Friday, November 11, 2011
Programa #46
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En la primera parte del programa hablamos con Patricia González Cámpora, directora del Plan Audiovisual de Canarias, quien nos presentó la iniciativa Objetivo Canarias para la promoción del sector en las Islas.
Luego entrevistamos al director Chedey Reyes, de Machango Studio, que ha estrenado esta semana su nuevo cortometraje Una historia de amor. Puedes leer aquí en el blog un resumen de lo que nos contó.
En cuanto al apartado musical, pusimos las canciones "Wahrane Wahrane" de Khaled (que actúa en la Fiesta Womad de Las Palmas de Gran Canaria) y "Dentelladas" de Miniatura (de la que Machango Studio ha hecho un videoclip). Asimismo, escuchamos el tráiler de Una historia de amor y la sintonía de la serie de dibujos animados Jonás.
Friday, November 4, 2011
Barbara Stanwyck: una mirada femenina al cine negro
Por Ayoze García
Los seguidores (no demasiados, pero siempre acérrimos) de Barbara Stanwyck sabemos que nunca una comedia navideña de buenos sentimientos ha estado tan cerca del cine negro como lo está Recuerdo de una noche: fíjense si no en las similitudes de su argumento con El caso de Thelma Jordon, donde el protagonista masculino es también un fiscal que se deja tentar por ella. Y del mismo modo, nunca un western ha mostrado tan bien los nexos de ese género con el noir como 40 pistolas.
Puede quizá que nos empeñemos en buscar esas asociaciones en las películas de Stanwyck, simplemente porque la sombra de una obra cumbre como Perdición (donde ella interpretó por primera vez un papel de femme fatale) es demasiado alargada. No obstante, elementos hay de sobra para reinterpretar buena parte de la filmografía de esta actriz en relación al cine negro.
Mucho antes de Perdición, Stanwyck ya se había hecho famosa entre otras cosas por interpretar a mujeres de clase baja que trepan en el escalafón social sirviéndose de sus artes femeninas, como en Carita de ángel y Stella Dallas. Y aunque como comentaba la propia actriz ese segundo personaje tenía un fondo noble, la forma en que Stella seduce a su futuro marido al principio de la película tiene bastante que ver con el proceder de cualquier femme fatale: le hace creer que se encuentran por casualidad, cuando al fin y al cabo todo está planeado para que caiga en sus redes.
Poco a poco, va cuajando uno de sus papeles arquetípicos, el de la embaucadora de buen corazón. Ocho mujeres y un crimen es una comedia de asesinatos más o menos al estilo de La cena de los acusados, y ahí Barbara Stanwyck ya trae de cabeza a Henry Fonda. Pero eso no es nada en comparación con el engaño, por partida doble y sin piedad, que sufre Fonda en su siguiente película juntos, Las tres noches de Eva.
Esa deliciosa comedia dirigida por Preston Sturges es de 1941, año en que ella hará también de periodista fabuladora en Juan Nadie y de bailarina advenediza en Bola de fuego. En estos tres casos, Stanwyck seduce y engaña al protagonista masculino, pero acaba rectificando ante la perspectiva de una redención otorgada por el amor y el perdón. Solo entonces estas mujeres, curtidas por una vida de sinsabores, ceden a los estereotipos románticos del Hollywood de la época.
De ahí a la frialdad implacable de una femme fatale resta una pequeña distancia, más o menos la que Stanwyck cubrió al bajar las escaleras (mostrando el procaz brazalete de su tobillo) en la mítica escena al comienzo de Perdición.
Al igual que sucedería más tarde con su papel en El extraño amor de Martha Ivers, la Phyllis Dietrichson de la película de Billy Wilder es un agujero negro de emociones, una criatura “podrida hasta el alma”. La manipulación de la mujer fatal no tiene por único objeto cazar al hombre, sino convertirlo en cómplice o encubridor de terribles crímenes. De ahí surgirá la culpa, formando un vínculo entre ambos que se presenta incluso más fuerte que el amor, puesto que en verdad dura hasta que la muerte los separe...
No es su interpretación en Perdición necesariamente la mejor de Barbara Stanwyck, pero resulta indiscutible que marcó un punto de inflexión en su carrera: en lo sucesivo le lloverán los papeles de femme fatale (a Phyllis y Martha Ivers hay que sumar el de Thelma Jordon, más rico no obstante en matices). Y no solo eso, sino que en cualquier película suya en la que se cometa un asesinato, por ejemplo en Mundos opuestos, acabaremos con o sin razón fijando primero nuestras sospechas en Stanwyck.
