, sino que la edulcora hasta resultar insoportablemente empalagosa. Por no hablar del personaje misterioso que es Lionel, una especie de Fauno sabihondo que tiene como misión liberar a Diane de la cárcel de su propia vida.

El aire pretencioso y el afán de artificiosidad envenenan una película que sólo destaca por una cuidada fotografía (¡faltaría más!) y bonitos planos. Lo peor es el tono teatral y casi circense que predomina en toda la cinta. El problema es que ese tono va en aumento, contaminando a los personajes, hasta convertirlos en caricaturas de los seres reales que nos pretende mostrar. Vale que sea una 'versión' libre e imaginaria de la vida de Diane Arbus: ¿pero es necesario ese forzado engolamiento? Desde luego no.

Retrato de una Obsesión es, en definitiva, una petardada onanista. Una pérdida de tiempo que pretende lucir a Nicole Kidman y a la corrección formal de su director, pero que ni siquiera vale de documento biográfico, humano o vital de la auténtica Diane Arbus. Una pena.

Half Nelson: el drama cotidiano

2007-06-04T16:48:00.000+02:00

Parte de la cuota de premios que todos los años se lleva el cine indie estadounidense fue a parar en 2006 a Half Nelson, un drama personal y social en el que drogas, raza y educación vuelven a compartir pantalla. Aunque la historia no es nueva, el enfoque sí: no es el docente el que salva de las calles a algún alumno aventajado, sino que en esta ocasión será una estudiante la que intente sacar del hoyo a su profesor.

Aparte del argumento, a priori interesante, el otro gran atractivo del film es Ryan Gosling. No sólo por su singular atractivo físico, sino por el carisma interpretativo que despliega en la película. Sin ser el trabajo del año, Gosling se muestra más que solvente al dar vida a un profesor de Historia atrapado por su adicción a la cocaína. El gran acierto de Gosling no es sólo hacerlo creíble, que lo consigue, sino que es capaz de mantener el afecto hacia el protagonista, a pesar de que, en su progresivo deteriorio, lleva a cabo algunos actos que rayan, cuando no sobrepasan, la moralidad y el respeto hacia los demás. Eso sí, es obvio que Gosling se gusta: el manierismo del que hace gala en algunos momentos hace que su interpretación no llegue a ser del todo brillante. Gosling fue nominado al Oscar por este trabajo.

Respecto a la película, puede resultar un tanto contradictorio que yo diga que me gusta que no pase nada. Contradictorio porque realmente pasan cosas; y porque no me suelen gustar los vacíos cinematográficos. Quizá uno de sus mayores aciertos sea el hecho de que el drama se presenta desde el costumbrismo. No hay interés en juzgar al protagonista, ni en convertirlo en mártir. Eso no quiere decir que la película no tenga un peso, que el espectador no se preocupe de lo que sucede; simplemente se consigue un moderado equilibrio, que aligera el drama, permitiendo que se instale cierta cotidianeidad y que los clímax se sucedan sin espectáculo y sin artificios.

A eso ayuda una fantástica banda sonora compuesta por el grupo canadiense Broken Social Scene, que consigue olvidarse de la épica para centrarse en la poética, que me parece mucho más interesante. Por otro lado, la película peca de muchos de los modos facilones del cine indie. Ésos del tipo "si no muevo la cámara todo el rato en la película, sino hago algo fuera del convencionalismo cinematográfico, no soy indie". Las maneras son pretendidamente indies, y eso ya comienza a apestar. Menos mal que no apesta tanto como para distraer, aunque desluzca el resultado final.

En definitiva, una película bonita, entretenida, que se disfruta y emociona, pero que no llega a dar en el clavo, ni por forma ni por fondo. Vamos, que no es la peli del siglo. La pregunta que cabría plantearse ahora es: ¿acaso es necesario ver la peli de tu vida cada vez que vayas a disfrutar del cine?

Pues depende. En el caso de Half Nelson, no.

La fuente de la vida: patetismo existencial

2007-05-07T13:47:00.000+02:00

Me encanta cuando supero los prejuicios de los demás; pero otras veces, esta estúpida rebeldía mía, lo único que hace es que me dé de bruces contra la realidad. Y es que lo que yo entiendo por prejuicios, a veces son críticas terriblemente bien fundadas. El caso es que las malas opiniones suelen servirme de incentivo. Y también suelen impulsarme a malgastar dinero en entradas de cine.

Al grano: Darren Aronofsky casi la palma para sacar adelante su último proyecto. O eso he leído. Lo que a mí me parecía un acto de valentía por parte del director, se trataba en realidad de uno de soberbia, o más o menos esa es mi sensación tras haber visto La fuente de la vida, una película respetable la primera hora, e insufrible a partir de entonces.

Cada minuto que acerca el metraje al fin, se convierte en más bochornoso para el espectador, dando la sensación de que, o Aronofsky se ha drogado demasiado, o que se ha metido en un berenjenal del que no sabe cómo salir. O puede que se haya convertido en uno de esos intelectualoides que hacen lo que sea por convertirse en el más raro, en el artista maldito, en el más incomprendido. Tanto quiere serlo, que se olvida de lo que quiere contar y cómo lo quiere contar, ofreciendo un espectáculo lamentable de pretensiones cósmicas y existenciales.

La historia, como ya hemos comentado aquí varias veces, transcurre en tres líneas temporales en las que, el mismo personaje, Tom, intenta salvar la vida de su mujer. Aunque la idea general es bonita, el hecho de que para que exista la vida, hemos de comprender y aceptar primero la muerte, el modo de resolverlo es tan artificial y retorcido, tan intencionadamente patético, que acaba por desvirtuar las posibles buenas intenciones que tuviera Aronofsky a la hora de poner en marcha el proyecto.

Y eso que la música no está mal, y hay fotogramas realmente bonitos. Y eso que tiene a Hugh Jackman y Rachel Weisz, ambos admirados y reputados actores. Ni siquiera ellos consiguen sacar jugo a una historia que, aunque parece coherente, se hace tan repetitiva e intrincada, que casi nos obliga a perder el interés y la credibilidad que al principio le prestamos. El final, sonrojante y rídiculo, acaba por dar el estoque de la muerte hasta al espectador más entusiasta.

¿Por qué no me fiaría de todo lo que leí? ¿De esos abucheos que cosechó en Venecia? Al menos nadie podrá decirme que no me formo mi propia opinión...

Pronto... La maldición de la flor dorada, lo último y más espectacular de Zhang Yimou.

El jefe de todo esto: deliciosa y ácida comedia laboral

2007-04-10T09:57:00.000+02:00

Si a alguien le cabía alguna duda de que Lars Von Trier es un genio, después de ver esta estupenda comedia, se le disiparán todas las dudas. El jefe de todo esto es la prueba inequívoca de que si el danés es bueno como director, es soberbio como guionista.

Ya habíamos podido ver textos asombrosos en Rompiendo las olas, Dogville o Manderlay, donde no sólo los diálogos son absolutamente arrebatadores, sino que la historia es capaz de envolverte desde el principio, ofreciendo giros inesperados que nunca dejan indiferentes. En su nueva película, Lars Von Trier se enfrenta y con nota, a un sainete sarcástico sobre las relaciones humanas dentro del marco laboral.

Se trata de una cinta breve y concisa, donde las situaciones disparatadas se suceden una detrás de otra, sin perder credibilidad, sin perder ritmo e incrementando progresivamente el interés del espectador por el desenlace de la historia. Creo que es importante acudir 'virgen' a la sala: así se disfruta muchísimo más, dejándote seducir por el factor sorpresa del argumento, del gran trabajo del reparto y del trabajo técnico que Von Trier nos ofrece en el filme.

Porque si, el bueno de Lars escribe bien, tampoco se le da mal dirigir. Ya sabemos, rollo dogma, sin música, sin artificios, sin iluminación. Con ese rollo arte y ensayo que potencia la ingenuidad de la historia y que limita al director, pero que, a su vez, para evidenciar el buen hacer del cineasta a la hora de elegir los planos, en la luz y fotografía (de la que también se ocupa Von Trier) o en fantástico montaje.

Los personajes son también deliciosos: todo un compendio de freaks, ligeramente caricaturizados para fomentar la carcajada, pero entrañables y humanos, con personalidades tan definidas que es imposible no cogerles cariño. Los actores realizan un trabajo soberbio, casi tan bueno como el del director.

Y por último, la guinda del pastel es el brillante desenlace. Ojalá la película no hubiera terminado así, pero reconozco que el final no sólo es convincente, sino también conveniente. Y es que, si esta agridulce farsa sobre compañeros de trabajo -esa otra familia que todos tenemos- nos enseña mucho sobre las relaciones humanas, por encima de todo nos demuestra que la casualidad, lo aleatorio y el absurdo son fundamentales para cualquier tipo de decisión o desenlace. Que muchas veces las consecuencias de nuestros actos esconden motivos que nada tienen que ver con la lógica y que, otras, apenas dependen de uno mismo, sino de terceras personas igual o más excéntricas que nosotros.

Y que la vida es un poco un juego y es así como hay que tomársela.

¡No os la perdáis!

La Ciencia del Sueño: fantasía irrelevante

2007-03-29T14:54:00.000+02:00

Tenía muchísimas ganas de ver La Ciencia del Sueño, quizá por eso salí un poco decepcionado de la sala. Y es que estoy convencido de que gran parte de nuestra reacción ante una película depende de las expectativas que de ella nos hayamos creado. Yo tenía expectativas y muchas. Pero claro, no todo es culpa mía.

El tráiler me encantó y la canción elegida para presentarla (Death Cab for Cutie) también -luego no suena en toda la película-, me encantaban los actores y a Gondry lo tengo idolatrado desde ¡Olvídate de mí!, una de mis películas favoritas de todos los tiempos.

La Ciencia del Sueño tiene un déficit notable: la ausencia de Charlie Kaufman en el guión. Kaufman ha coescrito también con Gondry Human Nature, una fábula alocada sobre el origen animal e instintivo del hombre y su civilización, y junto al director Spike Jonze, dos de mis pelis favoritas, por sorprendentes, neuróticas y pasionales: Adaptation y Cómo ser John Malkovich.

El poder de Kaufman está en lo que mi amiga Meri (y comentadora oficial) llama el punch. Ese suave puñetazo que te da en el corazón cierta peli, cierto libro, cierta canción. Y es lo que le falta a La Ciencia del Sueño: algo de profundidad en los devaneos oníricos del protagonista. Es obvio que una película puede optar por la vía estética y dejar en un segundo plano el argumento. Es una opción legítima del director. Pero para mí no es suficiente.

Los actores protagonistas en especial, Gael García Bernal y Charlotte Gainsbourg, y sus compañeros de reparto en general, hacen alarde de un gran trabajo, siempre convincente, a pesar de las limitaciones obvias del guión.

También destacan una excelente dirección artística, preciosos efectos especiales y una bonita banda sonora, pero creo que desaprovecha la idea fundamental, que en sí es apasionante, y no la desarrolla lo suficiente hasta darle ese punch que tanto echo de menos. Para mi gusto naufraga en un maremágnum de artificios visuales que ya hemos visto en otros trabajos de Gondry, con ese aire naif, artesano, infantil, lúdico y, claro, onírico, hasta desvirtuar lo esencial: sus personajes y la interacción de ambos.

Eso sí, se confirma como un excelente espectáculo visual romántico. ¿Veremos su próxima peli en una retrospectiva de videoarte? Yo espero que sigamos viendo buenos trabajos en el cine y, si se quiere dar al videoarte, oyes, pues mejor (más es siempre más).

¡Hasta la próxima!

Las oscarizables que no oscarizaron

2007-03-22T15:10:00.000+01:00

Lamento mi larga ausencia. Podría argumentar mucho trabajo, mucha vida social, mucho de todo, y diría la verdad. Pero sí que es verdad que no he encontrado el rato, las ganas o el momento, y he de decir que los he tenido. La pereza, que es la madre de todos los pecados. En fin, os pido mil perdones y reactivo el blog de nuevo, que ya está bien. Espero que no pase tanto tiempo desde esta entrada hasta la próxima. En este tiempo he ido al cine a ver unas cuantas películas que obtuvieron alguna nominación al Oscar, pero que no se llevaron ni una sola estatuilla. Hagamos un rápido repaso:

Diamante de Sangre, por ejemplo, podría haberse llevado algo en el apartado de interpretación y Juegos Secretos en el guión. En busca de la felicidad y Venus no se llevaron nada y no me extraña. Estas películas tienen en común sus nominaciones al Oscar y que todas ellas son made in Hollywood, sin embargo, los resultados son desiguales en lo cinematográfico. Me explico: como decía Risto, los hay más productos y menos productos. Productos descarado son Diamante de Sangre y En busca de la Felicidad. La primera está bien hecha, la segunda no. En el caso de Juegos Secretos, su propuesta es mucho más interesante que las otras, por tener algo más de inquietud artística y presentar un guión tan sólido como sorprendente. Venus es una drama inglesito que no mata, pero entretiene.

Diamante de Sangre estaba nominada a mejor montaje, a dos categorías técnicas de sonido y a mejor actor principal, Leonardo DiCaprio, y mejor actor de reparto, Djimon Hounsou. Obviando el tema técnico, donde no doy ni pie con bola -aunque intuya que son nominaciones merecidas-, hay que reconocer que en las interpretaciones, DiCaprio realiza un trabajo notable, pero tampoco mata; sin embargo, Hounsou demuestra una convicción espeluznante, sobre todo teniendo cuenta lo planito que era su personaje.

La historia va, como ya sabréis, del drama que se vivió en los años 90 en Sierra Leona a causa, fundamentalmente, del tráfico de diamantes. Se trata de una película hollywoodiense y, por tanto, autocomplaciente, pero tibiamente crítica, lo que merece, sólo por eso, un mínimo de atención. Muy idílica en algunos momentos, intencionadamente emotiva en otros, la cinta no deja de conmocionar y emocionar a partes iguales. En definitiva, se sufre y se disfruta. Le pondría una pega importante: las secuencias de acción. Hay un evidente exceso de metraje en este punto que en ocasiones agota al espectador. Pero en fin, es un vicio que están cogiendo la mayoría de directores de dramones épicos: si no dura tu peli dos horas y media, parece que no es tan buena película. ¡Error! La gente se cansa. Le doy un 7.

Cansina, y mucho, es el dramón familiar En busca de la felicidad, que tiene su mayor valor en la química de los protagonistas, Will Smith y su hijo Jaden, que también interpretan padre e hijo en la cinta. Química entre ellos hay, por supuesto y faltaría más. Sin embargo, la historia se centra poco en la relación de ambos. En realidad, al director parece interesarle más la sucesión de dramas, desencuentros y golpes de mala suerte del protagonista, puteándole hasta extremos que rozan el sadismo, y provocando cierta incomodidad y asfixia en el espectador. Apenas ves progresos, abusa de situaciones que se vuelven reiterativas... Y alucinas con el aguante del personaje, que resiste con incomprensible paciencia, las putadas del destino. Simple, aburrida, agotadora... el mayor esfuerzo interpretativo de Will Smith es la enorme cantidad de metraje que se pasa corriendo... corre tanto que consigue ponerte nervioso. Lo único salvable son los escasos puntos de humor que pone el niño a la película. Simth estaba nominado al Oscar por su papel protagonista en esta película: no es, en absoluto, para tanto. Se merece un 3, pero le doy un 5 raspao.

Juegos Secretos es una película de órdago, un caramelito envenenado que, con ese aspecto de culebrón vecinal y esperpéntico, se va convirtiendo en un agudo drama humano, especialmente crítico con la desmedida vanidad de las clases medias americanas. Insatisfacción vital y falsas apariencias se convierten en el leit motiv de esta película que, a medida que pasan los minutos, va ganando en intensidad. Con impresionantes interpretaciones, y un ritmo lento y decadente, su guión es tan impresionante como impredecible. Kate Winslet está soberbia y, sin duda, es la mejor actriz británica joven que podemos ver en el cine. Un 8,5 como un castillo.

Por último, hablemos de Venus, ese drama viejuno que le ha valido a Peter O'Toole una nominación al Oscar por su papel protagonista. Más que una nominación parece un regalo a ver si de una vez por todas, suena la flauta, después de ocho ocasiones sin llevarse la estatuilla. De hecho, la Academia le propuso un Oscar Honorífico, pero el actor británico se negó argumentando que aún le quedan papeles por hacer que le pueden otorgar el galardón. De ilusión también se vive.

El caso es que Peter O'Toole realiza un trabajo más que notable en Venus, pero no sobresaliente. Su magnetismo es lo que impide que la película se caiga por todos lados, ya que se sostiene con bases muy endebles. El guión, a pesar de ser sólido y, a ratos, brillante (se nota la mano de Hanif Kureishi), no deja de ser ligero y a ratos irreal. El director siempre se ve tentado de pasarse de castaño oscuro al retratar el lado más crudo de la anciana masculinidad, lo que le lleva a puntos ridículos innecesarios. Llena de caricaturizaciones geriátricas y patetismo de tercera edad, la película se mueve entre un costumbrismo poético a ratos muy efectivo y la emotividad barata recurriendo a lo fácil: la enfermedad y la inevitabilidad de la muerte. En fin, Venus ya la hemos visto más veces y con otros actores, pero, a pesar de todo, se deja ver y consigue emocionar. 6.

Pronto enviaré el regalito. Gracias por seguirme... ¡qué paciencia tenéis conmigo!

Y el premio fue para... Alan Arkin

2007-02-26T09:12:00.000+01:00

Al menos en la categoría de actor de reparto, no se cumplieron los pronósticos. Al final no fue Eddie Murphy, sino Alan Arkin por Pequeña Miss Sunshine, el ganador del oscar al mejor intérprete secundario. ¡Enhorabuena! Así que tienen premio TB, MM, Mr. Grieves, el señor N y Víctor. ¡Muchas gracias a todos por participar!

Invito a los ganadores a enviarme un email con su dirección postal para que yo les pueda mandar el regalito. Por cierto, lamento decepcionarles si les digo que no les voy a enviar unos billetes de avión para conocer Hollywood... En realidad es algo mucho más bonito: una recopilación de canciones de cine que me ha quedado muy ñoña. ¡Espero que les guste!

Respecto a los Oscars, en cualquier otro sitio pueden leer y ver muchas más cosas sobre los premios que aquí. Como valoración, decir que más o menos los resultados han sido como se esperaban: ganó Scorsese, Mirren, Whitaker (merecidos todos) y Babel se quedó con un palmo de narices. Mira que me alegro: una película tan pedorra como la de Iñárritu merecía ser un poco ninguneada después de tanto premio inmerecido. El que sí se lo llevó fue Gustavo Santaolalla, que se confirma como el bandasonorista de moda.

En el guión tampoco hubo sorpresas (Infiltrados, Pequeña Miss Sunshine y yo tan contento) ni en la actriz de reparto (Hudson), aunque sí se quedó con cara de pánfilo el pobre Guillermo del Toro, que vio cómo se quedaba sin Oscar a la mejor peli extranjera. La soberbia La Vida de los Otros se lo arrebató.

Donde sí ganó el Fauno fue donde tenía que ganar: su fantástico trabajo de maquillaje, fotografía y dirección artística fueron reconocidos con sus respectivas estatuillas.

Una vez pasada la vorágine de premios, espero ponerme al día con la crítica de algunas películas que he visto recientemente. Una vez más, gracias por leerme :)

Feliz cumpleaños... ¡con premio!

2007-02-20T14:58:00.000+01:00

¡Hoy estamos de cumpleaños! Esta mañana me he puesto a poner las etiquetas de la nueva versión de blogger y me he dado cuenta de que justamente hoy hace un año abría esta Linterna Mágica, la forma más modesta (y anónima) que se me ocurría de dar salida a mis inquietudes cinéfilas.

Un año después sigo siendo igual de modesto, aunque tenga algunos lectores más que al principio, y mantengo la misma ilusión por continuar con el blog, escribiendo sobre las pelis que he ido a ver en el cine y dando rienda suelta a mis neuras en torno al séptimo arte. En fin, a veces cuesta, por el trabajo y porque todos andamos ocupados, pero lo intento en la medida de lo posible. Y sigo con él porque es muy gratificante leerlo cuando ha pasado el tiempo y poder compartir opiniones con quienes me leen.

Gracias por su fidelidad a Meri, Víctor, Iván, J, MM, Cristina, Jaimecín, Paco, Tb, John Trent, Barry Collins, y algunos anónimos que sé que leen aunque no digan nada (si se me olvida mencionar a alguien, perdonadme, que son los nervios -¡uy, como en los Oscar!-). El caso es que no sé si alguien participará, pero había pensado en hacer un concursillo por aquello de celebrar el aniversario. El premio será algo modestito, como el blog, y espero que le guste mucho a la persona agraciada (o personas). ¿Qué será, será? Se desvelará cuando termine el concurso.