Ahora bien, el resto de sus películas inscritas en el cine negro dejan atrás el concepto de femme fatale y nos muestran una serie de fascinantes bifurcaciones. Y es que Stanwyck dará vida con igual destreza a las mujeres en apuros de Las dos señoras Carroll (ojo al horripilante retrato que le pinta su marido, interpretado por Humphrey Bogart) o Mentira latente.
Se trata de títulos que se rebelan contra la tendencia a una cierta misoginia palpable en buena parte del noir clásico. Muy al contrario, sus personajes femeninos aquí representan la estabilidad de la vida cotidiana, contrapuesta al caos que bulle de las cloacas del cine negro, donde el crimen, la locura y el chantaje campan a sus anchas.
Otra vuelta de tuerca la encontramos en Voces de muerte, porque su protagonista, curiosamente llamada Leona, ejerce al mismo tiempo de manipuladora nata y víctima indefensa. Ni que decir tiene que esa contradicción permite a Stanwyck desplegar una gran amplitud de recursos interpretativos, y otro punto a destacar es el abundante uso de flashbacks. Dicha técnica, bastante frecuente en el noir, alcanza su máximo abigarramiento con la sucesión de voces telefónicas que van reconstruyendo la historia. Hasta encontramos un flashback dentro de un flashback, algo que a buen seguro le hubiera encantado a Luis Buñuel.
Y vamos terminando, con otra película que ocupa un lugar especial en la historia del cine negro. Encuentro en la noche es un melodrama noir en toda regla, con una acertada dirección de Fritz Lang y un reparto que incluye a Robert Ryan, Paul Douglas y una joven Marilyn Monroe. Todo ello al servicio de una trama que cuestiona a quienes se dejan llevar por sus pasiones sin prestar atención a las consecuencias sobre la vida de los demás. Un mensaje conformista, desde luego, pero que cobra un significado distinto en labios de una actriz como Barbara Stanwyck, que tantos corazones ha roto en la gran pantalla. "Si alguien sufre por nosotros, lo siento mucho, la vida es así". Pues no.
Lista de películas mencionadas de Barbara Stanwyck:
Escucha el monográfico sobre Barbara Stanwyck en la edición #45 de La Linterna Mágica, con la participación de Faustino Sánchez
Los seguidores (no demasiados, pero siempre acérrimos) de Barbara Stanwyck sabemos que nunca una comedia navideña de buenos sentimientos ha estado tan cerca del cine negro como lo está Recuerdo de una noche: fíjense si no en las similitudes de su argumento con El caso de Thelma Jordon, donde el protagonista masculino es también un fiscal que se deja tentar por ella. Y del mismo modo, nunca un western ha mostrado tan bien los nexos de ese género con el noir como 40 pistolas.
Puede quizá que nos empeñemos en buscar esas asociaciones en las películas de Stanwyck, simplemente porque la sombra de una obra cumbre como Perdición (donde ella interpretó por primera vez un papel de femme fatale) es demasiado alargada. No obstante, elementos hay de sobra para reinterpretar buena parte de la filmografía de esta actriz en relación al cine negro.
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| 'El extraño amor de Martha Ivers' |
Mucho antes de Perdición, Stanwyck ya se había hecho famosa entre otras cosas por interpretar a mujeres de clase baja que trepan en el escalafón social sirviéndose de sus artes femeninas, como en Carita de ángel y Stella Dallas. Y aunque como comentaba la propia actriz ese segundo personaje tenía un fondo noble, la forma en que Stella seduce a su futuro marido al principio de la película tiene bastante que ver con el proceder de cualquier femme fatale: le hace creer que se encuentran por casualidad, cuando al fin y al cabo todo está planeado para que caiga en sus redes.
Poco a poco, va cuajando uno de sus papeles arquetípicos, el de la embaucadora de buen corazón. Ocho mujeres y un crimen es una comedia de asesinatos más o menos al estilo de La cena de los acusados, y ahí Barbara Stanwyck ya trae de cabeza a Henry Fonda. Pero eso no es nada en comparación con el engaño, por partida doble y sin piedad, que sufre Fonda en su siguiente película juntos, Las tres noches de Eva.
Esa deliciosa comedia dirigida por Preston Sturges es de 1941, año en que ella hará también de periodista fabuladora en Juan Nadie y de bailarina advenediza en Bola de fuego. En estos tres casos, Stanwyck seduce y engaña al protagonista masculino, pero acaba rectificando ante la perspectiva de una redención otorgada por el amor y el perdón. Solo entonces estas mujeres, curtidas por una vida de sinsabores, ceden a los estereotipos románticos del Hollywood de la época.
De ahí a la frialdad implacable de una femme fatale resta una pequeña distancia, más o menos la que Stanwyck cubrió al bajar las escaleras (mostrando el procaz brazalete de su tobillo) en la mítica escena al comienzo de Perdición.
Al igual que sucedería más tarde con su papel en El extraño amor de Martha Ivers, la Phyllis Dietrichson de la película de Billy Wilder es un agujero negro de emociones, una criatura “podrida hasta el alma”. La manipulación de la mujer fatal no tiene por único objeto cazar al hombre, sino convertirlo en cómplice o encubridor de terribles crímenes. De ahí surgirá la culpa, formando un vínculo entre ambos que se presenta incluso más fuerte que el amor, puesto que en verdad dura hasta que la muerte los separe...
No es su interpretación en Perdición necesariamente la mejor de Barbara Stanwyck, pero resulta indiscutible que marcó un punto de inflexión en su carrera: en lo sucesivo le lloverán los papeles de femme fatale (a Phyllis y Martha Ivers hay que sumar el de Thelma Jordon, más rico no obstante en matices). Y no solo eso, sino que en cualquier película suya en la que se cometa un asesinato, por ejemplo en Mundos opuestos, acabaremos con o sin razón fijando primero nuestras sospechas en Stanwyck.
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| 'Las dos señoras Carroll' |
Ahora bien, el resto de sus películas inscritas en el cine negro dejan atrás el concepto de femme fatale y nos muestran una serie de fascinantes bifurcaciones. Y es que Stanwyck dará vida con igual destreza a las mujeres en apuros de Las dos señoras Carroll (ojo al horripilante retrato que le pinta su marido, interpretado por Humphrey Bogart) o Mentira latente.
Se trata de títulos que se rebelan contra la tendencia a una cierta misoginia palpable en buena parte del noir clásico. Muy al contrario, sus personajes femeninos aquí representan la estabilidad de la vida cotidiana, contrapuesta al caos que bulle de las cloacas del cine negro, donde el crimen, la locura y el chantaje campan a sus anchas.
Otra vuelta de tuerca la encontramos en Voces de muerte, porque su protagonista, curiosamente llamada Leona, ejerce al mismo tiempo de manipuladora nata y víctima indefensa. Ni que decir tiene que esa contradicción permite a Stanwyck desplegar una gran amplitud de recursos interpretativos, y otro punto a destacar es el abundante uso de flashbacks. Dicha técnica, bastante frecuente en el noir, alcanza su máximo abigarramiento con la sucesión de voces telefónicas que van reconstruyendo la historia. Hasta encontramos un flashback dentro de un flashback, algo que a buen seguro le hubiera encantado a Luis Buñuel.
Y vamos terminando, con otra película que ocupa un lugar especial en la historia del cine negro. Encuentro en la noche es un melodrama noir en toda regla, con una acertada dirección de Fritz Lang y un reparto que incluye a Robert Ryan, Paul Douglas y una joven Marilyn Monroe. Todo ello al servicio de una trama que cuestiona a quienes se dejan llevar por sus pasiones sin prestar atención a las consecuencias sobre la vida de los demás. Un mensaje conformista, desde luego, pero que cobra un significado distinto en labios de una actriz como Barbara Stanwyck, que tantos corazones ha roto en la gran pantalla. "Si alguien sufre por nosotros, lo siento mucho, la vida es así". Pues no.