Ahí va la pregunta: tenéis que adivinar quién será el actor de reparto que este año se llevará el Oscar. Recordad que los aspirantes son Alan Arkin (Pequeña Miss Sunshine), Eddie Murphy (Dreamgirls), Jackie Earle Haley (Juegos Secretos), Mark Walhberg (Infiltrados) y Djimon Hounsou (Diamante de Sangre).

¡Venga, participad, que me hace mucha ilusión! Podéis hacerlo a través de los comentarios y por e-mail (magicalinterna[arroba]gmail.com)

¡El o los que ganen tendrán un premio muy especial!

Oscars 2007: lo que me gustaría que ganara

2007-02-19T15:42:00.000+01:00

Bueno, ya va siendo hora de empezar con la porra, ¿no os parece? Mientras que otros años la categoría de actores parece la más disputada y está cantado cuál será la ganadora en la categoría de mejor película, este año la cosa es al revés. A nadie le cabe duda de que Helen Mirren y Forest Whitaker se irán a su casa con la preciada estatuilla. Pero, ¿quién se llevará el gato al agua en película, dirección y guión?

Si existe la justicia en este mundo, éste debería ser el año de Martin Scorsese. Su excelente trayectoria y sus grandes películas merecen ya el premio que tanto tiempo se le ha estado negando. Será con Infiltrados, pero podría haber sido por El Aviador, Casino, Historias de Nueva York, Toro Salvaje, New York, New York, Taxi Driver... Eastwood, sin duda, es su principal competidor.

En cuanto a la mejor película, el hecho de que Cartas desde Iwo Jima se llevase el Globo de Oro a la Mejor Película de Habla no Inglesa pone las cosas difíciles a Babel, Globo de Oro a la Mejor Película Dramática, que partía como favorita. Sin embargo, Infiltrados es otro hueso duro de roer. Tanto la peli de Scorsese como la de Eastwood han recogido bastantes reconocimientos entre los críticos estadounidenses y las asociaciones profesionales del sector, un espaldarazo que le falta a Babel, quizá por tratarse de una película dirigida por un mexicano y con una temática más global y menos americanizada. Si fuera por premios de las sociedades y asociaciones de críticos, Infiltrados sería la ganadora.

A pesar de que The Queen acaba de llevarse el Bafta a la mejor película, no parece que ésta consiga hacerle sombra a ninguna de las tres anteriores, principalmente por su carácter localista y preeminentemente inglés. Por desgracia, la que me gustaría que ganase, Pequeña Miss Sunshine, es la que menos posibilidades tiene. Aunque no estaría mal que por una vez una comedia consiguiera vencer al gran dramón épico que suelen premiar.

Respecto a los actores protagonistas, está mascado quién ganará en las categorías principales. Como estoy muy a favor de la Mirren, pues nada, estupendo. Me gustaría que ganase y además, ganará. En el apartado masculino, he de reconocer que me gustaría que triunfase Ryan Gosling, que interpreta a un profesor de secundaria drogadicto en Half Nelson. El reconocimiento de esta peli independiente con una nominación a su intérprete principal ya es un premio en sí, así que no tiene ninguna posibilidad de ganar.

En la categoría de actriz secundaria, Jennifer Hudson (Dreamgirls) es la clara favorita. Se ha llevado todo: el globo de oro, el bafta, el premio del Sindicato de Actores... Cate Blanchett (Diario de un escándalo) ya se llevó el premio por El Aviador en 2004 y Adriana Barraza y Rinko Kikuchi (Babel) ya tienen premio con la nominación. Me gustaría que ganase Abigail Breslin, la encantadora aspirante a Pequeña Miss Sunshine, pero está difícil la cosa.

Algo más reñida está la categoría de actor de reparto, donde Eddie Murphy (Dreamgirls) parte como principal aspirante. Se ha llevado todo menos el Bafta, que cayó en manos del divertido abuelo de Pequeña Miss Sunshine, que interpreta Alan Arkin. Mark Wahlberg (Infiltrados) también ha recibido algún premio de críticos, pero para él, tanto como para Jackie Earle Haley (Juegos Secretos), la nominación es ya el premio en sí. Me gustaría que se lo llevase Djimon Hounsou, que partía como favorito al comenzar la carrera hacia los Oscar, pero empezó a perder posiciones frente a sus contrincantes. Su personaje en Diamante de Sangre no es el más complejo de todos los que aspiran al premio, pero la intensidad de su interpretación merece un reconocimiento.

En cuanto a los guiones, lo más probable es que gane William Monahan por Infiltrados en la categoría de adaptado y Michael Arndt por Pequeña Miss Sunshine en el guión original. Ambos tienen el reconocimiento de la crítica y el premio de los guionistas, que suelen ser el mejor baremo para estos apartados. En guión original, Guillermo del Toro podría dar la sorpresa con El Laberinto del Fauno o incluso Peter Morgan, que se llevó el Globo de Oro por The Queen, pero es poco probable, ya que este Oscar suele significar el reconocimiento a la peli indi del año (Pequeña Miss Sunshine), que siempre se lleva algo gracias al apartado de guión (recordemos años anteriores: Brokeback Mountain, Entre Copas, ¡Olvídate de mí!, Lost in Translation...). Respecto al guión adaptado, Todd Field y Tom Perrotta podrían hacer sombra a la peli de Scorsese por Juegos Secretos. Me haría mucha ilusión que tanto la peli de Field como Hijos de los Hombres le arrebatasen este Oscar a Infiltrados.

En fin, sólo queda una semana para los premios más importantes del mundo del cine, así que... mucha suerte a todos y en especial a La Vida de los Otros, que debería llevarse el Oscar a la Mejor Película Extranjera. Lamentablemente, Del Toro se zampará con patatas a todos sus contrincantes.

¡Qué pesaos con el Fauno! Tampoco es pa tanto, amos, digo yo.

Más extraño que la ficción

2007-01-30T16:55:00.000+01:00

Ayer, después de mucho tiempo, volví a llorar en el cine. Y mira que soy de lágrima fácil, que no me cuesta nada. Yo creo que desde Una historia de Brooklyn no disfrutaba tanto de este tipo de comedia que tanto me gusta, aquella que te hace sonreír, incluso reír, con una mueca ligeramente amarga. Que habla de seres humanos, de sentimientos, de relaciones entre personas, que te enseñan algo de la vida y que te hacen disfrutarla un poquito más. Y que te hacen pensar: ¿cómo es posible que haya gente que sea capaz de hacer una cosa tan bonita? Desde luego el trabajo del director y su equipo es impecable.

La diferencia entre Una historia de Brooklyn y Más extraño que la ficción está en el tono (en realidad, no se parecen en nada, salvo en que ambas consiguieron remover, para bien, mis neuronas). Porque si ambas comparten ese deje de parodia respecto al ser humano, en la primera el sarcasmo y la acidez provocaban una sensación terriblemente amarga. Sin embargo, en la nueva peli de Marc Forster todo es mucho más amable. Es una comedia, en ese sentido, mucho más pura, porque el protagonista es tan esperpéntico que resulta humorístico. Es como un payaso: te ríes de sus ridiculeces, de sus caídas y su aspecto porque sabes que no es real. Que es un papel, que es un personaje.

El juego entre ficción y realidad en el que profundiza el argumento agudiza mucho más la sensación relajada de estar ante una comedia ocurrente en el que las carcajadas están aseguradas. Pero, cuidado, llega el momento de la verdad. Mientras que Forster te embauca con una historia atractiva, una banda sonora emocionante, unos recursos visuales sorprendentes y unos gags deliciosos, ya te has encariñado de Harold, el prota. Y tú, como la escritora que da vida a Harold, no podrás parar de sufrir ante lo que es su fin irrevocable.

No quiero desvelar demasiado de la trama: yo acudí al cine virgen y sólo así puedes quedar sorprendido y maravillado ante un guión increíblemente brillante y novedoso. Sólo decir que la historia atrapa gracias a su aparente ligereza y a lo rocambolesco de la situación que se plantea.

La metáfora que formula es genial. Sólo cuando Harold empieza a conocerse a sí mismo y a tomar conciencia de sí, de sus deseos e ilusiones, es cuando decide querer vivir de verdad y luchar contra su destino. Si todos tuviéramos un final del que pudiéramos ser conscientes (¡aunque lo tenemos!), viviríamos de un modo distinto, mucho más auténtico y coherente. A lo mejor nuestra vida cambiaría poco, o mucho, pero seguro que sería distinta.

Otro de los asuntos en los que abunda es en la implicación del espectador y la escritora en la vida del protagonista. Sólo cuando Harold comienza a ser real, cuando vemos al hombre que se esconde tras la nariz roja, dejamos de reírnos de él y de su suerte. Sólo cuando le interiorizamos, cuando se convierte en el héroe, nos importa. Algo similar podría suceder con las desgracias y patetismos a los que nos tiene acostumbrados la televisión. Las terribles noticias de los telediarios, los reality shows... todo parece una ficción de la que compadecernos, reírnos, asombrarnos. La pantalla es como un cristal que nos impide asimilar que son gente real, que sufre, que vive y que muere, como Harold.

Es complicado hablar de todo lo que me ha hecho reflexionar Más extraño que la ficción sin hablar un poco de la trama, así que os animo a que vayáis al cine a verla, y que rasquéis bajo esa aparente comedieta ligera (¡había gente en el cine que se reía en escenas muy tristes!). A su favor también están unos actores muy convincentes, desde los siempre eficaces Emma Thompson y Dustin Hoffman, hasta el sorprendente Will Ferrell, que deja su habitual papel de freak para dar réplica un personaje apasionante (¡como en la peli!). También están fantásticas Maggie Gyllenhaal y Queen Latifah.

Forster firma la que es para mí su mejor película, tras el intenso dramón Monster's Ball y la ligeramente edulcorada Descubriendo Nunca Jamás (de la fallida Tránsito ni hablamos), ambos films solventes, pero sin llegar a quedar tan redondos. Alguien podría calificar a Más extraño que la ficción de efectista, no sin falta de razón. ¡Pero estamos navegando en terrenos literarios! El director también ha querido permitirse su propia licencia poética. Vale que el final podría haber sido más realista,¡pero es que tal como está queda taaaaaaan bonito!

Review

2007-01-27T13:58:00.000+01:00

Escribir una entrada comentando cada una de las películas que he visto últimamente se me hace un poco cuesta arriba, porque ya llevo unas cuantas vistas y se me ha ido pasando actualizar, así que voy a hacer un pequeño resumen de cada una de ellas.

Hijos de los Hombres. Sorprende que una película épica de magnífica factura, sólido guión y excelentes interpretaciones pase tan desapercibida en las nominaciones y entregas de premios recientes, a pesar de que numerosos críticos de aquí y de allá la hayan puesto por las nubes. Esta fábula futurista y catastrofista convence por un argumento interesante y verosímil y entretiene gracias a sus escenas de acción e intriga. La pega que le pongo es que Julianne Moore sale poquísimo. Aparte de Clive Owen, que está estupendo, me gustaría destacar el trabajo de Chiwetel Ejiofor, que poco a poco se va convirtiendo en una cara conocida gracias a sus excelentes interpretaciones. 8.

Brick. A pesar de ser original y continuamente interesante, la opera prima de Rian Johnson se queda un tanto coja por su falta de sentido común. No sólo no hay quien se la crea, sino que se toma tan en serio a sí misma que a veces resulta cómica. A su favor hay que destacar el buen trabajo del reparto y la concesión del director de explicar toda la trama al final de la película, que a más de uno nos vino de perlas para terminar de atar los cabos de un guión tan complejo como enrevesado. 6.

El perfume: historia de un asesino. Otra peli interesante, pero floja, que no termina de convencer. ¿Por qué? Quizás porque una novela anodina que se adapta de manera tan fiel a la pantalla grande acaba por convertirse en una película anodina también. Es tan fiel, tan fiel al best-seller de Patrick Suskind, que muchos de los acontecimientos que resultan creíbles en las páginas de libro se convierten en bochornosos cuando los traduces en imágenes. Eso por no hablar del aburrido protagonista, que es incapaz de conectar con el espectador: no produce ninguna empatía, ni siquiera rechazo. Es como ver un documental de National Geographic. Y es que estar todo el rato flotando por lo sensorial termina llevando al espectador a lo más superficial que es, siempre, lo menos apasionante. 5,5.

El truco final: el prestigio. Que Christopher Nolan es un excelente director y que podría ser un grande del cine es algo que muchos de nosotros sabemos. Sin embargo, su afán por mantenerse en el thriller seudoparanormal le impide conectar con un público más amplio que le ofrecería un mayor reconocimiento. En fin, ya sólo por tener unos sólidos principios merece todos nuestros respectos. Pero es que además sus películas consiguen cautivar al espectador de principio a fin, trascendiendo lo puramente espectacular, y llegando a lo esencial, realizando minuciosos estudios del ser humano. En The Prestige, se ponen en juego valores como la rivalidad, la envidia o la ambición. A pesar de ser una buena película, echo en falta algo de sentimentalismo entre tantas intenciones oscuras. 7,5.

The Queen. Otra de las grandes sorpresas de la temporada. Un telefilm que se ha convertido en todo un fenómeno gracias al buen hacer de Stephen Frears y la magnífica interpretación de Helen Mirren, que siempre está estupenda con cualquier cosita que hace. Y es que The Queen es una película amable y emotiva, de ésas que dentro de tres años habrás olvidado que has visto, que no es trascendental ni rotunda, pero que se disfruta mucho porque está muy bien contada y es entretenida. Sin duda, la mímesis de los actores con personajes reales que aún están vivos es su valor fundamental (así como el excelente guión). Se echa en falta una nominación al Oscar al brillante Michael Sheen, que interpreta a un Tony Blair, ligeramente santificado (cómo se le ve el plumero al director, nunca mejor dicho!). 6,8.

Hollywoodland. Los aficionados al cine negro encontrarán en la primera incursión en el cine de Allen Coulter, Hollywoodland, una película tan tan de género, que hasta que no pasan unos minutos eres incapaz de creer nada de lo que estás viendo. Las sobreactuaciones al principio pueden resultar enervantes, hasta que te introduces en Los Ángeles de los años 50, lleno de empresarios mafiosos, policías corruptos, actores fracasados, cigarrillos y bourbon. Sin embargo, Coulter consigue atrapar gracias a un argumento convincente, que no sólo esconde una trama detectivesca apasionante, sino que tiene mucho que decir en cuanto a las tragedias personales de cada uno de los personajes. Los actores no lo hacen mal, pero el cásting podría haber sido mucho mejor: y no lo digo por Ben Affleck, que está más que bien, sino por Diane Lane, que resulta a ratos insoportable. Lo mejor: el buen hacer del director. Es capaz de meterte unos planos preciosos casi sin que te des cuenta, sin recrearse, sin darse importancia, siempre al servicio del film. Una película donde la forma prima ligeramente sobre el contenido, pero que no por ello deja de ser notable. 7,7.

Cine para el invierno

2007-01-18T08:35:00.000+01:00

Los próximos meses llegan cargaditos de novedades cinematográficas y no quiero dejar pasar la oportunidad de recomendaros algunas pelis interesantes que se van a estrenar en breve. Muchas semanas será difícil elegir entre una de varias con buena pinta, pero en fin, habrá que hacer de tripas corazón. Éstas son mis elegidas para estos tres mesecitos que nos quedan aún de invierno:

Día 19 de enero: Más extraño que la ficción de Marc Forster. Tras el descalabro de Tránsito, Forster, director de películas tan intensas (y lacrimógenas) como Descubriendo Nunca Jamás y Monster's Ball, apuesta ahora por una comedia fantástica a cargo de Will Ferrell, que le ha valido numerosos reconocimientos por su trabajo interpretativo, en la que se cuenta la historia de un novelista que está a punto de finalizar su gran obra maestra. El problema está en que tiene que cargarse a su personaje principal... ¡que está vivo en la realidad! Dustin Hoffman, Maggie Gyllenhaal, Queen Latifah y Emma Thompson completan el reparto.

Día 26 de enero: A pesar de que da un poco de pereza, os animo a ver Dreamgirls, de Bill Condon, la ganadora de la última edición de los Globos de Oro, gracias a tres estatuillas obtenidas en los apartados de mejor película musical o comedia y mejores actores de reparto (Eddie Murphy y Jennifer Hudson). A Condon le avalan sus anteriores películas (las irregulares, pero interesantes Kinsey y Dioses y Monstruos) y la participación de grandes artistas afroamericanos como Beyoncé, Jamie Foxx y Danny Glover. Arrasará en los Oscars, seguro.

Día 9 de febrero: Se estrena por fin, Little children, que aquí traducirán como Juegos secretos. El director de la inquietante En la habitación, Todd Field, vuelve a los terrenos del drama psicológico con dos pedazo de actrices, Kate Winslet y Jennifer Connelly. Ha recibido ya numerosos reconocimientos de la crítica estadounidense y nominaciones a los Globos de Oro y los Bafta. Super recomendable.

Día 16 de febrero: La versión japonesa de Banderas de Nuestros Padres, y recién ganadora del Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa, Cartas desde Iwo Jima, se estrena por fin, avalada por su director, Clint Eastwood y un reparto de actores japoneses que quita el hipo. Otra superoscarizable.

Día 23 de febrero: Lars Von Trier siempre merece un poco de atención, aunque no estrene dramón épico de tres horas con rutilante estrella femenina como protagonista. El director de todo esto es una coproducción europea entre Dinamarca, Suecia y Francia que nos cuenta, en clave de comedia y con modos dogma, un conflicto laboral lleno de enredos y engaños. El guión y la fotografía están firmados por el propio Von Trier.

Día 2 de marzo: Otro que vuelve es uno de los cineastas épicos por excelencia. A primeros de marzo llega por fin a España Breaking and Entering de Anthony Minguella, que aún está pendiente de título en español. La película, rodada en Londres, parte de un hecho real y pretende llamar la atención sobre los conflictos sociales que provoca la llegada masiva de inmigrantes a Europa. Participan dos de los intérpretes favoritos de Minguella: Jude Law (con el que repite tras Cold Mountain y El Talento de Mr. Ripley) y Juliette Binoche (que ganó un Oscar por El Paciente Inglés).

Día 9 de marzo: Llega a la cartelera española la nueva fábula de espadas y dragones de Zhang Yimou. The curse of the golden flower, algo así como La Maldición de la Flor Dorada, promete emociones fuertes y peleas épicas con dos estrellas asiáticas de calado internacional: Gong Li y Chow Yun-Fat.

Día 16 de marzo: La única semana que no hay ninguna película que tenga especialmente buena pinta. Estrenan El violín, película mexicana seleccionada en San Sebastián sobre la guerrilla campesina que puede ser interesante, pero también Chromofobia, la nueva peli de la irregular Martha Fiennes, que vuelve a confiar en su hermano Ralph Fiennes para protagonizarla. Le acompañan Penélope Cruz y otro buenorro al que le teníamos perdida la pista, Ben Chaplin. Asimismo, veremos The Prize winner of defiance, Ohio, dirigida por una guionista mediocre, Jane Anderson, pero que está avalada por buenas críticas y el protagonismo de Julianne Moore, Woody Harrelson, y Laura Dern.

Día 23 de marzo: Aquí sí que llega una peli que me apetece de verdad, la última del genio recientemente fallecido, Robert Altman. El último show es, como siempre en su caso, una película coral donde brillan grandes actrices como Meryl Streep, Lily Tomlin, Virgina Madsen y la gran promesa Lindsay Lohan (si su afición al alcohol no lo impide) y actores como Kevin Kline, Woody Harrelson y John C. Reilly.

Día 30 de marzo: Terminamos el mes con La fuente de la vida, de Darren Aronofsky, de la que hace meses que llevamos hablando aquí. Sólo decir que espero que no sea tan mala como apuntan los críticos. Por cierto, ha sido un gran fracaso de taquilla en Estados Unidos, a pesar de que el pobre Darren ha sudado tinta para sacar adelante este proyecto. En fin, más suerte para la próxima.

Time: una pérdida de tiempo

2007-01-11T13:28:00.000+01:00

Kim Ki-Duk es uno de los directores más interesantes del mundo. Procedente de Corea, está a la cabeza de los cineastas asiáticos más prestigiosos, debido, en parte, a su magnífica factura técnica y a la ternura desgarradora de las historias que cuenta. Sin embargo, de haber visto esta película en 2006, la hubiera incluido dentro de la lista de las más decepcionantes del año. Y mira que me gusta Kim Ki-Duk.

Me conquistó con el romanticismo singular de Hierro 3, con el espíritu zen de Primavera, Verano, Otoño, Invierno y Primavera, con la pasión contenida de El Arco. Samaritan girl fue esa pequeña piedra en el camino en una trayectoria impecable: una historia errática y forzada que llevaba a unos extremos desmedidos las tragedias afectivas de un padre y su hija (y es que las relaciones humanas y el amor son los hilos esenciales que mueven del cine del director coreano).