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| 'Mentira latente' |
Lista de películas mencionadas de Barbara Stanwyck:
- Carita de ángel (Baby Face, 1933) de Alfred E. Green
- Stella Dallas (1937) de King Vidor
- Ocho mujeres y un crimen (The Mad Miss Manton, 1938) de Leigh Jason
- Recuerdo de una noche (Remember The Night, 1940) de Mitchell Leisen
- Juan Nadie (John Doe, 1941) de Frank Capra
- Bola de fuego (Ball Of Fire, 1941) de Howard Hawks
- Las tres noches de Eva (The Lady Eve, 1941) de Preston Sturges
- Perdición (Double Indemnity, 1944) de Billy Wilder
- El extraño amor de Martha Ivers (The Strange Love Of Martha Ivers, 1946) de Lewis Milestone
- Las dos señoras Carroll (The Two Mrs. Carrolls, 1947) de Peter Godfrey
- Voces de muerte (Sorry, Wrong Number, 1948) de Anatole Litvak
- Mundos opuestos (East Side, West Side, 1949) de Mervyn Leroy
- El caso de Thelma Jordon (The File On Thelma Jordon, 1950) de Robert Siodmack
- Mentira latente (No Man Of Her Own, 1950) de Mitchell Leisen
- Encuentro en la noche (Clash By Night, 1952) de Fritz Lang
- 40 pistolas (40 Guns, 1957) de Samuel Fuller
Escucha el monográfico sobre Barbara Stanwyck en la edición #45 de La Linterna Mágica, con la participación de Faustino Sánchez
Programa #45
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En el programa de hoy estuvimos con Faustino Sánchez repasando la filmografía de la actriz Barbara Stanwyck, y hablamos de su importancia dentro de la historia del cine negro.
Pusimos cortes de varias de sus películas, y acabamos el programa escuchando la canción "High Ridin' Woman" del western de Samuel Fuller 40 pistolas.
Friday, October 28, 2011
Repensar el documental
Por Ayoze García
Sin importar el nombre que reciba (el más extendido es el de documental de creación), resulta innegable la tendencia al alza que existe dentro del cine de no ficción, en la que se inscriben los directores que demuestran "otro enfoque en el lenguaje cinematográfico" pese a abordar (o no) las temáticas de siempre. Son películas con "un punto de vista más creativo, que hace que el espectador se enganche un poco más" y que pueden abrir el género a otros públicos.
De todo esto saben mucho en MiradasDoc, el festival de documentales cuya sexta edición se inaugura este viernes por la noche en el municipio tinerfeño de Guía de Isora. En La Linterna Mágica hablamos esta semana con sus dos codirectores, David Baute y Rolando Díaz.
Dentro de las señas del documental de creación, ante todo se percibe "una mirada de autor" que imprime su marca en el resultado final, y se cuestiona la hegemonía de la entrevista como herramienta principal para contar historias en este formato. Incluso entre los reportajes que se hacen para la televisión, los hay que "se acercan mucho" a tal planteamiento, de ahí que en MiradasDoc dediquen cada año una sección del festival a esos programas que rompen con el cliché de los documentales de La 2.
En general, la línea que distingue el documental del cine de ficción "cada vez está menos clara". Rolando Díaz habla de "cine de la realidad", o lo que es lo mismo, "documentales con el lenguaje de la ficción". Se trata de "historias reales contadas con personajes reales", quienes narran sus vivencias "a medida en que les van sucediendo cosas". Esta es una vertiente abierta a la experimentación que "hace muchísimo más interesante el género", por mucho que se opongan los puristas, "que están en su derecho de defender el documental clásico".
Pero como recuerda Díaz, "el documental surgió primero que el cine de ficción, porque el cine se empezó contando como documental".
Para escuchar las entrevistas a David Baute y Rolando Díaz, accede a la entrada dedicada a la edición #44 de La Linterna Mágica
Sin importar el nombre que reciba (el más extendido es el de documental de creación), resulta innegable la tendencia al alza que existe dentro del cine de no ficción, en la que se inscriben los directores que demuestran "otro enfoque en el lenguaje cinematográfico" pese a abordar (o no) las temáticas de siempre. Son películas con "un punto de vista más creativo, que hace que el espectador se enganche un poco más" y que pueden abrir el género a otros públicos.
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| Imagen de 'Guest', el nuevo documental de José Luis Guerín |
De todo esto saben mucho en MiradasDoc, el festival de documentales cuya sexta edición se inaugura este viernes por la noche en el municipio tinerfeño de Guía de Isora. En La Linterna Mágica hablamos esta semana con sus dos codirectores, David Baute y Rolando Díaz.
Dentro de las señas del documental de creación, ante todo se percibe "una mirada de autor" que imprime su marca en el resultado final, y se cuestiona la hegemonía de la entrevista como herramienta principal para contar historias en este formato. Incluso entre los reportajes que se hacen para la televisión, los hay que "se acercan mucho" a tal planteamiento, de ahí que en MiradasDoc dediquen cada año una sección del festival a esos programas que rompen con el cliché de los documentales de La 2.
En general, la línea que distingue el documental del cine de ficción "cada vez está menos clara". Rolando Díaz habla de "cine de la realidad", o lo que es lo mismo, "documentales con el lenguaje de la ficción". Se trata de "historias reales contadas con personajes reales", quienes narran sus vivencias "a medida en que les van sucediendo cosas". Esta es una vertiente abierta a la experimentación que "hace muchísimo más interesante el género", por mucho que se opongan los puristas, "que están en su derecho de defender el documental clásico".