Es verdad que los argumentos presentes en las cintas de Kim Ki-Duk son limítrofes con el realismo mágico, lo que le deja en terreno peligroso. En ese terreno en el que donde unos disfrutan de una bella metáfora que les enseña algo de la vida y otros ven una serie de absurdeces que no hay por donde coger. Sin embargo, la contención de las emociones en cada uno de sus dramas servía para ofrecer una base sólida a sus historias que las hicera más creíbles.

El argumento de Time es, a priori original e interesante, y podría haber dado lugar a una cinta bellísima de alto contenido emotivo. Sin embargo, Kim Ki-Duk ha decido contarla desde los extremos del amor y la cordura, usando como vehículo a unos personajes completamente fuera de sí. Los gritos, los chillidos, los gestos histriónicos, la sangre, muy frecuentes en la ficción oriental, sobre todo la japonesa, se convierten en la constante de una película que, por exagerada, resulta agotadora.

Los diálogos y las situaciones se plantean de un modo tan artificial que los personajes llegan a puntos esperpéticos y caricaturizables realmente divertidos. Lo que pretende ser una fábula romántica sobre cómo afecta el paso del tiempo al amor, se convierte en una telenovela ridícula que te hace reír a carcajadas en más de una ocasión.

Una lástima que el director haya desperdiciado una idea tan interesante, que es capaz de conectar las obsesiones modernas (la tecnología, la cirugía estética) con las obsesiones universales (la soledad, el miedo a envejecer), para ofrecernos un espectáculo teatral infame y excesivamente reiterativo con diálogos que sobrepasan el absurdo (de hecho, hay una escena, en la cafetería, con la actriz llevando una máscara que parece caricaturizar al mismo filme). ¿Un guiño del propio director? Quién sabe.

En cualquier caso, lo bueno de Kim Ki-Duk es que es siempre es disfrutable estéticamente. Las imágenes en el parque de las estatuas, o la de los metafóricos rostros envueltos en sábanas, o la de la protagonista pisando descalza las fotos de su pareja nos devuelven con fuerza al cineasta más auténtico y nos hace guardar la esperanza de que quizá en la próxima película vuelva a entregarnos una de sus pequeñas y preciosistas obras maestras.

Lo mejor de 2006 (actualizado)

2006-12-22T21:29:00.000+01:00

Aunque hay muchas películas que no he visto (aún estoy a tiempo!) y que me hubiera gustado ver (El viento que agita la cebada, The Queen, ~~Brick~~, Gracias por fumar, Optimistas), me lanzo ya proponer mi lista de lo mejor de 2006 (vamos, a mi juicio, de lo que yo he podido ver, las mejores películas estrenadas este año).

Las mejores películas de 2006

1- Brokeback mountain (En terreno vedado)

2- Munich

3- Una historia de Brooklyn

4- Infiltrados

5- Transamerica

6- Manderlay

7- Truman Capote

8- Pequeña Miss Sunshine

9- AzulOscuroCasiNegro

10- Hijos de los hombres

11- Crash

12- CRAZY

13- Scoop

14- El Arco

15- Verano en Berlín

Las películas más decepcionantes de 2006

1- Volver

2- Superman Returns

3- La joven del agua

4- Nueve vidas

5- Caché

6- Junebug

7- V de Vendetta

8- El laberinto del Fauno

9- Brick (actualización)

10- Mrs. Henderson presenta

Los mejores actores de 2006

Leonardo DiCaprio (Infiltrados)

Jake Gyllenhaal (Brokeback Mountain)

Jeff Daniels (Una historia de Brooklyn)

Marc-André Grondin (C.R.A.Z.Y.)

Clive Owen (Hijos de los hombres)

Las mejores actrices de 2006

Laura Linney (Una historia de Brooklyn)

Reese Witherspoon (En la cuerda floja)

Abigail Breslin (Pequeña Miss Sunshine)

Inka Friedrich y Nadja Uhl (Verano en Berlín)

Gong Li (Memorias de una Geisha)

El Ilusionista: la magia del amor y el misterio

2006-12-19T13:18:00.000+01:00

Si dijera que El Ilusionista es una película mediocre, mentiría. No, no lo es, a pesar de que el segundo trabajo del desconocido director Neil Burger ahonde en lugares comunes ya de sobra conocidos por los aficionados al cine. Tampoco podemos decir que esta cinta, de relativamente escaso presupuesto (para lo que acostumbra Hollywood), sea una de tantas películas románticas de época. Y es que Burger encontró el tema perfecto para darle sal a un plato aparentemente soso: la magia.

Partiendo de un convincente protagonista, Edward Norton, la película nos cuenta una historia de amor entre un humilde muchacho de campo y una joven aristócrata destinada a reinar, que se ve truncada por la diferencia de clase. Tras una separación traumática de su amada, un Eisenheim que va haciéndose adulto, emprende un largo viaje en el que aprende los secretos de la magia y la prestidigitación. Años después reaparece en Viena con un espectáculo que llama la atención del propio heredero a la corona de Austria-Hungría. En el teatro será donde el ilusionista y Sophie, su amada de la adolescencia, se reencuentren para descubrir que su amor no se ha apagado.

Qué queréis que os diga: magia, trajes de época, suspense, espadas, intrigas palaciegas, romance, Viena, asesinatos, carruajes... Son todos ellos ingredientes perfectos para darle calado a una película que podría haber pasado sin pena ni gloria por la cartelera. Una elección adecuada de los actores (todos ellos en el candelero: la correcta Jessica Biel, el cansino Paul Giamatti y el siempre notable Edward Norton), un guión bien hilado y un último e inesperado giro argumental (aunque algunos nos lo olíamos desde el principio) completan el resto de engranajes para convertir un humilde seiscientos en todo un gran turismo dispuesto a amasar dinero a espuertas.

No quiero pasarme con las metáforas obvias, que ya he soltado unas cuantas, así que sólo diré que Neil Burger tiene un mérito tremendo, no sólo como director, ya que el pulso de la película es lo suficientemente ágil como para que no te aburras, sino también como guionista, ya que es él mismo el encargado de adaptar con soltura la novela de Steven Millhauser, que también participa en los libretos, Eisenheim the Illusionist.

Para algunos un rollo patatero almibarado, para otros un producto de fácil consumo hollywoodiense, ya se sabe que sobre gustos no hay nada escrito. Para mí una película correcta de excelente factura que, si bien, no llega a emocionar del todo, consigue mantener al espectador en la butaca devolviéndole a ese mundo romántico de los folletines dieciochescos. ¿Cuece o enriquece? Burger pone el chup chup gracias a una historia de detectives al más puro estilo Agatha Christie. Así que, ala, a disfrutarla que un poco de potenciador de sabor no viene mal de vez en cuando.

Buen provecho.

Globos de Oro 2007

2006-12-14T18:45:00.000+01:00

Pues si antes lo digo, antes salen las nominaciones, y eso que no suelo estar muy al tanto de este tipo de cosas, aunque no lo parezca.

Pues todas las películas que mencionábamos en la anterior entrada se han colado en las nominaciones a mejor película. Allá vamos:

Mejor película Drama: Babel, Bobby (se trata de la opera prima del otrora actor Emilio Estévez), Infiltrados, The Queen y Little Children.

Mejor película Musical o Comedia: Borat, El Diablo se viste de Prada, Dreamgirls, Pequeña Miss Sunshine y Gracias por fumar.

Mejor director: Clint Eastwood compite con Letters from Iwo Jima y Banderas de Nuestros Padres (ambas inéditas en España). También está Scorsese con Infiltrados, Frears con The Queen, y un director que les encanta a los americanos y al que yo le tengo bastante manía, Alejandro González Iñárritu, por Babel.

Mejor actor Drama: otro que se apunta dos nominaciones es Leonardo DiCaprio, por Infiltrados y Blood Diamond. Es el año de DiCaprio y es muy probable que acabe 2007 con Oscar, si Forest Whitaker no se lo impide con The Last King of Scotland. Les acompañan Will Smith (The Pursuit of Happyness) y Peter O'Toole (Venus).

Mejor actor Musical o Comedia: continúa la sorpresa de Borat. No sólo arrasó en taquilla en medio mundo y los críticos la han aplaudido; Sacha Baron Cohen se ha colado en las nominaciones (¿se atreverán a nominarle a un Oscar?). Johnny Depp y Los Piratas del Caribe, Aaron Eckhart con Gracias por fumar, Will Ferrell por Stranger than Fiction (posible peliculón de Marc Forster) y Chiwetel Ejiofor, cada vez más ubicuo, por Kinky Boots completan la terna.

Mejor actriz Drama: como se veía venir, nuestra Penélope ha sido nominada como mejor actriz por Volver. Tiene que estar chillando y saltando de alegría, esté donde esté. Lástima que se vaya a quedar sin el premio que, previsiblemente, irá a manos de Helen Mirren por The Queen. Otras habituales de los Oscar, Judi Dench (Notes on a Scandal) y Kate Winslet (Little Children) también han sido nominadas como estaba previsto. Pequeña sorpresa para la encantadora Maggie Gyllenhaal, que se cuela en las quinielas con SherryBaby.

Mejor actriz Musical o Comedia: se rumoreaba que podía suceder y ahí está. Beyoncé consigue su primera nominación gracias a Dreamgirls, el musical del interesante director Bill Condon (Ya no somos dos). Le acompañan Toni Collette (Pequeña Miss Sunshine), Annette Bening (Running with Scissors), Meryl Streep (El Diablo se viste de Prada) y Renée Zellweger (Miss Potter). ¿Cuántos premios tendrá Meryl Streep en su cuarto de baño?

Intérpretes de reparto: Ben Affleck por Hollywoodland (recordemos que ganó la Copa Volpi en Venecia), Eddie Murphy por Dreamgirls, Brad Pitt por Babel, Jack Nicholson y Mark Wahlberg por Infiltrados. En el apartado femenino se cuelan muchas incógnitas: frente a la relativamente veterana Cate Blanchett (Notes on a Scandal), encontramos a desconocidas (al menos para mí) como Adriana Barraza y Rinko Kikuchi (Babel), Emily Blunt (El Diablo se viste de Prada) y la triunfita americana Jennifer Hudson (Dreamgirls).

Por supuesto, Volver y El Laberinto del Fauno aspiran a premio a la mejor película de lengua extranjera.

Que Dios reparta suerte. Podéis pinchar aquí si queréis ver todo el listado.

Llegan los premios

2006-12-14T15:17:00.000+01:00

El final del año es perfecto para empezar a dar la murga con los que serán los favoritos al Oscar 2007. Sí, quedan más de tres meses, pero es que a la vuelta de la esquina tenemos todo el lío hecho. El mes que viene nos plantamos con los Globos de Oro, luego el Festival de Berlín y al tiempo con los Bafta, todos ellos excelentes barómetros para decidir quiénes serán los nominados de este año.

Los críticos de Estados Unidos (Boston, Los Ángeles, San Francisco, Washington y Nueva York) ya han emitido su veredicto y en todos sus premios se repiten los mismos nombres: Infiltrados (Martin Scorsese), The Queen (Stephen Frears), United 93 (Paul Greengrass), Dreamgirls (Bill Condon), Little Miss Sunshine (Jonathan Dayton y Valerie Faris), Volver (Pedro Almodóvar), Hijos de los hombres (Alfonso Cuarón), El Laberinto Del Fauno (Guillermo del Toro), Gracias por fumar (Jason Reitman) y las aún inéditas en España Letters from Iwo Jima (Clint Eastwood), Little Children (Todd Field), Babel (Alejandro González Iñárritu), Blood Diamond (Edward Zwick), A Prairie Home Companion (Robert Altman, que en paz descanse) y The Last King of Scotland (Kevin Macdonald).

Pero no sólo los críticos se han pronunciado. Algunos premios de considerable relevancia, como los Satellite Awards ya han dado a conocer sus nominados. Parece que en el terreno de los actores Forest Whitaker (The Last King of Scotland), Aaron Eckhart (Gracias por fumar), Leonardo DiCaprio, Mark Wahlberg (ambos en Infiltrados, aunque DiCaprio también podría estar por Blood Diamond) y Djimon Hounsou (Blood Diamond) suenan en las quinielas para los Globos de Oro y Oscars a la interpretación masculina. Aunque, atención atención, Sacha Baron Cohen, más conocido como Borat podría colarse en las nominaciones.

Respecto a las chicas, Kate Winslet (Little Children), Abigail Bresslin y Toni Colette (Pequeña Miss Sunshine), Penélope Cruz (Volver), Cate Blanchett (Babel), Meryl Streep (El Diablo se viste de Prada) y, sobre todo, Helen Mirren, por The Queen, son las aspirantes más firmes a galardón. Por supuesto hay muchos más nombres (Judi Dench y Jack Nicholson -qué pesados con nominar a éstos dos todos los años, hagan lo que hagan-, Annette Benning, Peter O'Toole, Will Smith, Ben Affleck, Steve Carell, Emma Thompson y Ryan Gosling, entre otros).

Es de esperar que en enero comience la avalancha de películas oscarizables, tal y como sucede todos los años, así que habrá que preparar el bolsillo para ver todas. Por cierto, muchos se frotaban las manos con otra nueva conquista de Hollywood por parte de Almodóvar, pero parece que Guillermo del Toro le pisa los talones. A pesar de que ambas me parecen trabajos no demasiado brillantes, es de esperar que aparezcan día sí y día también en las quinielas de todo tipo de premios.

Infiltrados y Pequeña Miss Sunshine: ¿drama y comedia del año?

2006-11-21T12:56:00.000+01:00

Si hace unas semanas me revolvía en el asiento al ver cómo películas tan mediocres como El laberinto del Fauno o Nueve vidas se encaramaban a lo más alto de las listas de los críticos de cine, es decir, esos rankings con estrellitas que aparecen en el Metrópoli o el Fotogramas, a los que estoy completamente enganchado, en esta ocasión me tengo que reconciliar con ellos, porque no puedo estar más de acuerdo: Infiltrados y Pequeña Miss Sunshine son dos de las películas del año.

Fácilmente podrían ser el drama y la comedia del año en Hollywood, respectivamente. Y estoy seguro de que nominaciones no les faltarán en los Globos de Oro (hablar de los Oscar, que ya se habla, creo que es anticiparse demasiado). Sin embargo, ninguna ha inventado nada nuevo: se trata de dos ejemplos excelentes de buen cine. Buenos ingredientes, un excelente cocinero, la receta maestra y... voilá! Un plato que se disfruta de principio a fin y sin necesidad de palomitas (aunque si las hay, mejor que mejor).

Pequeña Miss Sunshine es una road movie en clave de comedia en la que podemos pasarlo en grande gracias a 100 minutos de emociones fuertes, situaciones hilarantes y personajes insólitos, con el trasfondo de las relaciones afectivas entre los miembros de una familia. Ese trasfondo es lo que le da empaque a una película ligera y divertida, llena de giros argumentales y excentricidades, y donde deslumbra la chispeante interpretación de los actores. Sin huir de los convencionalismos (no esconde lugares comunes, ni tampoco pretende vendernos nada como original), la película ofrece un recorrido frenético en caravana en paralelo al desarrollo de los lazos familiares (nuevos o antiguos) de los protagonistas.

Entre los actores, todos ellos magníficos (quizá se echa de menos un carácter más marcado en el personaje de la madre, interpretado por la estupenda Toni Collette), destaca, sin duda alguna, la Pequeña Miss Sunshine, Olive, que interpreta la niña Abigail Breslin, que ya vimos en la mediocre peli de Shyamalan, Señales. Su físico menudo, su desparpajo natural, sus ojos brillantes y esa sonrisa dentuda hacen de Olive el gran descubrimiento de la película. Se los come a todos con patatas. Sorprendente también me resultó Steve Carell, no sólo por su atractivo, sino por su presencia, aplomo y talento dramático (sólo conocía su faceta cómica en su reciente papel protagonista en la aparentemente insulsa - no la he visto- Virgen a los cuarenta). Se trata, pues, de una película sin pretensiones, llena de buenas intenciones, que, precisamente por eso, se disfruta enormemente. Sólo tienes que sentarte en el cine y sonreír.

Mucho más complicada, en el fondo, que no en la forma, es la nueva película de Martin Scorsese, The Departed, que han traducido aquí como Infiltrados. Con un reparto de lujo en auténtico estado de gracia, entre los que se cuenta con algunos de los actores más reputados de Hollywood (Jack Nicholson, Matt Damon, Alec Baldwin, Martin Sheen y un impresionante Leonardo DiCaprio -¡nominacionismos ya!-), la cinta nos propone un remake de una trilogía hongkonesa de acción que el director de origen italiano se lleva a Boston y los trejemanejes de las mafias irlandesas.

Las dos horas y media larga de película se pasan como una exhalación gracias a su ritmo trepidante y lleno de intensidad, uno de los sellos de la casa de mi adorado Scorsese. Además, el guión, que a pesar de ser complicado se sigue sin dificultad, está bien resuelto y cuajado de sorpresas, sobresaltos, intrigas y emoción: no hay tiempo para el aburrimiento. Mientras las balas vuelan y la sangre corre, los protagonistas se debaten en uno de los mayores dramas que puede sufrir un ser humano: la falta de identidad, un trasfondo que es especialmente siniestro en el caso del personaje de DiCaprio.

A pesar de que nos encontramos con un elenco plenamente masculino, el personaje femenino principal, la psicóloga interpretada por la correcta Vera Farmiga, ostenta un papel de enorme relevancia y llega a convertirse en fundamental en la parte final de la película, no sólo como clave resolutoria de la trama, sino como espejo simbólico en el que pueden reflejarse las personalidades de los dos protagonistas.

Se trata, en definitiva, de todo un espectáculo de cine trepidante (con una banda sonora acertadísima), en el que, para mi gusto, existen dos únicas pegas: el excesivo antagonismo del papel de Matt Damon y la excesiva violencia que inunda el desenlace del filme (que, por cierto, nos acerca con realismo a los engranajes y mecanismos que hacen funcionar a las mafias actuales). Aparte de esas dos nimiedades, estamos ante lo mejorcito que ha hecho Scorsese en los últimos tiempos.

Scoop: desternillante comedia a lo Woody

2006-11-02T17:06:00.000+01:00

La verdad es que a veces no sabe uno cómo acertar. Cuando arriesgas, que si de qué coño vas y qué pretencioso eres, cuando entregas algo continuista, algo que sabes hacer bien y que ya has hecho bien más veces, que si eres conservador y repetitivo. Y eso es lo que le está pasando a Woody con Scoop (que no sé por qué no lo han traducido, Primicia, que me parece que es un título bueno, directo y bastante cinematográfico). Todas las críticas que he leído esta semana hablan de un trabajo mediocre a la sombra de lo que para muchos es su gran obra maestra contemporánea, Match Point.

Pues miren señores, ni tanto ni tan calvo. Pues para obras maestras Annie Hall, Hannah y sus Hermanas, la Rosa Púrpura del Cairo y Misterioso Asesinato en Manhattan. Y Match Point es un thriller fantástico (con alguna que otra incongruecia en la trama), emocionante y bien contado, y con un cásting en pleno estado de gracia. Que sí, joder. Pero señores, tanto como obra maestra, pues no. Es correcta, interesante y entretenida, pero no sería tan maravillosa si no viniera firmada por un cineasta que nos tiene acostumbrados a comedias ácidas llenas de neuróticos neoyorkinos.

Y es que la novedad gusta, y mucho. Y hay que premiar el riesgo... pero no idealizarlo. Woody entregó una película formidable que hubiera pasado inadvertida en manos de otro director habituado a este tipo de género, por eso todos le aplaudieron. Ahora Allen continúa con su típica historia desternillante y los críticos se quejan de que es más de lo mismo. Señores, es Woody, y les guste o no, es un onanista cinematográfico. Y Scoop es una gran paja, donde los gags de Woody hacen que te caigas de risa de la butaca. ¿Acaso eso no es suficiente para pagar 6 euritos en taquilla?

Pros: Woody mágico, chispeante y divertido. Diálogos magníficos en un entorno de lujo. Scarlett por fin deja su habitual faceta de mujer fatal y nos brinda una especie de alter ego de Allen en femenino y rejuvenecido. El resultado: más que correcto. Una trama sencilla, pero emocionante, en la línea de Misterioso Asesinato en Manhattan (aunque en ésta, el carisma de los protagonistas sea mucho mayor que el de Scoop). Un final tronchante. En fin, que te lo pasas bomba.

Contras: un Hugh Jackman desaprovechado y lineal. Y sobre todo, poco creíble (aunque un placer para la vista, claro está). Un argumento tan poco enrevesado que a muchos puede parecer simplón (no es mi caso, aunque he de reconocer que la película no tiene muchas vueltas). A pesar de que no es el prota, Woody se lleva la mejor parte y su papel de prestidigitador de segunda trasnochado eclipsa completamente a los dos actores principales, así como la trama de misterio.

Resultado: chico, vete al cine a reírte un rato, que siempre viene bien.

El laberinto del Fauno: poco sentido y mucha sangre

2006-10-25T10:34:00.000+02:00

Guillermo del Toro sigue sin dar el pelotazo. Y mira que nos lo quieren vender como un nuevo Tim Burton, como una especie de cruce entre Peter Jackson y Terry Gilliam, incluso un seudo Alex de la Iglesia a la mexicana. Pero no, no es nada de ninguno de estos directores, aunque se parezca en cosas (entre ellas, en el sobrepeso). Los cineastas que he nombrado, con irregularidades, son geniales y, para bien o para mal, soberbios.

Del Toro tiene madera para serlo, pero no acaba de concretarse, a pesar de que El laberinto del Fauno parecía el producto perfecto para alumbrar lo que sería su primera gran película. Una filmografía irregular y, en general, bastante mediocre, sólo podía ofrecer como resultado una cinta correcta, pero carente de esa chispa que distingue lo bueno de lo mejor.

La película nos presenta dos realidades: una fantástica e irreal, procedente de la cabeza de la niña protagonista; otra, dura y terrible, la de los primeros años de posguerra civil, en una España donde el bando franquista intenta tomar a cualquier precio el control de un país desordenado, desesperanzado y empobrecido.

Aunque la mayoría de sus componentes sean correctos (guión, dirección, vestuario, ambientación, actores, música) y, en algunos casos, brillantes (como es el caso del diseño de los personajes fantásticos y los efectos especiales), la cinta presenta una carencia: un hilo conductor que sea capaz de dar cohesión a dos historias, la real y la fantástica,que caminan paralelas, pero que apenas tienen relación entre sí. A pesar de que la niña protagonista se nos presenta como ese hilo conductor, éste es a todas luces insuficiente, ya que no existe un argumento simbólico sólido en la supuesta realidad que dé sentido a la aventura mágica.

Las pocas incursiones que realiza la historia fantástica (la del Fauno) en la historia de posguerra (1945) no sirven para justificar la pertinencia y necesidad del mundo mágico, por eso a veces da la sensación de que sólo se trata de un espectáculo vacío que sirve como vehículo para materializar las creaciones imaginarias del propio director. ¿Por qué existe el Fauno, qué quiere, qué significa/supone/simboliza? Que la vida no es un cuento de hadas ya lo sabemos todos. Una moraleja tan obvia no puede dar sentido por sí sola a la película.

Lo más curioso de todo es que, pretendiendo contrastar el mundo de sueños con el de la cruda realidad, este último queda bastante mal parado ante lo que es un espectáculo lamentable de maniqueísmo cinematográfico. La película es demasiado cruda para que la vea un niño (otro de sus defectos es el exceso de sangre gratuita), pero demasiado ingenua y simple para un adulto, lo que le resta credibilidad por todos los lados.

A su favor diré que es entretenida y emocionante, que divierte, que es ágil y que está contada con destreza, aunque a veces subestime la inteligencia del espectador. Y es que ciertas pistas y claves del guión se explican tanto que a menudo resulta insultante: cualquiera que vea la película se dará cuenta por sí solo de las cosas sin necesidad de que se las mastiquen.

Respecto a los actores, no existe ninguno que destaque especialmente. Todos resultan mediocres y previsibles, salvo la pequeña protagonista, que enamora a la cámara en cada uno de los planos. Nunca fui fan de Maribel Verdú ni de Ariadna Gil, por eso no esperaba demasiado de ellas (menos mal, porque el acento de rústica que pone la Verdú es sonrojante muchas veces, por no hablar de la habitual impavidez de Ariadna), pero Sergi López y Álex Angulo están claramente por debajo de su talento. Mucho ha tenido que ver en ello sus personajes planos y grises, a los que es complicado sacarles jugo.

A pesar de que parece que acabo de ponerla a caer de un burro, me gustaría insistir en que no está mal para ver una tarde de domingo en el cine en plan palomitero. Porque, señores, esto no es una fábula de gran carga simbólica, una peli sesuda con moraleja donde aprendes algo de la vida y de ti mismo... Nada de eso. Es una historia para niños con tanta sangre que sólo la pueden ver los mayores. Eso sí, un aplauso a las ninfas, faunos y demás personajes de cuento. Su diseño a medio camino entre el gore, lo gótico y lo mágico hace de sus apariciones un auténtico espectáculo para la vista.

Absolutamente deslumbrado por Cabaret

2006-10-16T14:46:00.000+02:00

What good is sitting alone in your room?
Come hear the music play.
Life is a Cabaret, old chum,
Come to the Cabaret.

Put down the knitting,
The book and the broom.
Time for a holiday.
Life is Cabaret, old chum,
Come to the Cabaret.

Come taste the wine,
Come hear the band.
Come blow your horn,
Start celebrating;
Right this way,
Your table's waiting

No use permitting
soem prophet of doom
To wipe every smile away.
Come hear the music play.
Life is a Cabaret, old chum,
Come to the Cabaret!

I used to have a girlfriend
known as Elsie
With whom I shared
Four sordid rooms in Chelsea

She wasn't what you'd call
A blushing flower...
As a matter of fact
She rented by the hour.

The day she died the neighbors
came to snicker:
"Well, thats what comes
from to much pills and liquor."

But when I saw her laid out like a Queen
She was the happiest...corpse...
I'd ever seen.

I think of Elsie to this very day.
I'd remember how'd she turn to me and say:
"What good is sitting alone in your room?
Come hear the music play.
Life is a Cabaret, old chum,
Come to the Cabaret."

And as for me,
I made up my mind back in Chelsea,
When I go, I'm going like Elsie.

Start by admitting
From cradle to tomb
Isn't that long a stay.
Life is a Cabaret, old chum,
Only a Cabaret, old chum,
And I love a Cabaret!

Superman Returns, CRAZY, Separados

2006-10-10T13:40:00.000+02:00

Superman Returns: ya, ya sé que se estrenó hace mil años. Pues yo la ví a principios de septiembre. Flojita e intrascendente, la película se había convertido en la gran apuesta del director Bryan Singer, que abandonó el barco de los X-Men que tan sabiamente había navegado, para encarar un proyecto más ambicioso. Y no es que le saliera del todo mal, pero el resultado es ligeramente mediocre. A pesar de las cualidades más que evidentes de Brandon Routh, los protagonistas (él y la guapa Kate Bosworth) pierden todo el magnetismo y el carisma de sus predecesores: inevitable hacer odiosas comparaciones con Christopher Reeve y la inolvidable Margot Kidder. Las medias tintas de Routh y Bosworth contrastan enormemente con el histronismo de Kevin Spacey, que, en su papel de Lex Luthor, demuestra que no se encuentra en su mejor momento de forma. Demasiadas secuencias de acción (el avión, la batalla en el agua) enturbian un argumento que se prolonga artificialmente hasta agotar al espectador. Errática, simplona y poco emotiva.

CRAZY: otra que se estrenó hace tiempo, pero que aún se puede ver en pantalla grande. Aunque para algunos adolece de exceso de metraje y de situaciones algo repetitivas, su gran originalidad y su alta densidad emocional hacen de esta cinta canadiense una de las revelaciones cinematográficas del verano. Dirigida y co-escrita por Jean-Marc Vallée (su compañero de guiones es François Boulay), CRAZY narra la vida de una peculiar familia durante los años 60 hasta los 80, en la que sobresale Zac, un joven muy especial, enfermizo y sensible, que destaca por sus poderes sobrenaturales (o eso dice su madre). Con un evidente aroma a realismo mágico (que, por lo general, no empalaga), la película en realidad cuenta la historia de amor entre un padre y un hijo, sus encuentros y desencuentros, y la lucha personal de ambos por entenderse, comprenderse y quererse. La sensibilidad (que no sensiblería) del director no sólo se ve en los diálogos, sino también en el tratamiento de las imágenes, en cómo dibuja pormenorizadamente a cada uno de los personajes, mimándolos y dotándoles de vida propia. Otro punto a su favor: su increíble banda sonora donde, entre Pink Floyd y los Rolling, reinan David Bowie y la omnipresente Patsy Cline. Por cierto, un diez para la interpretación del guapísimo Marc-André Grondin, que da vida al protagonista, Zac.

Separados: completamente prescindible es la nueva película de Jennifer Aniston, una actriz cómica como pocas que tiene mala suerte con los guiones (o mal gusto, directamente). Separados carece de todos los componentes que son imprescindibles en una comedia romántica: amor y chistes. Ni enamora ni hace gracia. Y mira que los actores ponen de su parte. A pesar de los intentos del verborréico Vince Vaughn y de la expresiva Aniston por darle enjundia a este despropósito, la historia no convence porque está cogida por los pelos (la discusión que desencadena la trama es sencillamente absurda y desmedida). El único interés que parece tener la película es el morbo de ver juntos a dos protagonistas en acción, que hasta hace nada eran pareja en la vida real (los rumores dicen que han roto, como pasa en la peli). Un final acertado y realista es lo único que salva a Separados de la quema, porque a veces gritan tanto que no sirve ni para echarse la siesta.

Nueve vidas

2006-10-02T12:13:00.000+02:00

Cuando pienso en películas de vidas cruzadas, con multitud de personajes diferentes que interactúan entre sí movidos por su determinación, el destino o el simple azar, siempre me viene a la cabeza el maestro Robert Altman. Pero no sólo él. Existen muchas y muy buenas películas que, gracias a un reparto coral y multitud de sucesos simultáneos, consiguen, a pesar de la aparente dispersión, una sólida unidad narrativa. No es el caso de la nueva película de Rodrigo García, Nueve vidas.

Sin haber catado la primera (que ya echa para atrás sólo por el título, Cosas que diría con sólo mirarla), me animé a ver su segundo trabajo como realizador movido fundamentalmente por las buenas críticas que había leído sobre ella. Y el resultado fue tremendamente negativo. A pesar de que la idea es buena (que no original), algunas historias conmueven y gran parte de los actores están muy bien, la cinta es tan artificial como pretenciosa.

Y es que, el principal problema está en que la intensidad emocional de las historias es tan alta que acaba por desvirtuar los mensaje. Tanta tensión y, en muchas ocasiones, las elevadas dosis de filosofía barata, consiguen deslucir un planteamiento y unos personajes, a priori, interesantes. En definitiva, es tan reiteradamente intensa que acaba por desquiciar y desnaturalizar los sentimientos que pretende mostrar. Y para más inri, cuando consigues descubrir a los personajes e interesarte por sus vidas (y no la de todos), éstos desaparecen, para reaparecer anecdóticamente (y no siempre) en la vida de los otros.

1. Hispana en la cárcel. La peor historia de todas. Aburrida, sin interés y con planos de pasillos tan cargantes como los de Gus Van Sant en la soporífera Elephant.

2. Embarazada. Robin Wright Penn hace alarde de su escaso talento gracias a un compendio de gestitos absurdos cada tres segundos. Podría llegar a emocionar, pero los actores no llegan a conectar. No faltan los insoportables planos de pasillos, ahora en el super.

3. Afroamericana. Aunque puede parecer a ratos histrónica, Lisa Gay Hamilton consiguió convencerme por sus altibajos de tristeza, rabia y ternura, sobre todo con su hermana.

4. Pareja. Una de las historias más divertidas y auténticas de la película. Holly Hunter demuestra, una vez más, que es fantásica. Sabe a poco.

5. Chica y padres. El ejemplo cumbre de planos-pasillo de toda la película. Una de las partes más pesadas y aburridas de la peli, que hace que el espectador comience a pensar en cuándo acabará la película. Lo peor está por llegar.

6. Funeral. Lo rocambolesco de la trama hace despertar al espectador de la butaca. Todo es emocionante, nuevo y se agradecen los trazos de humor e ironía. Desgraciadamente se pasa en un suspiro.

7. Mujer madura con su amante en un motel. Ante tanto drama, la aventura de Sissy Spacek se queda en agua de borrajas por anodina, sobre todo por los personajes y la escasa química de la pareja. Aunque se agradece que, por un momento, nadie grite, llore o haga alarde de histerismos varios.

8. Mujer en el hospital. Kathy Baker y Joe Mantegna quedan desaprovechados en una aburrida (y a la par desesperante) historia de hospitales.

9. Madre e hija en el cementerio. Bucólica e idealizante, esta historia es tan increíble como absurda. Gleen Close y Dakota Fanning resultan patéticamente poco creíbles.

Como veis, me he repetido más que el ajo con algunos adjetivos: desesperante, cargante, insoportable, pesada... Aburrida. A pesar de que tiene algunos elementos salvables, en general se trata de una película menor, pretendidamente pretenciosa, enormemente sobrevalorada, y con escaso valor cinematográfico y humano. Uno la ve y piensa: esto ya lo he visto, esto no me llega, esto no emociona... esto es un coñazo.

La joven del agua: ¡hundido!

2006-09-20T14:50:00.000+02:00

Así salí del cine después de ver la última película de M. Night Shyamalan. Y es que, después de seguir las andaduras de este filme desde hace meses, ver los carteles, el trailer, estar al tanto de las noticias, y esperar alrededor de un mes para ir a verla (le había prometido a una amiga que iría con ella, y no podía ponerle los cuernos con otro u otra), tenía demasiadas expectativas creadas. Y eso es lo peor que te puede pasar con una peli.

A pesar de que La joven del agua se queda en agua de borrajas, nunca mejor dicho, me confieso y me seguiré confesando defensor de Shyamalan, por dos motivos fundamentales: su originalidad y su buen hacer como realizador. Nadie en su sano juicio puede negarle al director de origen indio su innata capacidad de sorprender al espectador. También es difícil no disfrutar de su factura técnica: algunos planos son para babear, por no hablar de su excelente pulso narrativo.

Otra cosa es que lo que te cuente tenga la suficiente solidez como para conseguir implicar al espectador. Desde El sexto sentido, película que dio fama internacional a Shyamalan y que fue un auténtico taquillazo planetario, el controvertido director ha sumado detractores y defensores a partes iguales.

Para algunos, sus delirantes historias de miedo consiguieron revitalizar un género que parecía condenado a la casquería y a los chillidos histéricos de la adolescente de turno. Shyamalan es de esos que potencian la sugestión, asustando más con lo que no se ve que con lo que se ve. Por no hablar de la proyección psicológica de los personajes, mucho más complejos que los habituales del género.

Para otros, sus pelis no son más que un pretexto para dar ese giro argumental forzado que desmonta todo. El misterio desemboca en una vuelta de tuerca tan brusca que, para muchos, resulta artificiosa y, por tanto, poco verosímil. A medida que se iban sucediendo nuevas películas (El Protegido, Señales), la sorpresa final era cada vez más absuda y perdía novedad. Y esto nos lleva a El Bosque, donde, la magnífica dirección de actores (y el buen cásting) y la bonita historia de amor de los protagonistas conseguían dar enjundia a un proyecto que fue el más incomprendido de todos los de Shyamalan.

Y aquí nos hallamos frente a La joven del agua. Ojo spoilers.

La película (y esto sí que es una sorpresa y no la de sus anteriores cintas) carece de ese componente original y asombroso que ha caracterizado siempre la filmografía de Shyamalan. Todo lo que te están contando es lo que es, y lo que va a ser. Se trata, pura y llanamente, de un cuento infantil (pero que muy, muy infantil) de lo más previsible.

Pero lo peor de todo no es eso. Os cuento: Cleveland (Paul Giamatti) es el portero y encargado del mantenimiento de un edificio que un día se encuentra a una chica en la piscina. Y resulta que es una especie de duende del mar (Bryce Dallas Howard) que se ha perdido en nuestro mundo y Cleveland tiene que ayudarla a volver. Para ello, necesita conocer el cuento oriental de la joven del agua, donde se encuentran las claves de su salvación. Hasta aquí todo bien: el problema es que vamos descubriendo el cuento a trompicones, con pistas y datos rocambolescos cada quince minutos, cada vez más enrevesados... Y llega un punto que acabas agotado. El mayor problema está ahí, en que te aturulla tanto duende, símbolo, indicio, metáfora... Y la carga dramática de los personajes acaba diluyéndose en detalles que carecen de importancia. En vez de sorprender, cansa y le quita verosimilitud a la película.

A pesar de que la historia no es buena y está mal contada, la película no es del todo desdeñable. Es entretenida y te ríes. Shyamalan nos descubre su faceta cómica (hasta ahora inédita), con un curioso grupo de vecinos con personalidades insólitas que consiguen arrancar más de una carcajada. Otro de sus puntos a favor es Paul Giamatti, del que no soy fan precisamente debido a su vertiente histriónica. En La joven del agua nos muestra un nuevo registro y es de agradecer.

Por lo demás, un cuadro. Y mira que me da rabia, porque la cosa prometía.

Otra vez será.

Verano en Berlín

2006-09-05T16:56:00.000+02:00

Verano en Berlín es la última película que he ido a ver al cine. Estrenada en su país de origen, Alemania, en 2005, por fin llega a nuestras carteleras este entrañable melodrama costumbrista dirigido por el veterano cineasta Andreas Dresen. La peli, con varios premios y nominaciones bajo el brazo (la mayoría conseguidos en festivales de cine germanos), obtuvo su pasaporte al circuito de cine internacional gracias al Festival de San Sebastián, donde, el año pasado, obtuvo el premio al mejor guión para Wolfgang Kohlhaase.

Sin embargo, el libreto no es, para mi gusto, su principal acierto. Después de 105 minutos de metraje, uno sale del cine sin poder olvidarse de Katrin y Nike, las dos fantásticas protagonistas, interpretadas por las para mí desconocidas actrices Inka Friedrich y Nadja Uhl. Gracias a su soberbio trabajo, la película consigue traspasar la frontera que va de una cinta mediocre a un film destacable.

Ambientada en la capital alemana, la película cuenta la historia de un verano y dos vecinas, y sin embargo, amigas, que pasan las noches estivales compartiendo bromas, risas, botellas de vino y confesiones. Ambas con una vida complicada a sus espaldas, Katrin, parada y con un hijo a su cargo, Nike, solitaria y entregada a su trabajo de cuidadora de ancianos, las dos mujeres tendrán que enfrentarse a graves problemas que pondrán a prueba su amistad.

Uno de sus mayores logros es la equidistancia del director frente a la historia que se desarrolla. Su visión es certera y profunda, pero ligeramente ausente, evitando así caer en el melodrama clásico facilón. La trama se desenvuelve con tanta naturalidad que, desde el principio engancha al espectador, y consigue que se deje llevar entre dos extremos: el dramatismo de las miserias humanas y la levedad de lo cotidiano. Ambos componentes van aflorando, armoniosamente, durante toda la película, ofreciéndole un equilibro que cada vez es más difícil de ver en el cine. Y del mismo modo, espontáneamente, algunos ingeniosos golpes de humor añaden el contrapunto adecuado que, como en la vida, necesitan los problemas de cada día. Lo que algunos podrían ver como un drama tibio, a mí me parece un estupendo ejercicio de sutileza cinematrográfica.

Los diversos conflictos de la película: el alcoholismo y separación de Katrin, la excesiva generosidad de Nike y sus problemas con los hombres, el primer amor del joven hijo de Katrin, o la degradación de la vejez, quedan diluidos, con elegancia, en tendederos de ropa mojada, cafeteras al fuego, acordeones desafinados y cacas de perro. En definitiva, lo divino y lo humano queda hilvanado con maestría, y se diluye en un decorado único: la ciudad de Berlín y una música tan amable como evocadora.

Little Children

2006-08-30T12:19:00.000+02:00

Todd Field vuelve a la pantalla grande con, como no podía ser de otra manera, un drama sentimental en el que nadie es lo que parece. Nominado al Oscar en 2001 por la inquietante En la habitación, Field vuelve a hacer suya una historia ajena, en esta ocasión, la novela Little Children, de Tom Perrotta, con el que ha colaborado a la hora de adaptar el relato para el séptimo arte.

Miserias cotidianas, secretos inconfesables, ambientes burgueses, emociones encontradas, conflictos morales... Los mismos elementos que hicieron de En la habitación la película indie de 2001, se conjugan de nuevo en esta prometedora cinta que llegará a las pantallas americanas en octubre y, previsiblemente, a finales de año a las salas españolas.

También como en su anterior película, Little Children se sustenta en el trabajo de grandes actores. En esta ocasión, la elección no podría ser más acertada: la guapísima Jennifer Connelly (Una mente maravillosa) y la cada día más impresionante actriz, Kate Winslet (¡Olvídate de mí!). No hay más que visitar el site oficial de la película para disfrutar de algunos de sus fotogramas más impecables, en los que la belleza de las actrices no hace más que aumentar la ya de por sí excelente factura de las imágenes. Por cierto, el desconocido y atractivo Patrick Wilson (Hard Candy) desempeña el papel masculino principal.