Pero como recuerda Díaz, "el documental surgió primero que el cine de ficción, porque el cine se empezó contando como documental".
Para escuchar las entrevistas a David Baute y Rolando Díaz, accede a la entrada dedicada a la edición #44 de La Linterna Mágica
Programa #44
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Con motivo del comienzo del Festival MiradasDoc en Guía de Isora hemos hecho un repaso a la situación del género documental. Para ello, hablamos con los dos codirectores de la muestra, David Baute y Rolando Díaz.
Además, escuchamos fragmentos de audio de Informe Robinson (programa que protagoniza la sección televisiva este año en MiradasDoc), la película La Vida Según Ofelia de Rolando Díaz y el documental colombiano Pequeñas voces.
Friday, October 21, 2011
Tarkovski: las convicciones antes que el estilo
Por Ayoze García y Orlando Santana
Si en la actualidad la obra del ruso Andrei Tarkovski es conocida en España, se debe al esfuerzo de gente como Rafael Llano, que a finales de los ochenta organizó la primera retrospectiva completa de este director en nuestro país. Llano, profesor de la Universidad Complutense de Madrid y editor de la página andreitarkovski.org, se muestra satisfecho ahora de que el autor de La infancia de Iván (1962) y Solaris (1972) tenga un hueco dentro del ciclo de la Filmoteca Española dedicado a la productora soviética Mosfilm. Otra muestra, señala, de que está "madura" la demanda por las películas y los escritos de este realizador (recientemente se ha publicado también una edición en castellano de sus diarios bajo el nombre de Martirologio).
Rafael Llano habló este viernes en La Linterna Mágica sobre su labor de difusión del cine de Tarkovski, que le ha llevado a lo largo de los años a colaborar con la familia del cineasta, principalmente su hermana Marina y su hijo Andrei. En opinión de Llano, el gran acierto tarkovskiano fue conjugar unos mensajes "profundos, meditados y reflexivos" con una "belleza plástica muy sorprendente, difícilmente igualable". Fondo y forma se funden por tanto en sus películas, que dejan mucho abierto a la interpretación del espectador.
A las autoridades soviéticas "les molestaba mucho" que Tarkovski "fuera tan independiente", por lo que "tuvo que luchar desde el principio", y eso que ganaba premios en festivales europeos y "daba prestigio" al cine de su país. Finalmente esa tensión llevó al realizador de Stalker (1979) a exiliarse y rodar sus dos últimas películas fuera de la URSS.
Opina Rafael Llano que Tarkovski apenas ha tenido repercusión en directores posteriores, pese a que Sokurov y Lars von Trier reconozcan su influencia. Incluso resulta difícil analizar cuáles fueron sus antecedentes, al margen de algunos compatriotas suyos y de Mizoguchi y Bresson, creadores con una "expresión más poetica que narrativa".
Pero dejando atrás la belleza que supo transmitir a través de sus imágenes, la vida y la obra de Andrei Tarkovski sigue teniendo una lección valiosa para el ser humano moderno. Concluye Llano que estas películas son, en su audacia, una "invitación permanente" a la defensa de las convicciones de cada uno. Y probablemente eso sea más importante que la continuación de su estilo cinematográfico en otros autores.
Entra en la entrada dedicada a la edición #43 de La Linterna Mágica para escuchar la entrevista completa con Rafael Llano.
Si en la actualidad la obra del ruso Andrei Tarkovski es conocida en España, se debe al esfuerzo de gente como Rafael Llano, que a finales de los ochenta organizó la primera retrospectiva completa de este director en nuestro país. Llano, profesor de la Universidad Complutense de Madrid y editor de la página andreitarkovski.org, se muestra satisfecho ahora de que el autor de La infancia de Iván (1962) y Solaris (1972) tenga un hueco dentro del ciclo de la Filmoteca Española dedicado a la productora soviética Mosfilm. Otra muestra, señala, de que está "madura" la demanda por las películas y los escritos de este realizador (recientemente se ha publicado también una edición en castellano de sus diarios bajo el nombre de Martirologio).