La sinopsis que nos facilita la web de la peli es tan poco concreta que a duras penas se puede adivinar de qué va la película. Sin embargo, leo en estoescine.com: "la historia se centra en una serie de personajes, Sarah (Kate Winslet), una feminista bisexual, Mary Ann (Jennifer Connelly), una ama de casa con agenda controlada, y Roonie, un pedófilo recién salido de la cárcel". Vamos, telita brava.

Plan Oculto: let me entertain you

2006-08-24T08:59:00.000+02:00

Hace siglos que no voy al cine. Los viajes de estas vacaciones me han mantenido alejado de las salas últimamente, así que para actualizar esta Linterna Mágica, que está la pobre de lo más deslucida, os hablaré de la última peli que ví antes de marcharme a mi merecido retiro estival. Se trata de Plan Oculto (cuyo título original es Inside Man) y que, dentro de nada, podréis tener en DVD.

Spike Lee es un director que a mí ni fu ni fa, aunque reconozco sus méritos. Entre ellos, la buena factura de sus películas y su capacidad para conectar con la realidad, a través de personajes que casi se pueden tocar y sentir. Es un cineasta despierto y auténtico que, a menudo, se le cataloga como realizador de denuncia social (aunque sin ser tan evidente como Ken Loach), principalmente de la realidad afroamericana. Por eso sorprende que Lee nos ofrezca esta película tan, a priori, hollywoodiense de puro entretenimiento.

Denzel Washington, Clive Owen, Jodie Foster, Christopher Plummer y Willem Dafoe encabezan el reparto de este thriller que por ahí califican de 'inteligente'. No es por desmerecer, en absoluto. Sin embargo, yo no iría tan lejos. Se trata de una película policíaca al uso, eso sí, con los suficientes giros argumentales como para mantener al espectador clavado en la butaca, esperando una nueva pista que les ayude a resolver el misterio final. Porque, claro, la peli tiene sorpresa y gorda y en ella nada, ni nadie, es lo que parece. Y hasta ahí puedo leer.

Entretiene, divierte y se pasan en un suspiro las dos horas largas que dura la película. ¿Qué más se puede pedir? Pues un buen reparto: y ahí lo tenemos. Jodie Foster en el papel de la perfecta cabrona, Clive Owen, interpretando al tipo duro de corazón sensible al que nos tiene acostumbrado, y Denzel Washington, correcto como siempre, aunque excesivo a veces en sus muecas y tics habituales. Ya sabéis que Denzel, como Tom (Cruise), como se gusta tanto, hace siempre de sí mismo.

La película, aunque actual en sus modos y formas, destaca por el cierto aire a cine clásico que Lee le ha dado al tratamiento de las imágenes, a la música y a los personajes, como si fuera necesario dar lustre a lo que es una peli palomitera 100%. Pues no, no lo necesita, pero mejora la experiencia y se disfruta más. Por lo demás, es vibrante, emocionante y ágil, y con sus interesantes momentos reflexivos, que dan peso a la supuesta levedad que siempre se le atribuye al cine de acción.

En fin, totalmente recomendable. Vale, no va a salvar el mundo, pero te lo vas a pasar pipa. ¿Para qué quieres más?

Gondry vuelve

2006-07-20T17:44:00.000+02:00

Vuelve Michel Gondry, para regocijo de románticos y soñadores empedernidos entre los que me encuentro. The Science of Sleep es el título de su nueva película, que se estrenará a mediados de septiembre en Estados Unidos con un reparto mayoritariamente francés, salvo la presencia del mexicano Gael García Bernal en el papel protagonista, un fantasioso inventor que se enamora de the girl next door, la siempre estupenda Charlotte Gainsbourg, que ya me fascinó en Jane Eyre, y que era la única que se salvaba de ese bodrio pretencioso llamado 21 gramos.

Como en sus trabajos anteriores, Olvídate de mí y Human Nature, amor, sueño y realidad son las claves de la película, que está, a la luz de lo que deja ver el tráiler, en el más puro estilo Gondry. Mientras nos morimos de asco esperando el estreno en España (que será a lo largo de 2006), podéis ver el tráiler aquí, que ya de por sí emociona gracias a la bonita canción de Death Cab for Cutie que suena de fondo. Aquí tenéis la versión en francés y algunos clips de la peli. Pinchando aquí tenéis la información que nos ofrece la productora.

Y sin dejar que nos tomemos un respiro, el director francés acaba de anunciar quiénes participarán en su nuevo proyecto que comienza a rodarse en septiembre de 2006: Jack Black, Kirsten Dunst, Mos Def y Danny Glover. La película Be Kind, Rewind tiene un guión, como siempre, de lo más rocambolesco: un hombre queda magnetizado al intentar sabotear una planta de energía. Cuando va a visitar a su amigo videoclubero, al estar magnetizado, borra todo el contenido de las cintas de vídeo. Para salvar la tienda y a su amigo, tendrá que regrabar él mismo (con ayuda de su novia y algunos lugareños) algunos de los títulos más emblemáticos del establecimiento, entre ellos, Regreso al futuro o Robocop. ¿Cómo te quedas?

Vía CINeol.

Junebug: escarabajos no, peces de colores

2006-07-11T14:43:00.000+02:00

Siempre pico cuando me venden la moto de la peli indi americana. No lo puedo evitar. Está uno tan harto de Charlizes Therones, Keanus Reeves y Leonardos DiCaprios, que, cuando hay una propuesta yanki mínimamente interesante al margen de los grandes estudios, enseguida me entra la curiosidad. Ya satisfice en parte esa inquietud al ir a ver Una historia de Brooklyn: ésta, sin ir más lejos, podría ser el ejemplo prototípico de peli indi solvente. Pendiente aún de ver Thumbsucker (todo el mundo dice que es un bodrio, pero prefiero catarla yo mismo), la elección del fin de semana cayó en Junebug, que podría ser el ejemplo prototípico de peli indi mediocre. Porque el dinero no da el talento, pero su carencia, tampoco.

Avalada por numerosos premios, especialmente para Amy Adams (que llegó a ser nominada al Oscar como mejor actriz de reparto), Junebug se confirma como un ejercicio de peli de culto quiero y no puedo. Y es que cuando te ponen un plano soso de un árbol durante más de 20 segundos uno ya empieza a desconfiar de lo pretencioso que puede llegar a ser su director. La cinta peca de muchas cosas, pero no, pretenciosa tampoco.

Phil Morrison nos presenta un concepto que, en principio, no tiene nada de novedoso: un hombre que vive en Chicago, regresa a su pueblo, en el sur de los Estates, para reencontrarse con su familia, que resulta ser un bonito compendio de frikis. Y he aquí la originalidad: el antaño jovenzuelo se presenta en su antiguo hogar sito en Carolina del Norte hecho todo un hombre, recién casado con una marchante de arte guapa, inteligente y cariñosa, que también busca algo en el lugar, nada menos que fichar a un pintor local autodidacta. El choque cultural entre los urbanitas y los provincianos está servido.

Sin embargo, Morrison no lo aprovecha. Los personajes se presentan en general planos y poco convincentes: tanto la marchante de arte que interpreta Embeth Davidtz, como el hijo pródigo, George, al que da vida Alessandro Nivola, son poco menos que perfectos y apenas generan sentimientos de empatía en el espectador. El mayor interés se encuentra en la familia, pero ni el hermano, Johnny (Ben McKenzie, conocido popularmente por su papel protagonista en la serie O.C.), ni la madre ni el padre (a pesar de que éste pueda resultar a ratos simpático) consiguen traspasar la pantalla. Quizá de ahí los aplausos al trabajo de Amy Adams, que interpreta a la embarazadísima mujer de Johnny, Ashley, que quiere poner a su hijo Junebug (algo así como bicho de junio o escarabajo). Sin duda ella es una bocanada de aire fresco entre tanto cardo borriquero.

Sus apariciones en la pantalla consiguen iluminar la película; sus sonrisas provocan sonrisas en el espectador; su magnetismo es tal que cada plano en el que no aparece ella pierde completamente el interés. Su trabajo es prodigioso en la película, pero hay que reconocer que Amy Adams se ha quedado la perita en dulce de la peli. Y eso ayuda y mucho. Al guión le falta chispa, al metraje, ritmo, a la música (a cargo del grupo Yo La Tengo), algo de emoción. Y es que tanto ha querido el director alejarse del melodrama familiar telefílmico del que tanto abusa Hollywood que la cosa se le ha quedado en poco menos que un documental marino: por muy frikis y curiosos que sean los peces, tras un buen rato observándolos, te entra sueño.

Para dramas, dramones, Manderlay, de Lars Von Trier, de la que hablaré en breve.

Gracias por seguir ahí.

El calamar y la ballena

2006-06-27T16:35:00.000+02:00

¿Quién gana cuando se enfrentan una ballena y un calamar? Es imposible saberlo. De lo único que podemos tener certeza es que los dos saldrán gravemente heridos. Pero no, por ahí no van los tiros. Y si digo más, destrozo la película.

Una Historia de Brooklyn. Así es cómo han traducido en España la cuarta película como director del cineasta, actor y guionista Noah Baumbach que, en The Squid and the Whale, su título original (El calamar y la ballena), desgrana con acierto y valentía no sólo la sordidez de un divorcio, sino también, y lo que es más importante, las consecuencias emocionales y psicológicas de una ruptura familiar.

Ambientada en el Nueva York de los años ochenta, con ese olorcillo a rancio tan encantador, la película se muestra incisiva desde el principio. Una escena de un partido de tenis en familia nos muestra la agresividad y competividad del marido hacia su mujer y la devoción de cada hijo con cada uno de sus congéneres. La separación ha llegado y no hay rodeos ni vuelta atrás: Una historia de Brooklyn quiere ir al grano, por eso mete el dedo en la llaga y hasta el fondo, narrando con estilo y elegancia, pero sin concesiones ni sentimentalismos, el deterioro de las relaciones afectivas que se produce tras la separación de una pareja con hijos.

Bernard Berkman, un tipo cutre y engreído, escritor trasnochado que se dedica a la enseñanza, se marcha de casa al no soportar más las infidelidades y éxito literario de su mujer, Joan. Walt, el inseguro y seudointelectual hijo mayor adolescente, toma rápidamente partido por su padre, mientras que el pequeño, un prepúber con más interés en el tenis y en la masturbación que en los libros, se decanta por su madre.

Los enredos, disputas, malentendidos y situaciones delirantes van sucediéndose en el metraje con una perspectiva cómica que deja siempre un poso de melancolía en el espectador. Casi siempre te quedas con una sonrisa amarga de medio lado. Amas y odias a los personajes porque en ellos ves cosas que amas y odias de ti mismo y de los demás. Porque el gran acierto de esta película son los personajes y los actores.

Los actores que dan vida a los hijos, Jesse Eisenberg y Owen Kline, lo bordan. Anna Paquin y William Baldwin hacen gala de sus mejores registros: nínfula devorahombres y chuloplayas guarrete, respectivamente. Jeff Daniels, al que Hollywood tan injustamente ha tratado, da una perfecta réplica de un intelectual egocéntrico insufrible. Irresistible está, como siempre, Laura Linney, interpretando a Joan, la madre progre, un rol muy interesante, aunque, para mi gusto, un tanto desdibujado en favor de los personajes masculinos. Linney, que compagina a la perfección trabajos hollywoodienses de peso con melodramas más o menos indis, será en unos años una Meryl Streep en toda regla, a pesar de estar, por ahora, en un discreto segundo plano respecto a otras compañeras de profesión mucho más exuberantes y carismáticas. Sin embargo, Laura Linney posee una capacidad innata para abordar con contención papeles sumamente intensos, y la cámara adora su belleza serena y, a ratos, anodina.

En resumen. Quien crea que va a ver un producto de Sundance, se equivoca. Aunque el movimiento de la cámara y el rollo gafapasta que se traen los personajes nos puedan hacer sospechar de que estamos ante una peli indie prefabricada, la cinta consigue absorberte desde los primeros minutos, con unos personajes llenos de aristas, que se ven incapaces de ceder ante los deseos ajenos y que ponen los suyos siempre por delante, que llevan hasta las últimas consecuencias sus neuróticas personalidades. Osea, todo muy posmoderno: quiero ser alguien, quiero que me quieran, quiero follar. El pan nuestro de cada día.

Siento la falta de actualización. Gracias por seguir curioseando por aquí de vez en cuando.

X-Men: Decisión Final

2006-06-03T17:19:00.000+02:00

Como todo el mundo sabe (y si no lo sabes, te lo digo ya), soy friki de los cómics de superhéroes, en concreto de Marvel y, concretando más, de la Patrulla-X. En fin, que muy truño tenía que ser esta tercera parte de la saga de los X-Men para que no me gustase. Y, efectivamente, gustarme, me gustó. Leo por ahí en los comentarios que hacen periodistas, críticos y aficionados a la crítica de cine como yo que si se nota muchísimo la ausencia de Bryan Singer, que si los mutantes son menos oscuros y más descerebrados, que si mucha fanfarria y poca chicha... Yo les diría: pero, coño, ¿qué os creéis, que los cómics de la Patru eran novelas de Joyce?

Susceptibilidades personales aparte, hay que reconocer que la conclusión es menos de lo que esperábamos, pero no deja de cumplir sus objetivos. Es divertida, efectista, emocionante y salen mutantes a mogollón, mostrando sus increíbles poderes y dándose mamporros unos con los otros. Desde luego, yo me lo pasé como un enano viendo, por ejemplo, el lanzamiento especial que hace Coloso con Lobezno, las peleas entre Tormenta y Calisto o la transformación de Bobby en el cubito de hielo que todos conocimos en los primeros cómics de Lee y Kirby.

El problema es que, quien mucho abarca, poco aprieta, y eso es un poco lo que sucede aquí. Demasiadas tramas y personajes para una sola película: la Cura, el Ángel, las dudas de Pícara, la aparición de Fénix Oscura y La Bestia, el liderazgo de Tormenta... Todo sucede apresuradamente, atropelladamente incluso, y eso desdibuja la cohesión argumental que se había desarrollado en las anteriores entregas. Por poner un ejemplo, todo el mundo está de acuerdo en que Cíclope es un sieso, pero, ¿era necesario ningunearle de ese modo? Lo mismo podemos decir de la pérdida de peso en el guión de mutantes tan interesantes como Mística, en favor de otros tan aburridos como Pyros.

Demasiado ligeras y prescindibles son también las presentaciones de El Ángel, que no aporta nada a la película (aparte de una escalofriante escena de su infancia, una de las mejores de la peli), o el Juggernaut, el más lamentable de todos. Sabemos que Caín Marko tenía neurona y media, pero su importancia en la historia original de la Patrulla-X y en la vida del Profesor Xavier es tanta que no se merece aparecer así, como un capullo rompetechos. Mucho más acertadas son las apariciones de Arco Voltaico y el Hombre Múltiple (interpretados por dos modelos, Omayhra Mota y Eric Dane), mutantes totalmente secundarios en los cómics que hacen su función perfectamente en la película: son carne de cañón, pero con elegancia, misterio y presencia.

La falta de respeto de X-Men3 a algunos de los personajes originales es a veces sonrojante. Por ejemplo, Calisto está casi inventada. No tiene nada que ver con el dramatismo y sordidez que muestra su réplica original en los tebeos. Lo mismo podemos decir de Mariposa Mental, que, según todas las webs que he leído, es la tipa de pelo azul que acompaña a los Morlocks/Merodeadores que se alían con Magneto. Pues nada, resulta que sale la explosiva Betsy Braddock y tú ni te das cuenta porque su papel es totalmente accesorio.

No obstante, Brett Ratner, el director, ha sabido resolver con ingenio algunas de las líneas secundarias que los fans esperábamos con ganas y que se nos había anunciado: por ejemplo, la aparición de los Centinelas es anecdótica, pero coherente, ya que sirve para dar a conocer al público la mítica Sala de Peligro. Aunque perdemos de vista a Pícara, que es una pena, porque tiene un potencial enorme que se ha desaprovechado en TODAS las pelis de los X-Men (también en las de Singer), a cambio ganamos con Kitty Pryde, el Hombre de Hielo y Coloso, todos ellos muy similares a los originales, atractivos y bien definidos. Por cierto, hay alguna que otra escena picantona muy sexy que hace que la peli gane puntos: el desnudo de Mística es uno, pero sobre todo, el jaleíto que se traen Jean Grey y Logan, que llega aquí a sus puntos más calientes.

Respecto a los actores, Hugh Jackman está estupendo como siempre, pero quien sobresale es Famke Janssen, fabulosa y aterradora como Fénix Oscura. Ian McKellen, como siempre, impecable (un poco loca, como siempre que se mete en la piel de Magneto) y Patrick Stewart, que también está bien, aunque ya huele con ese aire solemne que le pone a Xavier. La revelación viene de la mano de Ellen Page, que resulta de lo más convincente como Kitty Pryde. Voy a tener que ir a ver Hard Candy.

En resumen, una peli para todos los públicos, entretenida y emocionante, pero totalmente prescindible si pasas de los superhéroes y el cine de acción. Por cierto, impresionante la secuencia final... ¿Habrá X-Men 4? ¡Esperemos que sí!

The Fountain

2006-05-30T11:26:00.000+02:00

A falta de revisar lo que me pareció X-Men: Decisión Final, antes os quiero hablar de una película muy interesante que llegará a España en diciembre. Se trata del esperado trabajo de Darren Aronofsky, The Fountain, un ambicioso proyecto que casi acaba con la prometedora carrera del director de joyas como Réquiem por un Sueño y Pi.

Nada más y nada menos que siete años le ha costado a Aronofsky parir la película, una odisea de ciencia ficción que le ha dado, de momento, más penas que alegrías. Tanto le gustaba este proyecto (él mismo ha escrito el guión) que, por dirigir The Fountain, rechazó la posibilidad de adaptar la obra maestra del cómic Watchmen, de Alan Moore, por no hablar del no que le dio a Batman Begins (¡error!).

La Warner se frotaba las manos ante la posibilidad de dar con el gran blockbuster de la temporada: una apuesta épico-romántica de tintes fantásticos protagonizada Brad Pitt y Cate Blanchet. Lo que iba a ser la nueva gran frikada de culto estuvo a punto de irse al garete tras descolgarse del proyecto Pitt, que prefirió hacer ese bodrio lleno de anabolizantes llamado Troya. La Warner dijo que sin estrellas no había película, pero la perseverancia de Aronofsky le hizo retomar el proyecto con menos dinero (Warner bajó el presupuesto de 75 a 35 millones de dólares) y actores más modestos: Hugh Jackman (nuestro Lobezno) y Rachel Weisz (flamente ganadora del Oscar por El jardinero fiel y actual pareja del director, que se enrollaron tras conocerse en el rodaje). Yo creo que hemos ganado bastante con el cambio en el reparto, ¿no os parece? También cuenta con la presencia de la actriz fetiche del director, la estupenda Ellen Burstyn.

Mientras que se batallaba por la supervivencia del proyecto, la novela gráfica de The Fountain se publicaba con Vertigo Comics en noviembre de 2005 y obtenía excelentes críticas. El argumento, ilustrado por Kent Williams, era fiel reflejo del guión cinematográfico que había escrito Aronofsky y materializaba la idea original que había tenido éste de la película. Un buen modo de quitarse la espinita.

El argumento, que mezcla tres corrientes temporales, cuenta la búsqueda desesperada de la inmortalidad: la del conquistador del siglo XVI Tom Verde, que quiere encontrar el Árbol de la Vida, la de un científico en el presente que intenta descubrir la cura del cáncer y la de un astronauta del siglo XXVI. Todo ello para intentar salvar a su amada Isabel, y con la presencia del misterioso Árbol de la Vida, un elemento procedente de la mitología maya.

¿Qué os parece la rallada? La bonita mezcla entre 2001, Odisea en el Espacio, Matrix y Los Inmortales dejará a más de uno sin neuronas. Por cierto, la banda sonora cuenta con un aliciente más: la participación del mismísimo Bowie.

Hasta octubre no llega a las pantallas yankis, pero, para abrir boca, podemos ver este jugoso tráiler.

Vía: Elástico; Imdb; Cinestrenos.

¿La segunda película de Expediente X?

2006-05-22T15:41:00.000+02:00

Uno de nuestros mayores mitos sexuales, David Duchovny, volverá a encarnar en el cine el papel que le hizo mundialmente famoso: el agente especial Fox Mulder. O eso parecen indicar todas las noticias que nos vienen de los Estates. Uno de los guionistas y productores más famosos de la serie de televisión, Frank Spotnitz, ha anunciado que ya está en marcha la segunda parte de la versión cinematográfica de Expediente X (la primera peli se estrenó en 1998). Aunque todavía está en pañales y el guión sin escribir, el proyecto parece haber interesado a los dos protas de la serie, David Duchovny y Gillian Anderson. Ambos han firmado ya preacuerdos para dar vida a estos dos emblemáticos agentes del FBI; eso sí, quien espere ver platillos volantes, bichos verdes y abducciones extraterrestres, se quedará con las ganas.

"En esta secuela no vamos a entrar en la mitología de la serie", ha dicho Spotnitz. La supuesta segunda parte de X-Files será algo más que un capítulo versión extendida. "Por supuesto que volveremos a los personajes y a lo que ha pasado con sus vidas, pero no tratará sobre una conspiración alienígena". La verdad es que nos cuesta imaginar a Mulder sin paranoias con marcianos, pero oyes, habrá que darle un voto de confianza a la película, si es que al final ve la luz.

Para acabar con el momento freak del día, otra noticia más, ahora relacionada con Star Trek. Los fans de la exitosa serie de televisión y de sus diez entregas cinematográficas (¡ahí es nada!), podrían disfrutar de la entrega número XI, gracias a uno de los directores de moda, J.J. Abrams. El creador de una de las series más interesantes del momento, Perdidos, y de la recientemente estrenada Misión Imposible III, podría ser productor, director y guionista de las nuevas aventuras de la Enterprise. Rumores parecidos saltaron a finales del año pasado apuntando como candidato a Bryan Singer, realizador de Sospechosos Habituales y la saga X-Men, así que, de momento, no hay nada seguro.

El caso es que todo apunta a que la undécima parte de la saga cinematográfica Star Trek será una precuela basada en la juventud del capitán Kirk y el doctor Spock, incluyendo su primera misión, toda una decepción para los fans de la Next Generation, entre los que me incluyo. De todas maneras, el pescado no está vendido todavía, porque Patrick Stewart ya ha dicho que no niega su interés ante la posibilidad de interpretar de nuevo al capitán Luc Picard. ¿Le llamará J.J. Abrams? Esperemos que sí.

Vía Comingsoon.

V de Vendetta... F de Ferrero

2006-05-16T10:59:00.000+02:00

Aún no me he aclarado si me gustó o no me gustó. La verdad es que empecé con mal pie... me quedé un poco traspuesto nada más comenzar la película (no fui el único), coincidiendo con la primera aparición de V, el héroe de la máscara sonriente, que se marca un monólogo-trabalenguas que consigue aturullar a cualquiera. A pesar de ello, al final consiguó entretenerme y no se me hizo pesada ni larga. Sin embargo, creo que lo que más podría interesar de la historia en la que se basa (un cómic de Alan Moore), que para mí era el rollo granhermano-apocalíptico, queda desdibujado en favor de la relación -un tanto artificial- que establecen los personajes principales, el misterioso V, interpretado por Hugo Weaving y su bella compañera de fatigas Evey, la estupenda (y cada día más), Natalie Portman.

Lo mejor de la cinta son, sin duda, los actores. Portman sobresale por su carisma, belleza y buen hacer, comiéndose cada plano y cada secuencia. Y es que consigue dos tareas nada sencillas: humanizar a un personaje que no acaba de entenderse y dar profundidad a los sentimientos que va generando hacia V (un enamoramiento mutuo que me resulta un poco forzado). Igual de convincentes son Stephen Rea, que da vida al inspector de policía Finch, y Stephen Fry, que interpreta al show man televisivo Gordon Dietrich. Es un lujo verlos en la gran pantalla porque ambos están siempre brillantes, les echen lo que les echen. Mucho más pesados e histriónicos resultan Hugo Weaving y especialmente John Hurt, que está sobreactuadísimo en esa especie de caricatura de Hitler que interpreta.

En cualquier caso, a priori, el mayor potencial de la película no estaba en las individualidades, sino en lo social. Me explico: el director, el debutante James McTiegue, parece muy atraído por la personalidad de Evey y V, los dos antihéroes protagonistas, que llaman la atención por su pasado dramático y su cuestionable sentido de la justicia. Sin embargo, los motivos por los que una sociedad elige a un líder tiránico y fascista para que dirija el destino de su país (en este caso, Gran Bretaña) no parecen explicarse del todo (tampoco sabemos por qué se produce una debacle en Estados Unidos). La subtrama del virus es vital para comprender las causas del desastre y, en vez de explicárnosla, se pasa por ella de puntillas y de manera enrevesada (el personaje de la doctora-científica es complejo e interesante, pero el director prefiere, por ejemplo, aburrirnos con la trama rosa de la diva lesbiana a la que adora V). En fin, ni siquiera nos cuentan los entresijos de esa especie cárcel colectiva en la que se ha convertido el estado: un gran hermano al estilo clásico, con manipulación mediática, propaganda y supresión de derechos civiles.

Y es que, no nos engañemos, las historias de un futuro funesto en el que las libertades se ven mermadas con la excusa de la seguridad nacional (y con la herramienta del miedo) están más vistas que el tebeo (nunca mejor dicho). Pero no dejan de interesarnos porque cada día están más de actualidad. Pues esto es lo que menos interesa al director, que se pierde (y se recrea) en diálogos larguísimos, grandilocuentes y pomposos (igual es por el rollito british, no sé), puñetazos y patadas del sello coreográfico Wachowski (¿no tuvieron bastante con la saga Matrix?) y una dirección artística que a ratos raya lo hortera (atención a la guarida de V!!!).

Ahora que lo pienso, no, la peli no me ha gustado. ¿Por qué? Porque a veces el entretenimiento justifica una película sin contenido, sobre todo si nos topamos con productos prefabricados típicamente yanquis como una comedia romántica. Vale, en estos casos, sabemos a lo que vamos. Pero aquí estamos hablando de la adaptación de una obra maestra de cómic que tiene una trama política que está cada vez de más actualidad y que se debería haber explotado con ambición y valentía. Las comparaciones son odiosas... y por ésta me vais a odiar: V de Vendetta es como un ferrero rocher, promete mucho, a pesar de que su envoltorio es hortera y pretencioso, pero es que luego te lo metes en la boca... ¡y el relleno está medio vacío!

¡Al menos nos lo tomamos con Natalie Portman y no con Isabel Preysler!

AzulOscuroCasiNegro

2006-04-24T11:53:00.000+02:00

¿Qué es lo que quiero en la vida? ¿Es realmente eso lo que quiero? ¿Cómo lo consigo? ¿Estoy capacitado para alcanzarlo? ¿Lo que quiero es lo que necesito?

¿Quién no se ha hecho estas preguntas alguna vez? Pues como si no me cuestionara suficiente las cosas a lo largo del día, ayer domingo me voy con mi hermana a ver AzulOscuroCasiNegro y empiezan a brotar de mi cabecita todas esas preguntas y muchas más. Preguntas que rondaron mi cabeza durante parte de la noche y que me han dejado hoy una bonita resaca. Y es que esta gran película cumple con creces sus objetivos: remueve tu interior, te emociona y, sobre todo, hace que te preguntes. Y siendo menos profundos: consigue albergar alguna esperanza para el desolador panorama del cine patrio.

Muchos productores españoles estarán dando gracias al cielo por la consolidación del Festival de Málaga. Un estupendo invento que llega cada año muy oportuno, justo después de los Oscar, y que da el bombo y platillo que necesitan como el agua las cintas nacionales. La edición 2006 ha traído una excelente cosecha de películas (o eso dicen): Los Aires Difíciles, Bienvenido a Casa y AzulOscuroCasiNegro. Esta última, por muchas razones, podría ser lo que fue Tapas para 2005.

Y es que ambas beben de lugares comunes: de esos repartos corales donde los actores están estupendos, de esos guiones bonitos, bien estructurados y cargados de simbolismo, de esas historias de gente corriente y urbana con las que es muy fácil sentirse identificado, de ese poso de melancolía que se queda en cada escena y que se contrarresta con humor y situaciones cómicas, que permiten que la trama se desenvuelva con mayor fluidez...

El debut de Daniel Sánchez Arévalo es, ante todo, eso, un debut. Y como tal pues tiene algunos errores, ciertas obviedades, reiteraciones innecesarias... A pesar de los pesares, estas salvedades no impiden disfrutar de una película fresca, que tiene un guión bien remachadito, con excelente fotografía y montaje (la banda sonora se pasa con la cuerda a veces, pero en general está muy bien), y, sobre todo, unos actores en pleno estado de gracia.

Y es que uno de los mayores aciertos de la peli es ese portento de la interpretación, que se come la cámara con patatas, llamado Quim Gutiérrez. Porque yo no sé qué habría sido de AzulOzcuroCasiNegro sin él. Tiene esa mirada brillante y transparente, ese rostro de belleza incómoda, esa presencia rotunda, ese magnetismo que le hace falta a todo actor de altura. Y este chico lo es, vaya si lo es.

Quim interpreta al protagonista, Jorge, un joven atrapado en una vida que no le gusta, que no le convence y de la que intenta escapar sin conseguirlo. Es como la historia del elefante del circo. El elefante es encadenado desde pequeño para que no escape y se pasa años intentando romper las ataduras sin éxito. Hasta que un día se da por vencido. Lo que no sabe el elefante es que ahora que es adulto tendría la suficiente fuerza como para destrozar las cadenas... pero está tan acostumbrado a fracasar, que cree que es imposible.

Las metáforas que aparecen en la peli (las peceras, las cárceles) quizá pueden estar un poco vistas y resultar innecesarias. De hecho, la historia a veces se pierde por las ramas y busca artificalmente ciertos derroteros para no quedarse en el típico costumbrismo y ganar en profundidad emocional y poética. No sólo no lo consigue, sino que desconcierta y despista de lo que interesa de verdad: qué sucede con los personajes. Por ponerle una peguita más: la canción central es lamentable (atención a la escena del cumpleaños de Natalia, con su amiguita tocando la guitarra en plan "Un pueblo es, un pueblo es"). Es lo peor de la peli con diferencia.

A pesar de esos minutos de metraje que se van al limbo, AzulOscuroCasiNegro convence y mucho, porque la historia es de por sí suficientemente atractiva como para engancharnos. Se nota que el director-guionista se ha trabajado hasta la más mínima coma del texto, y que ha estudiado a fondo a sus personajes, hasta conseguir darles vida, hacerlos auténticos.

Como ya he dicho antes, los actores (chicos) están fantásticos: Antonio de la Torre (que interpreta a Toño, el hermano de Jorge, que está en la cárcel), Héctor Colomé (que da vida al padre impedido de estos hermanos) y Raúl Arévalo (Isidro, el simpático amigo de Jorge). Las chicas están un poco más justas: tanto Marta Etura como Eva Pallarés no resultan a veces tan convincentes como sus partenaires masculinos.

En fin, por concluir: la peli va de deseos y limitaciones. De saber manejar aquello que nos inmoviliza y avanzar con conocimiento de causa, aunque sea poco a poco, lento sobre seguro. Una historia sobre jaulas reales, de las que nos impone la vida, y ficticias, de ésas que nos ponemos nosotros, bien porque creemos que son insalvables (como las cadenas del elefante), o bien porque nos gusta estar encerrados, porque nos sentimos incómodos con la insoportable levedad del ser. Porque la libertad total siempre da un poco de miedo.

Lo bueno de la vida es que podemos elegir nuestras ataduras y eso es lo yo creo que parece querer decirnos AzulOscuroCasiNegro.

Si has de estar atado, elige unas cuerdas bonitas.

Cannes y Volver

2006-04-21T09:40:00.000+02:00

Hace mucho que no escribo y es porque la mudanza y los planes me absorben. Tanto, que no tengo tiempo ni para ir al cine ni para ver un triste dvd en casa. Sin embargo, el comentario de mm me ha animado a hacer una entrada ligerita (¿?), para los que, incondicionalmente, leeis este amago de blog (porque actualizar una vez a la semana ni es blog ni es nada).

Volver competirá en la sección oficial del Festival de Cannes, cosa que debería asombrarme porque, como ya he dicho aquí, para mí no es una buena película. No digo que esté mal, digo que no está a la altura. Pero ni me asombra ni me sorprende: críticos reputados la ponen por las nubes y la opinión generalizada de la gente a la que voy preguntando es positiva. Ahora es cuando me pregunto si la culpa de que no me convenciera la tengo yo mismo, al generar demasiadas expectativas.

Puede ser. Puede que a Pedro le suenen las campanas del palmarés (Wong Kar-Wai es el presi del jurado y tiene algunos ramalazos almodovarianos a la asiática que quizá beneficien al manchego) o puede que no (compite con pesos pesados como Nanni Moretti, Ken Loach, Aki Kaurismaki, Alejandro González Inarritu, Sofia Coppola...). Pero tampoco deberíamos extrañarnos de que una cinta mediocre se llevara algo en Cannes, o en cualquier otro festival, porque no sería la primera vez. Y es que, a pesar de que el jurado sea de la profesión, ahí hay personitas, como nosotros, que tienen sus filias y fobias, y que pueden hacer inclinar la balanza hacia los derroteros más subjetivos del mundo.

Algunos ejemplos de cagaditas en Cannes:

* Gran Premio del Jurado 2005: Flores rotas de Jim Jarmusch (pluf). Recomiendo la lectura de este articulillo que he hecho para Katovízate! (blog con amiguetes en pruebas).

* Palma de Oro y Mejor Director 2003: Elephant, de Gus Van Sant (ejem). Remito al artículo de antes.

* Palma de Oro y Mejor Actriz 2000: Bailar en la oscuridad, de Lars Von Trier (y eso que me encanta Lars y Bjork). Culebrón histriónico.

* Gran Premio del Jurado 1995: Carrington, de Christopher Hampton. Murga.

* Palma de Oro 1994: Pulp Fiction, de Quentin Tarantino. Pues no, no está mal, pero tampoco es para tanto.

Pero también a veces dan en el clavo:

* Mejor guión 2003: Denys Arcand, por Las invasiones bárbaras (y mejor actriz). Peliculón sobre la vida, los amigos y la tolerancia.

* Gran Premio del Jurado 2001: La pianista, de Michael Haneke (y premios para los intérpretes también, Isabelle Huppert y Benoît Magimel). Jevimetal.

* Palma de Oro 1996: Secretos y mentiras, de Mike Leigh. Jevimetal 2.

* Palma de Oro 1993: El piano, de Jane Campion. En Cannes el piano da juego, ya que también le cayó premio a Polanski por El pianista (Palma de Oro 2002).

Otra cosa: en Cannes tienen siempre algunos predilectos y favoritos. Premian y seleccionan con bastante asiduidad a Loach, Kar-Wai, Almodóvar, Leigh, Haneke, Von Trier, los Coen, Kusturica y Lynch.

Por cierto, si os interesa curiosear el histórico del palmarés de Cannes, lo podéis ver aquí.

Aquí están todas las pelis seleccionadas este año.

Buen fin de semana a todos!

Una Historia de Brooklyn

2006-04-12T16:24:00.000+02:00

Ya hay fecha de estreno, 23 de junio, para una película que tiene pinta de ser muy interesante, quizá el Kramer contra Kramer del siglo XXI, pero mucho menos dramática (las comparaciones en este caso más que odiosas, son obvias). The Squid and the whale (El calamar y la ballena literalmente, que aquí se conocerá como Una historia de Brooklyn) es la historia de una pareja de intelectuales neoyorkinos que se separa. Ambientada a mediados de los 80 y en clave de comedia, los protagonistas tendrán que lidiar no sólo con su ruptura matrimonial (que no es moco de pavo), sino con el compromiso fiel de sus dos hijos, ya que cada uno de ellos tomará parte por uno de los progenitores.

La película, que ha cosechado premios en Sundance (y nominaciones a los Globos de Oro) y se ha paseado por un buen número de festivales (Toronto, Chicago, Los Ángeles), ha recibido también el aplauso unánime de la crítica (Washington Post, Time, New York Times). A su favor tiene todo eso y un reparto encabezado por Laura Linney (una de mis actrices actuales favoritas, que podría ser la futura Meryl Streep, si la dejan otros monstruos prefabricados de la interpretación) y Jeff Daniels (un actorazo totalmente desaprovechado). La única pega que le pongo es que su director, Noah Baumbach, es coguionista (junto con el director, Wes Anderson) de Life Aquatic, una peli que, si bien hacía gracia a veces, hay que reconocer que era bastante mediocre. Esperemos que solo se las apañe mejor que acompañado.

Como hace siglos que se estrenó en Yanquilandia, hace siglos que se puede ver el tráiler aquí.

Más cosas sobre la peli, aquí.

Feliz Semana Santa

Transamérica: Almovarismo (del bueno), pero yanki

2006-04-10T12:34:00.000+02:00

La verdad es que da gusto después de unas semanas agotadoras, poderte sentar tranquilamente en el cine a ver Transamérica, para respirar, disfrutar y dejarte llevar. Probablemente no pasará a la historia del cine, pero es de esas pelis tontitas con trasfondo, que ves con interés, que te sumergen de lleno en la historia, y que, tras un metraje lleno de carcajadas, lágrimas, emoción y sorpresas, te plantas en los créditos finales sin apenas darte cuenta.

Transamérica pertence a esa estirpe de pelis que te dejan un calorcito en el corazón estupendo. Que sales del cine y piensas que el mundo es bueno, y que las apariencias siempre nos engañan, que en realidad lo que todos pedimos a gritos es un poquito de cariño.

Supongo que todos sabéis de qué va. La desesperada Felicity Huffman interpreta a un transexual (Bree) a punto de cambiarse el sexo, que, a una semana de meterese en el quirófano y con el consentimiento de su psicóloga en la mano, descubre que tiene un hijo de 17 años. Con un planteamiento road movie, el debutante Duncan Tucker demuestra ser todo un diamante en bruto: realización sólida, buen ritmo, acierto con la dirección de actores y un guión magnífico, casi lo mejor de la película: diálogos ingeniosos, conversaciones ácidas, golpes de humor y giros dramáticos nada gratuitos nos recuerdan a un seudo Almodóvar yanki lleno de la frescura que ha perdido nuestro director más internacional.

Quizá el mayor acierto de Tucker sea plantearnos de la manera más natural posible una historia rocambolesca llena de personajes propios del Diario de Patricia. Rollo trans y homosexual, prostitución, drogas, alcoholismo, suicidios, abusos sexuales, pornografía... todo cabe en el saco, pero nada disgusta, molesta, intimida. Sin excesos, sin dramas impostados, sin abusar de los recursos fáciles. Los personajes se desnudan ante nosotros, sin pudor, del modo más sincero posible, y con una ternura a flor de piel, de ésa que sólo se encuentra en personas que viven y sufren al límite. Y así consigues acercarte sin prejuicios a la historia de esta transexual entrañable amante del buen lenguaje, las verduras y las historias de nativos americanos.

Auténtica revelación es Kevin Zegers, por buen actor y por tío bueno (si no lo digo, me da algo); también el resto del acertado reparto, así como la inmensa Felicity Huffman, que hace un trabajo memorable. Sin embargo, he de decir que para mi gusto, se ha exagerado demasiado con su interpretación. Es que la Reese, es mucha Reese :-P

Os animo a que la veais, sales del cine con una sonrisa de oreja a oreja.

Listas de cine

2006-03-30T12:47:00.000+02:00

Los yankis son tan aficionados a las listas y a los ránkings que no hay semana que no publiquen alguna (eso sin contar con los premios, reconocimientos y nominaciones, que también tienen tropecientos). Últimamente han llegado a mis oídos unas cuantas listas de cine, que es lo que nos interesa aquí. Por ejemplo, Scarlett Johansson es líder de dos de las más frivolonas: la revista masculina FHN acaba de coronarla como la mujer más sexy del mundo y la Asociación de Maquilladores y Peluqueros de Los Ángeles la considera la actriz con mayor belleza natural (seguida de Kate Winslet y Catherine Zeta Jones). Oye, que sí, que la Scarlett es monísima, guapísima y buena actriz, pero... ¿no se están pasando un poco?

Ciñéndonos puramente a lo cinematográfico, la revista estadounidense Premiere acaba de dar a conocer su lista de las 100 mejores interpretaciones de la historia del cine. Entre los privilegiados hay de todo: reconocidos o no con el Oscar, actuaciones emblemáticas, actores muy actuales y de todos los tiempos... En general, las elecciones parecen bastante acertadas. Entre los más privilegiados con sus dotes interpretativas destacan Jack Nicholson, Johnny Deep, Dustin Hoffman, Meryl Streep, Katherine Hepburn, James Stewart y Daniel Day-Lewis, que aparecen más de una vez (y de dos) en la lista por diversos trabajos, todos ellos imprescindibles para un buen amante del séptimo arte.

Curiosidades encontramos en el número 45, con la aparición de nuestra Reese Witherspoon por su papel en Election (1999) y el recientemente oscarizado Philip Seymour Hoffman en el 35 por su gran trabajo en Capote.

También he podido encontrar en el ránking, en diferentes posiciones, a muchas de mis actrices favoritas: Diane Keaton (Annie Hall), Angela Basset (Tina), Audrey Hepburn (Desayuno con diamantes), Nicole Kidman (Todo por un sueño), Gong Li (Adiós a mi concubina), Emily Watson (Rompiendo las olas), Hillary Swank (Boys don't cry), Kate Winslet (¡Olvídate de mí!), Catherine Deneuve (Belle de jour), Sigourney Weaver (Alien), Katherine Hepburn (Historias de Filadelfia) o Faye Dunaway (Chinatown).

En el apartado masculino no faltan James Dean (Rebelde sin causa), Anthony Hopkins (El silencio de los corderos), Humphrey Bogart (El Halcón Maltés), Jeff Bridges (El Gran Lebowski), Robert Walker (Extraños en un tren), Ralph Fiennes (La lista de Shindler) o Charles Chaplin (Luces de la ciudad), entre muchos otros.

Pues nada, para que juzguéis por vosotros mismos (y opinéis y comentéis) aquí os pongo los diez primeros (grandes entre los grandes):

10. Robert De Niro en Toro Salvaje (1980)

9. Gene Wilder en El jovencito Frankenstein (1974)

8. James Stewart en Qué bello es vivir (1946)

7. Dustin Hoffman en Cowboy de medianoche (1969)

6. James Cagney en Yankee Doodle Dandy (1942)

5. Bette Davis en Eva al desnudo (1950)

4. Al Pacino en Tarde de perros (1975)

3. Meryl Streep en La decisión de Sophie (1982)

2. Marlon Brando en La ley del silencio (1954)

1. Peter O'Toole en Lawrence de Arabia (1962)

Podéis ver la lista completa pinchando aquí.

Crash

2006-03-28T18:18:00.000+02:00

Puede que se me haya pasado un poco el arroz, lo sé. Ponerme a hablar a estas alturas de Crash, cuando hace más de dos meses que se ha estrenado, es un poco de coña, sobre todo, cuando ya se ha dicho de todo sobre ella (premios de la Academia mediante). La polémica que se armó a cuenta del Óscar que recibió en detrimento de la favorita, Brokeback Mountain, me ha tenido con el alma en vilo. Sobre todo porque no tenía argumentos para opinar; había visto la peli de los vaqueros y me había encantado, como me he hartado de decir aquí, también Capote y Munich, pero aún no había tenido la oportunidad de ver Crash. Un poco por pereza, la verdad, y otro poco porque (¿no os pasa a vosotros?), cuanto más se habla de una película, más te cansa.

El caso es que el domingo descubrimos por qué Crash se ha merecido estar entre las mejores películas del año. No sólo es una película intensa, enérgica y apasionante, de ésas que se hacen a corazón abierto, sino que está muy bien narrada. Consigue, a través de personajes muy reales y relevantes, que todo el rato vienen a cuento, entrelazar con gran destreza historias de alta densidad emocional. Y todo ello con un ritmo sostenido en el que se alterna el estrés y la reflexión, la tensión y la calma.

Algunos amigos con criterio me comentaron en su momento que se trataba de una película excesivamente localista. Y puede que no les falte razón. Al principio todo parece tan exagerado que cuesta trabajo meterse en la pantalla. Pero, ¿quién nos dice que la vida en Los Ángeles no sea realmente así? Probablemente lo sea, aunque a priori cueste trabajo imaginarnos a nosotros mismos con esa enorme tensión, pasándonos gran parte del día sospechando de los vecinos sólo porque tienen un color de piel diferente. Las canciones seudoépicas metidas con calzador entre las distintas historias también confunden al espectador y le hacen sospechar: ¿estaremos ante un ejercicio 'voydeguays' cinematográfico? Pues no, parece que no se trata de eso.

Concedamos el beneficio de la duda al debutante Paul Haggis, guionista de Million Dollar Baby y creador de series de culto como Walker Texas Ranger (¡!), que aprovecha su primer trabajo en la dirección para contar todo lo que puede y con la máxima intensidad posible en escasos 90 minutos. Y resuelve el entuerto con nota. La dispersión de personajes se justifica sobre todo en lo centradita que está la temática: el racismo. Por eso a veces nos puede parecer todo una inmensa hipérbole. Porque continuamente nos hablan de lo mismo: de personas racistas o de personas que no lo son, pero que se ven empujadas a serlo por otras terceras.

En fin, Haggis quiere contar mucho y lo cuenta, sin aburrir al espectador, sin dejarle un segundo de aliento. Por eso quizá esas pausas musicales para relajar paquete (aunque a menudo queden pretenciosas). Te va introduciendo en el ajo sin sutilezas, dejando que los personajes te enganchen con sus miserias cotidianas, unas miserias que, cuando colisionan con las de los demás, brotan al exterior en forma de violencia extrema. La sucesión de conflictos se va acumulando en la butaca hasta llegar a un punto en el que parece que todo va a estallar. Y lo hace: la nieve cae sobre L.A. y suena de fondo el tema central de la película (In the deep). Llega el desenlace y se termina el día, para bien de unos y para mal de otros.

Director sólido, guión sólido y magníficos actores. Mucho se ha hablado en todas partes de lo bien que está el reparto, así que no voy a extenderme. Eso sí, lamento que no se haya insistido lo suficiente en el fantástico trabajo que realiza Terrence Howard.

Ahora toca mojarse: ¿cuál es mejor? ¿Crash o Brokeback? ¿Cuál se merecía más el Óscar? Pues Brokeback. No, no me bajo de la burra. Vale, son dos películas completamente diferentes en todo, es muy difícil comparar. Pero, para mí, Brockeback Mountain es una película mucho más redonda. El que mucho abarca, poco aprieta y es quizá ésta la única pega de Crash. Que esos personajes tan interesantes quedan desdibujados en un maremágnum de enfrentamientos, tacos, pistolas y accidentes de tráfico. Y que, la mayoría de las veces, para decir verdades como puños, no hace falta gritar tanto.

Klimt

2006-03-24T09:56:00.000+01:00

Con esta bonita obra de Gabriel Vormstein, quería desearos un buen fin de semana y, a la vez, informaros de que durante este año (que yo sepa todavía no hay fecha de estreno), podremos ver el esperado biopic sobre el pintor austriaco Gustav Klimt (uno de mis artistas favoritos y... del 95% de la población mundial).

Esta coproducción europea está escrita y dirigida por el cineasta chileno Raoul Ruiz, que ha desarrollado su carrera fundamentalmente en Francia, donde ha hecho muchas pelis (que yo desconozco, así que no puedo juzgar). Su principal aliciente es su protagonista, el polifacético John Malkovich, en el papel del introvertido pintor vienés. Le acompañan Veronica Ferres, la guapísima Saffron Barrows y Nicolai Kinski, interpretando a su discípulo Egon Schiele. No sé cómo estará la película, pero, desde luego, no es una biografía al uso: se trata de una historia de ficción basada en los últimos años de vida del pintor (algo parecido a lo que se hizo con la reciente -y lamentable- Casanova). De momento, el tráiler no es muy atrayente. Esperemos que en el cine mejore.

Podéis juzgar por vosotros mismos en esta página: http://www.klimtderfilm.at/

Por otro lado, al hilo de Volver, resulta sorprendente que, aunque en la mayor parte de los blogs de cine se pueden leer malas críticas al nuevo trabajo de Almodóvar, fundamentalmente porque está por debajo de lo que de él se espera, en los medios de comunicación la crítica le haya aplaudido unánimemente. Suponemos que tantos buenos críticos (Boyero, Torreiro, Marinero) no pueden estar equivocados, así que, no sé, a lo mejor es que nosotros somos demasiado exigentes o quizá en las salas han puesto otra película.

En fin, veáis pelis o no este finde... ¡pasadlo muy bien!

De-volver

2006-03-22T09:33:00.000+01:00

Si tuviera que poner un título de peli (en plan obvio) a este puente de San José, éste sería: "Sexo, lluvia y cintas sobrevaloradas". Y es que vaya sesión de pelis pretenciosas que me he chupado entre sábado, domingo y lunes. No pongo en duda la buena fe de los directores a la hora de ponerse a currarse los guiones ni tampoco la de los periodistas y el público que los encumbran, lo que me molesta un poco es la autocomplacencia y el onanismo cinematográfico de directores-guionistas que son mimados por unos y por otros, y que les llevan a hacer trabajos mediocres que encima están disfrazados de lo que no son. Pero ya sabéis, aunque la mona se vista de seda... Es curioso que los tres tipos de hoy son guionistas de sus propias películas. Cuidadín con los spoilers.

Empecemos con Cameron Crowe. ¿Alguien entiende por qué este señor está sobrevalorado? ¿Quiza por sus bandas sonoras, que siempre tienen una selección buenísima? Es lo único que se me ocurre. Reconozco que Jerry McGuire me hace bastante chispa: historia de hombre sin escrúpulos que un día recupera su moral y, con ella, pierde toda su vida: novia, trabajo, dinero, estatus. Y la demostración de que, haciendo las cosas bien, también se puede triunfar. Las moralejas me pierden, y sí, lo reconozco, Tom Cruise también. ¿Pero qué hay del resto? Infumables son Vanilla Sky (también Tom) y su reciente Elizabethtown, y poco pase tiene Singles. Otro de sus bodrios (inexplicables son sus buenas críticas) es Casi famosos, la película elegida para la sobremesa del lunes festivo en Madrid. Sin duda, Crowe se hace aquí una paja melómana con una historia bastante flojilla de un periodista musical prematuro que sigue a un grupo jipi en su gira por Estados Unidos. La banda, malos a más no poder; el guión, aburridito (drogas, grupis, luchas de ego... nada que no sepamos ya); el argumento, bastante lineal y carente de intensidad; Kate Hudson, absurda todo el rato y poniendo caras (¿pero esta cría quién se cree, Julia Roberts?). La única que se salva es Frances McDormand. Lanzo una pregunta: ¿por qué siempre en los últimos 30 minutos de las pelis de Cameron Crowe este tío se dedica a amagar con que se termina la peli y luego nunca se termina? ¡Es exasperante!

Sigamos con León de Aranoa. No, no he visto Los lunes al sol ni pienso verla. Me da perezota. Familia fue para mí una película alucinante, sobre todo original y sorprendente, de ésas que en cada plano se esconde una verdad aplastante. Igual que Barrio, también llena de realidad, aunque aquí comenzaba a meterse en el terreno pantanoso del cine social que tan bien le sienta a algunos, como a Ken Loach, y tan mal a otros. El sábado por la tarde, un poco resacoso, decidí ver Princesas, que casi todo el mundo me había puesto por las nubes. Sí, lloré como una magdalena, porque se dicen verdades como puños (ése "el amor es que te vayan a buscar" me dejó seco), pero la continua e intencionada exposición a lo simbólico, la metáfora y el aforismo hace que la mayor parte de la cinta se vuelva un tanto artificial. O artificiosa, mejor dicho. Y si una peli social es artificiosa, apaga y vámonos. Candela Peña lo borda, porque ella es así, lo hace todo divinamente, y consigue salvar mínimamente a la protagonista, Caye, una prostituta completamente desdibujada psicológicamente, que no te la crees nunca, y que sólo sirve como vehículo de las reflexiones filosofales de Aranoa (en vez de puta, podría dedicarse a la literatura). Dice mucho de la peli que lo que más interesa al espectador no sea el personaje principal, sino el secundario, una dominicana, también meretriz, a la que da vida con una autenticidad pasmosa Micaela Narváez. Su cruda vida de inmigrante sin papeles, con un hijo en su país de origen, su nostalgia y sufrimiento, y los abusos a los que se ve sometida consiguen despertarnos y traernos a la dura realidad de la prostitución. Una realidad a la que no consigues acceder por culpa de ese tufillo poético que lo inunda todo. Aranoa, la próxima vez, escribe un libro, no el guión de una película. Con todo, tiene escenas memorables, llenas de ternura, que merece la pena ver.

Y terminamos con Pedro Almodóvar y su Volver, que fuimos a ver al cine en plan comandita la tarde del domingo. Con todos los contras, que son muchos, hay que reconocer que sales del cine y no dices: vaya truño. De hecho, tienes la sensación de que te lo has pasado bien, aunque muy desastre tendría que ser la película para superar las cotas de absurdo que supuso La Mala Educación. Sin embargo, también se te queda el regusto de haber visto una cinta de serie Z, un subproducto de lo que era capaz de hacer Almodóvar en sus tiempos mozos y que parece que nunca volverá a hacer. En fin, algo que va de lo que no es: una película auténtica que va de cutre y que en realidad es una película cutre que va de auténtica. Ejemplos: los doblajes de exteriores son para echarse a llorar, como los trejemanejes que se traen con el muerto, por no hablar del guión, que no puede ser más rocambolesco (atención al patético momento Sexto Sentido de Carmen Maura), o de la mediocridad de los créditos y de las interpretaciones. Penélope Cruz es que es mala con avaricia, y eso que aquí no está del todo mal, a pesar de que, hacer de paleta, pues como que no le pega; a Lola Dueñas la veo fatal todo el rato y Yohanna Cobo parece sacada de una serie en plan Al salir de clase. Creo que el momento álgido de la cutrez llega con el cante jondo que se pega Raimunda (¡vaya nombrecito!), el personaje que interpreta Pe. Joder, Pedro, que nos pongas a una travesti haciendo un playback de un bolero, vale, pero que lo haga Penélope en plan carabirurí... ¡es para mear y no echar gota! Eso sí, es aparecer Carmen Maura y arreglarse un poco el asunto. Y es que ella, junto a Blanca Portillo (y eso que tiene un papel de mierda!), consiguen darle al guión algo de la credibilidad que la película está pidiendo a gritos todo el rato. Afortunadamente, de vez en cuando, la brillantez de algunos diálogos, y sobre todo los gags, nos devuelven al Almodóvar que todos conocemos, y te mueres de la risa con algunas intervenciones. Sin embargo, su filmografía siempre se ha caracterizado por que, bajo la comicidad del esperpento, se puede vislumbrar el drama y descubrir cómo son las personas a corazón abierto. Y esto, por desgracia no ha vuelto a las pelis de Pedro. Esperaremos a que haya algo que nos consiga devolver de verdad a ese director al que yo mismo reconozco que tengo tan sobrevalorado.

Feliz semana.

X-Men 3

2006-03-14T15:27:00.000+01:00

Ya nos quedan menos de dos meses para disfrutar en pantalla grande de la nueva película de la Patrulla-X, X-Men 3: The last stand, que aún no tiene título en español. Tras la espantada del director de las dos entregas anteriores, Bryan Singer (que prefirió ocuparse de la nueva peli de Superman), Matthew Vaughn fue finalmente el elegido para llevar a cabo el proyecto. Conocido por su trabajo como productor de Lock and Stock o Snatch, en estrecha colaboración con Guy Ritchie, Vaughn es el responsable de la recientemente estrenada Layer cake-Crimen organizado.

Vaughn dejó el proyecto en junio de 2005 después de haber estado involucrado desde el principio en líneas fundamentales de la producción, como el guión o el casting. Aunque se esgrimieron motivos personales, se cuenta y se rumorea que las inmensas proporciones del asunto acabaron por superar a Vaughn. Al poco tiempo se comenzaron a barajar varios nombres de directores mediocres especializados en cine de acción y al final se optó por un tal Brett Ratner, autor de bodrios infumables (que no me he atrevido a ver) como El gran golpe, Dragón Rojo y Hora Punta 2, y videoclips (no digo nada) como Beautiful Stranger de Madonna y Heartbreaker de mi adorada Maraya. En fin, veremos qué sale de todo esto. A mí me da un poco de miedito.

Respecto al reparto, se barajó la posibilidad de que estuviera presente Maggie Grace, la pija de Perdidos, en el papel de Kitty Pryde. Al final triunfó la cordura (porque no le pega nada), y se optó por la desconocida, para nosotros, Ellen Page (que no es la misma de X2, donde Kitty hacía unos cameos).

Además, se incorporaron a la cuchipanda mutante la Bestia y el Ángel, los dos hombres X originales que aún no tenían réplica en la gran pantalla. Y sorpresa: para interpretar al Dr. McCoy (alias la Bestia), se eligió a Kelsey Grammer, el famosísimo Dr. Frasier Crane. Dicen que Matthew Vaughn fue el principal artífice de que Grammer estuviese en la película. Por su parte, el papel del ricachón Warren Worthington, conocido como el Ángel, ha ido a parar al desconocido y sosainas Ben Foster.

Afortunadamente no falta ningún actor de los aparecidos en películas anteriores: Hugh Jackman sigue subiendo la temperatura del cine gracias a su papel de Lobezno; Famke Janssen, Rebecca Romijn y Halle Berry hacen lo propio con Jean Grey, Mística y Tormenta; los mediocres James Marsden y Anna Paquin continúan interpretando a Cíclope y Pícara (nadie me negará que con el rostro de Paquin, Pícara ha perdido toda la gracia); y para darle ese toque de clase y elegancia, no faltan Ian McKellen como Magneto y Patrick Stewart como el Profesor Charles Xavier. Los jóvenes Shawn Ashmore, como el Hombre de Hielo, y Daniel Cudmore, como Coloso, siguen ganando en protagonismo.

En X-Men 3 también podremos disfrutar de nuevos papeles estelares: la doctora Moira MacTaggert (¿habrá rollito con el profesor X?), Juggernaut, Madrox, Calisto, Syrin y... ¡Mariposa Mental y Júbilo! Pero, atención fans de los mutantes, no os emocionéis que, por lo que parece, tienen apariciones más bien anecdóticas.

El tráiler es espectacular y se puede ver aquí.

Por cierto, Moonfleet tiene carteles estupendos de la película.

X-Men 3 se estrena el 26 de mayo.

Crash vs. Brokeback y canción ganadora del Oscar

2006-03-10T10:15:00.000+01:00

Para aquellos que se pregunten todavía por la conspiración judeomasónica que ha impedido que Brokeback Mountain se haya llevado el premio a la Mejor Película en la última edición de los Oscar, en Blogdecine publican hoy una entrada muy interesante, muy aclaratoria y muy completa acerca de los motivos que han podido hacer que la balanza al final se inclinase a favor de Crash. Una vez leído el artículo, uno entiende muchas cosas.

Por último, en Moonfleet, Jeremy Fox plantea la también sospechosa victoria de la canción It's Hard Out Here For A Pimp de la película Hustle & Flow en detrimento de las favoritas In the Deep, de Crash y Travellin' Thru, de Transamerica. En el enlace podéis ver la performance de todos los temas. Está claro que, a falta de nominaciones a películas de corte afroamericano, la Academia quiso dar un premio compensatorio a la canción más negra de toda la ceremonia. De hecho, Queen Latifah fue la encargada de entregar el Oscar: una elección bastante premonitoria, ¿no os parece? De todos modos, no es la primera vez tampoco que un tema rap gana en la categoría de mejor canción original: Eminem ya consiguió la estatuilla en 2003 por Lose yourself de su biopic ficcionado 8 Millas.

Yo no le hubiera dado el Oscar a ninguna, porque todas las canciones son bastante comercialotas y obvias, pero desde luego, sólo por su gracejo y salero, Dolly Parton se mereció subir a recoger la estatuilla. Por cierto, ¡cómo tiene la cara de operaciones estéticas la Parton! Casi podría haber hecho ella el papel de transexual de Felicity Huffman...

Os prometo que ya no os doy la murga más con los Oscar. Bueno, os prometo que lo intentaré.

Échame un Capote

2006-03-09T15:44:00.000+01:00

Después de tantos días de ausencia, supongo que lo que toca es hablar de los Oscar, ya que todavía andamos de resaca informativa con los premios de la Academia (y lo que nos queda). El triunfo de Crash en la categoría estrella, mejor película, es uno de los más polémicos de las últimas ediciones y, aunque fue inesperado, tampoco supuso una enorme sorpresa (que hubiese ganado cualquiera de las otras tres nominadas sí que hubiera sido inaudito). Y es que, si recordamos los galardones que preceden a los Oscar, nos damos cuenta de que Crash ha sido reconocidísima como una buena película coral donde brilla, sobre todo, el trabajo conjunto y coordinado de un gran equipo de profesionales: director, guionistas, técnicos y, sobre todo, actores. Aunque no la he visto, es vox populi que Matt Dillon, Don Cheadle, Thandie Newton y Sandra Bullock están inmensos. ¿Y cuál es el mejor modo de premiar todo eso? Pues la mejor película y no se hable más. ¿Que la Academia no se ha atrevido a premiar una peli que va de una historia de amor entre vaqueros? Pues oyes, pues sí, muy mal. Pero tampoco podemos pedirle peras al olmo. Creo que nominar cinco títulos que van de los enfrentamientos raciales de Estados Unidos, un episodio negro en la vida de un famoso escritor homosexual, las desventuras de dos cowboys maricas, el terrorismo político de Israel y la caza de brujas de McCarthy es mucho más de lo que podemos pedirle a los mayoritariamente conservadores miembros de la Academia.

Este año, más que muchos otros, ha sido la gran fiesta del cine de temática norteamericana. Desde el country de En la cuerda floja hasta los entresijos geopolíticos de Syriana, pasando por las vidas cruzadas que chocan en Los Ángeles de Crash. Las películas que acaparaban más premios han tratado temas genuinamente yanquis, aunque no desde el punto de vista que le hubiese gustado a la América más conservadora. Por eso, este 2006 ha sido un buen año para los Oscar, aunque se echa de menos una buena cosecha de películas menos crudas. Que a veces se confunde realismo y denuncia social con buen cine, y no siempre tienen por qué ir de la mano. Por ejemplo, soy un gran fan de esos dramones épicos y románticos tipo Memorias de África o El Paciente Inglés.

Y nada, que no es por echarme flores pero, como veis, salvo mejor peli, he acertado casi todo en mi quiniela. Y es que este año, la mayoría de los premios estaban más que cantados, especialmente los de interpretación. Aunque todavía no he visto Syriana y no puedo juzgar el trabajo de George Clooney, tanto Reese Whiterspoon y Rachel Weisz como Phillip Seymour Hoffman han obtenido merecidísimos premios por sus inmensos papelones.

Aparte del trabajo de Hoffman (genial), Capote es un peliculón que merece la pena disfrutar (o sufrir, en mi caso). Con una sobriedad impresionante, que a veces deja sin respiración, y un guión muy sólido, Capote desgrana un episodio apasionante de la vida del escritor norteamericano: el descubrimiento de la matanza de los Clutter, una familia que es asesinada brutalmente en Kansas, y el tortuoso camino creativo que lleva a Truman Capote a componer su magistral A sangre fría, la primera novela de no ficción.

Probablemente, muchos de los que lean esto ya conocen a Capote o han leído algo de él. He de reconocer que entré prácticamente virgen al cine. Tenía algunas ideas vagas sobre la vida azarosa de este señor (sobre todo relacionadas con Studio 54) y conocía sus títulos, pero no tenía ninguna expectativa. La película comienza con la investigación del brutal crimen, en plan Expendiente X: el escritor, interesado por los detalles de la escena del crimen, viaja a la zona con su amiga y escritora Harper Lee (que interpreta la siempre eficaz Catherine Keener), y se dedican a ir puerta por puerta recavando información. A medida que avanza la cinta, tanto el espectador como Capote se ven cada vez más atraídos por las causas de la matanza y, especialmente, por la personalidad de uno de los asesinos, Perry Smith. A la vez, el escritor descubre que tiene material para escribir una gran novela. Y ahí es donde se plantea todo el tomate: ¿el fin justifica los medios? ¿Hasta dónde está dispuesta a llegar una persona para obtener el reconocimiento que tanto ansía?

Un filme seco, austero, virado a sepia, que se emborracha de la atrayente personalidad de este Hoffman-Capote, y que le juzga, abriendo algunas interrogantes sobre el deterioro vital que comienza para el autor con el parto de A sangre fría. Además, nos permite descubrir a otro actor de lujo, Clifton Collins Jr, que interpreta a un personaje que se merece más minutos de metraje: Perry Smith.

Salía del cine, un poco revuelto por dentro y con el logo de JB metido en el cerebelo, y no hacía más que pensar en el Capote de la peli y en los demonios que se esconden tras su genialidad, que son muchos. Y pensaba en lo que fue capaz de hacer para conseguir lo que hoy por hoy ya tiene, ese gran reconocimiento y la merecida inmortalidad. Claro yo me pregunto y, de hecho, tras la peli, pregunté en voz alta: "¿y de verdad le mereció la pena ser tan chungo? Total, si al final la palmó, como todo el mundo".

¡Ya llegan, ya vienen!

2006-03-02T09:38:00.000+01:00

A los que les gusta el cine en plan gafapasta dirán que los Oscar son un rollo. Al resto, al que nos gusta el cine, pero también el marujeo, el glamour y la alfombra roja, llevamos ya unas semanas pasándolo en grande con las entregas de premios, quinielas previas y dimesydiretes en torno a la próxima entrega de estos míticos premios de cine, que llegará, como viene siendo habitual en la próxima madrugada del domingo al lunes (5 de marzo).

Sin haber visto todas las pelis que se supone que hay que ver (no tengo tiempo para ir tanto al cine... ni siquiera tiro del emule), me voy a aventurar con mis favoritas este año. Sin duda, el Oscar a la mejor película quiero que vaya para Brokeback Mountain, a falta de una candidatura para El Jardinero Fiel, uno de los mejores filmes del año pasado. Munich y Buenas noches y buena suerte son mis otras dos predilectas, seguida de Capote y Crash, en este orden. Este año, parece que el nivel es muy bueno. Y digo parece porque no he visto todas.

En cuanto al actor principal, todo apunta a que este año será Philip Seymour Hoffman el que recoja la estatuilla. Si además de guiarnos por su trabajo en Capote, tuviésemos en cuenta su filmografía, entonces le daríamos dos Oscar, ya que en su haber tiene títulos imprescindibles como Happiness, Boogie Nights, Magnolia y El talento de Mr. Ripley, y otros también interesantes como El Gran Lebowski, Casi famosos, La última noche o Cold Mountain.

La ganadora moral del Oscar a la actriz principal sería para mí Rachel Weisz, por su magnífica intepretación de Tessa Quayle en El Jardinero Fiel. Aunque es prota total en la peli de Fernando Meirelles, está nominada en el apartado de actriz de reparto, un premio que, con toda probabilidad, acabará ganando. Los jaleos que montan con los premios actor principal/actor de reparto no se entienden por cuestiones lógicas, pero tienen una absurda explicación mercantil: los estudios son los que proponen sus actores nominados en cada película, así que muchos de ellos recurren a todo tipo de artimañas para acaparar más nominaciones y posibilidades de premio, lo que supone más pasta en las taquillas a fin de cuentas. Por ejemplo, en Brokeback, tanto Jake Gyllenhaal como Heath Ledger son protagonistas, pero repartiendo sus nominaciones se aumenta la posibilidad de ganar una estatuilla más. Por poner otros casos: Cate Blanchett (El aviador) y Marcia Gay Harden (Pollock) ganaron el Oscar por actriz de reparto en películas donde eran claramente protagonistas.

Siguiendo con el capítulo injusticias, ni siquiera una nominación ha conseguido María Bello, una de las grandes olvidadas de este año y que es lo mejor de un despropósito de película llamado Una historia de violencia. De entre las opciones reales, nos quedamos con Reese Witherspoon por En la cuerda floja (clara favorita) y Felicity Huffman por Transamerica (que podría dar la sorpresa: ya ganó el globo de oro).

En las interpretaciones de reparto, el premio masculino irá a manos de George Clooney, porque él lo vale, y porque este año se ha lucido con Buenas noches y buena suerte y Syriana; sin embargo, a mí me gustaría que se llevase la estatuilla Jake Gyllenhaal, que ya nos encandiló en Donnie Darko y The Good Girl, y que este año se luce en Brokeback Mountain. Podría ser otra de las sorpresas de la noche de los Oscar, si tenemos en cuenta que recientemente se llevó el Bafta en Londres. También está nominado en esta categoría otro de mis actores fetiche, William Hurt, por Una historia de violencia, aunque sale tan poco en la película que sería una injusticia que se lo llevase él y no Jake (aunque cosas peores se han visto: y si no, recordemos los escasos ocho minutos que dieron el Oscar a Judi Dench por Shakespeare enamorado). Paul Giamatti no me gusta ni en Cinderella Man ni en ninguna peli, porque siempre hace las mismas muecas (es como un Jim Carrey, pero indie), así que no espero que gane nada. Nos queda Matt Dillon, por Crash, que no me apasiona y que tampoco parece que tenga muchas posibilidades.

La actriz secundaria irá (espero) a manos de la guapísima Rachel Weisz, aunque también tenemos en la pugna a otra actriz fantástica: Catherine Keener por Capote. Michelle Williams (Brokeback Mountain) tiene alguna posibilidad más que Keener, y Frances McDormand (En tierra de hombres, aún por estrenar), muy pocas. Por cierto, ¿quién demonios es Amy Adams?

Respecto al resto de categorías, así me gustaría que quedase el palmarés:

Director: Ang Lee.

Guión original: Woody Allen por Match Point, pero ganará Paul Haggis por Crash.

Guión adaptado: tengo el corazón dividido entre El jardinero fiel y Brokeback, aunque se lo llevará esta última.

En las categorías más técnicas, no me meto mucho porque no entiendo, pero aún así opinaré:

Memorias de una Geisha podría ganar vestuario y dirección artística.

En fotografía la cosa está reñida entre Brokeback, la Geisha y Buenas noches y buena suerte, aunque dicen que han hecho un trabajo espectacular en El nuevo mundo, porque su director, Terrence Malick, exigió que en su película la luz fuese exclusivamente natural. La nueva peli del realizador de La delgada línea roja sólo ha obtenido esta nominación.

La BSO irá a Brokeback, aunque la música de El Jardinero fiel es fantástica (¡barramos para casa!), y el maquillaje, a Narnia. Al resto de categorías, no llego.

Este año la peli extranjera parece que está entre la palestina Paradise Now (aunque se habla de presiones israelíes a la Academia para que no gane), la alemana Sophie School y la sudafricana Tsotsi.

¿Os animáis a hacer vuestra quiniela?

Por cierto, las imágenes con las que os he obsequiado hoy son las galletitas conmemorativas de los nominados a película y actor/actriz principal que ha puesto en venta una empresa neoyorkina llamada Elenis. Me encantan estas frikadas.

Volver

2006-03-01T09:10:00.000+01:00

La nueva película de Almodóvar ya tiene tráiler. Y, para mí, no cumple, de momento, las expectativas creadas... que, después de La mala educación, no son muchas. Y es que Penélope Cruz es lo peor... Y lo de "huele a pedo", ya me ha terminado de rematar... ¿se puede ser más chabacano?

Podéis juzgar por vosotros mismos aquí.

Oda a Reese

2006-02-27T10:29:00.000+01:00

Tú y yo lo sabíamos. Sabíamos que Reese Witherspoon era mucho más que una cara bonita. Y sabíamos que tarde o temprano llegaría el reconocimiento que se merece. Y ha llegado, gracias a su magnífica intepretación de la cantante country June Carter en la correctísima película En la cuerda floja, por la que está ganando todos los premios del mundo y más (Globo de Oro, Screen Actors Guild Award, Bafta... ¿quizá el Oscar? Pronto lo sabremos).

No os voy a dar la chapa en esta entrada con una crítica pormenorizada de En la cuerda floja, porque, qué queréis que os diga, tampoco la peli es para tanto. Los biopic siempre apestan un poco a telefilm (por aquello de basado en hechos reales) y, en este caso, el tufillo también es patente. Eso no quiere decir que En la cuerda floja no esté bien. Está más que bien: es interesante, emocionante, divertida y puedes disfrutar del trabajo de dos actores fantásticos, Joaquin Phoenix y nuestra Reese. Aunque todo eso ya es bastante con los tiempos que corren, tampoco se puede decir que sea un peliculón, ni mucho menos. En realidad no es más que la historia de un hombre perdido en el mundo (Johnny Cash) que encuentra su brújula gracias al amor y la paciencia de una mujer maravillosa (June Carter). El hecho de que el mismísimo Cash haya metido mano en el guión podría explicar, en parte, por qué los personajes apenas presentan aristas y carecen de esa complejidad psicológica que existe en todo artista turbulento y genial. Y es que Johnny Cash se nos presenta como un tipo atormentado por la muerte de su hermano y parece que sólo eso (y la pésima relación con su padre) es lo que le aboca al mundo de los excesos. Por su parte, la pobre June Carter podría aparecérsenos como la Teresa de Calcuta del country. Porque de ella sabemos que es buena porque el mundo le ha hecho así... y poco más. En fin, ese tipo de personajes que apasionan en Hollywood de mujer vapuleada por la vida que, a pesar de todo, sigue creyendo en el género humano y actuando como un pedazo de pan.

Sin embargo, nosotros sabemos que Reese puede dar mucho más de sí. Ese rostro angelical que, para bien o para mal, le ha marcado en su, de momento, corta carrera cinematográfica, no es más que la carta de presentación de una actriz con un enorme potencial. Aunque por ahora haya sido la comedia (romántica) su género favorito, Reese ya apuntaba maneras (y más matices interpretativos) en títulos imprescindibles como Election, Crueles Intenciones, Pleasantville y, mi peli fetiche: Una rubia muy legal. Nadie como ella hubiera sido capaz de dar una réplica convincente a esa imposible Elle Woods, rubia frivolona de libro y aprendiz de abogado, que Reese consigue humanizar y darle un punto de ironía que roza la autoparodia. Y es que nuestra prota de hoy siempre da más de lo que le ofrecen. Y si no, podemos verlo en pelis como Ojalá fuera cierto o Sweet Home Alabama, donde sus papeles salen adelante gracias, principalmente, a su impresionante vis cómica. Sin embargo, aún esperamos con ganas ese papel protagonista en un dramón épico en toda regla que le dé el estatus de superestrella que se merece.

Aunque ella pasa de todo eso. Nuestra Reese, de origen sureño, prefiere quedarse en casa con su marido y sus niños y reconoce que las candijelas se las pasa por la thermomix. "Llevamos una vida normal, tampoco es que tengamos estrellas del cine entrando y saliendo de nuestra casa todo el tiempo". Y es que, con Ryan Phillipe como marido, ¿quién necesita la alfombra roja?

Brokeback obsession

2006-02-24T11:40:00.000+01:00

Vale, estoy un poco obsesionado con Brokeback Mountain... ¡pero aún no me ha dado por hacer la peli en legos o comprar la camisa de Jake Gyllenhaal por más de 100.000 dólares!

Ahí van algunos enlaces interesantes sobre esta peli que provoca, entre otros efectos, controversias políticas, rechazos y elogios desmedidos, angustia existencial, convulsiones erótico-festivas y mogollón de chascarrillos (que es lo mejor de todo):

Brokeback Squadron (parodia cutre con Top Gun).

Brokeback to the Future (parodia muy graciosa con Regreso al Futuro).

Brokeback con Legos.

En eBay se ha subastado al camisa que llevaba Jake Gyllenhaal en la peli por 101.100 dólares (el dinero recaudado es para una ONG dedicada a la infancia).

¡Hay extensión de los Sims con las escenas más tórridas entre los vaqueros!

Incluso hay un blog en español exclusivamente dedicado a la película, con toda la actualidad y frikadas varias.

Como veis, ¡hay gente peor que yo!

Tú, yo y todos los demás

2006-02-22T08:48:00.000+01:00

Por muchos motivos, ésta ha sido una de las películas más importantes de mi vida reciente. Ésta y Brokeback Mountain. Supongo que porque ambas consiguieron remover mi interior como hacía tiempo que ninguna otra peli hacía.

Aunque podríamos buscarle muchas pegas, Tú, yo y todos los demás, el debut en la dirección de Miranda July (señora videoartista también), es, como poco, una bocanada de aire fresco para el cine yanki. No por su planteamiento, que ya nos suena, sino por su desarrollo y, sobre todo, por sus formas. Y es que el rollito artie marca mucho y a la July le sale cada plano que te deja boquiabierto, aunque a veces le reste realismo a la historia (qué coñazo de realismo... ¡para realismo ya está el telediario).

La historia coral y naif de personajes que se encuentran y se desencuentran me recuerda, en algunos momentos, a Happiness y Cosas que nunca te dije. Parece menos chunga a priori que éstas, pero el trasfondo es el mismo. Además, tiene una de las escenas más tronchantes (y preciosas) que he visto ))><(( .

Sólo por esta ocurrencia, merece la pena verla. Otros puntos a su favor son los intérpretes, que están fantásticos, casi más los secundarios que los protagonistas, y la música, que, como la película, parece ligerita, pero se hace, en ciertos momentos tan intensa que se te ponen los pelos de punta.

Tenéis mi humilísima crítica de la peli (ayer aprendí el superlativo de humilde y tengo que hacer uso de este nuevo hallazgo) en la página de mi querida Cris, Cinema Futuro.

¡Saludos!

Baftas: los vaqueros gays cabalgan de nuevo

2006-02-20T17:08:00.000+01:00

El Jardinero fiel, gran perdedora de la noche; Brokeback Mountain acapara los Bafta. Éstos han sido dos de los titulares más repetidos en todos los medios de comunicación al darse a conocer los ganadores de los Premios Británicos del Cine y la Televisión, los Bafta, algo así como los Goyas ingleses que, como los Globos de Oro, sirven como termómetro de lo que puede pasar con los Oscar el próximo 5 de marzo.

Efectivamente, El jardinero fiel, la magnífica película de Fernando Meirelles, partía como favorita con 10 nominaciones en las categorías más importantes y al final sólo se llevó una, el montaje. Una lástima porque se merecía muchas más. Por su parte, Brokeback Mountain se convierte en la cinta más adelantada en la carrera hacia los Oscars, gracias a los cuatro Baftas obtenidos en la categoría de mejor película, mejor guión adaptado, mejor director (Ang Lee) y... ¡sorpresa! mejor actor de reparto para Jake Gyllenhaal.

Y es que, aunque parecía que los premios irían a parar prácticamente a las mismas manos en las que cayeron los Globos de Oro, la lluviosa noche en Londres deparaba alguna que otra sorpresa en las categorías de interpretación secundaria. Brenda Blethyn (Orgullo y prejuicio), por ejemplo, se quedó sin Bafta al adjudicárselo la también británica Thandie Newton, por Crash. Las otras favoritas, pero con menos posibilidades, Catherine Keener (Capote) y Michelle Williams (Brokeback Mountain), se quedaron a verlas venir.

Donde no había representación británica era en la categoría de actor de reparto. Todos eran norteamericanos: Jake Gyllenhaal por Brokeback Mountain; Don Cheadle y Matt Dillon por Crash; y George Clooney, que hizo doblete con Syriana y Buenas noches y buena suerte. Contra todo pronóstico (todo apuntaba a que Clooney sería el ganador), el Bafta fue para Gyllenhaal, un buen consuelo para los Oscar, donde es bastante improbable que tenga la misma suerte.

En los protagonistas no hubo sorpresas. Philip Seymour Hoffman volvió a imponerse con Capote, en lo que parece ser la interpretación del año (¡qué ganas de ver la peli!). Reese Whiterspoon, en cambio, no las tiene todas consigo, a pesar de ser también muy favorita por su papel de June Carter en la película En la cuerda floja (recordemos que hace poco se llevó el premio a la mejor actriz en los galardones de la Asociación de Actores yankis). Finalmente se impuso a otras aventajadas y, para más señas, británicas, como Rachel Weisz (El jardinero fiel) y Judi Dench (Mrs Henderson Presents). Aunque Whiterspoon me encanta y está estupenda como June Carter, creo que el papel de Weisz es más complejo y con más matices, por lo que debió alzarse con la estatuilla.

Otra sorpresa: el premio a la mejor película británica podría haber recaído en El Jardinero fiel, por aquello de compensar. Pero al final fueron los muñegotes de Wallace y Gromit los que se llevaron el gato al agua. El resto de premios, repartidos: guión original para Crash, sonido para En la cuerda floja y mejor director británico nobel, Joe Wright, por Orgullo y prejuicio. El resto de premios menores se repartieron entre grandes superproducciones como Narnia, Harry Potter y, fundamentalmente, Memorias de una Geisha, que se llevó tres: música, fotografía y diseño de vestuario (este último merecidísimo).

Luces, cámara... ¡acción!

2006-02-20T12:48:00.000+01:00

Jake Gyllenhaal es una razón como otra cualquiera para iniciar este blog. Siempre he amado el cine, desde pequeño, pero, de un tiempo a esta parte, es pasión lo que siento por el séptimo arte. Me encanta todo el ritual: comprar las entradas, el sonido del proyector, las palomitas (que a veces como y a veces no), leer los créditos del final, comentar después la película con un té o una caña... Además, noto que la semana que no voy al cine, parece que me falta algo. La necesidad que tengo de compartir mis opiniones y cometarios sobre el cine y sus protagonistas me ha animado abrir este blog. No sé si lo leerá mucha gente, poca o ninguna. Me gustaría que alguien me leyera, claro está. Pero si no es así, al menos me servirá de desahogo.

Por cierto, felicidades a Gyllenhaal por su Bafta al mejor actor de reparto por Brokeback Mountain, una de las películas más maravillosas que he visto nunca. Pronto hablaremos de los Bafta, los Oscar y de las películas de estreno que he visto últimamente.

¡Saludos!