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| Imagen de 'Stalker' |
Rafael Llano habló este viernes en La Linterna Mágica sobre su labor de difusión del cine de Tarkovski, que le ha llevado a lo largo de los años a colaborar con la familia del cineasta, principalmente su hermana Marina y su hijo Andrei. En opinión de Llano, el gran acierto tarkovskiano fue conjugar unos mensajes "profundos, meditados y reflexivos" con una "belleza plástica muy sorprendente, difícilmente igualable". Fondo y forma se funden por tanto en sus películas, que dejan mucho abierto a la interpretación del espectador.
A las autoridades soviéticas "les molestaba mucho" que Tarkovski "fuera tan independiente", por lo que "tuvo que luchar desde el principio", y eso que ganaba premios en festivales europeos y "daba prestigio" al cine de su país. Finalmente esa tensión llevó al realizador de Stalker (1979) a exiliarse y rodar sus dos últimas películas fuera de la URSS.
Opina Rafael Llano que Tarkovski apenas ha tenido repercusión en directores posteriores, pese a que Sokurov y Lars von Trier reconozcan su influencia. Incluso resulta difícil analizar cuáles fueron sus antecedentes, al margen de algunos compatriotas suyos y de Mizoguchi y Bresson, creadores con una "expresión más poetica que narrativa".
Pero dejando atrás la belleza que supo transmitir a través de sus imágenes, la vida y la obra de Andrei Tarkovski sigue teniendo una lección valiosa para el ser humano moderno. Concluye Llano que estas películas son, en su audacia, una "invitación permanente" a la defensa de las convicciones de cada uno. Y probablemente eso sea más importante que la continuación de su estilo cinematográfico en otros autores.
Entra en la entrada dedicada a la edición #43 de La Linterna Mágica para escuchar la entrevista completa con Rafael Llano.
Programa #43
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Hoy en La Linterna Mágica hablamos del Festival de Cine Iberoamericano Ibértigo con dos de los miembros de la Asociación Vértigo, Jesús García y Vicky Pérez. También estuvo con nosotros el director chileno Matías Bize, quien presenta La vida de los peces, su último trabajo y con el que ganó el Goya a la mejor película extranjera de habla española. Además, Matías escogió diez canciones favoritas para la sección El Reproductor De... de Wiqué, la revista de fin de semana de CANARIAS AHORA.
En la segunda parte del programa tuvimos al profesor de la Universidad Complutense Rafael Llano para abordar el papel de Andrei Tarkovski dentro del ciclo que la Filmoteca Española dedica a la productora rusa Mosfilm. En este mismo blog hemos publicado un resumen de la charla.
Intercalados escuchamos el tráiler de La vida de los peces y cortes de El circo de Grigori Alexandrov y El espejo de Tarkovski.
Hoy en La Linterna Mágica hablamos del Festival de Cine Iberoamericano Ibértigo con dos de los miembros de la Asociación Vértigo, Jesús García y Vicky Pérez. También estuvo con nosotros el director chileno Matías Bize, quien presenta La vida de los peces, su último trabajo y con el que ganó el Goya a la mejor película extranjera de habla española. Además, Matías escogió diez canciones favoritas para la sección El Reproductor De... de Wiqué, la revista de fin de semana de CANARIAS AHORA.
En la segunda parte del programa tuvimos al profesor de la Universidad Complutense Rafael Llano para abordar el papel de Andrei Tarkovski dentro del ciclo que la Filmoteca Española dedica a la productora rusa Mosfilm. En este mismo blog hemos publicado un resumen de la charla.
Intercalados escuchamos el tráiler de La vida de los peces y cortes de El circo de Grigori Alexandrov y El espejo de Tarkovski.
Friday, October 14, 2011
La trastienda de Suzuki
Por Ayoze García
Vistas hoy día por espectadores occidentales, las películas de Seijun Suzuki son el equivalente de un "plato picante", con sus pistoleros silbadores y sus asesinos a sueldo adictos al olor del arroz hervido. Pero más allá de esas excentricidades, este cine se inscribe en un contexto extremadamente complejo como era el Japón de los años sesenta.
A raíz del ciclo que el pasado mes de julio la asociación de cine Vértigo dedicó a Suzuki en la capital grancanaria, y tras quedarnos sorprendidos con la audacia de sus propuestas, hemos querido en La Linterna Mágica plantear una introducción a otros directores japoneses de serie B. Y entiéndase eso de serie B como un término occidental insuficiente para describir la realidad de la industria cinematográfica del país asiático, pero que traslada las ideas de escasez de presupuesto y encorsetamiento en géneros que luego los directores más creativos se encargaban de "dinamitar". En otras palabras, hemos querido buscar a otros equivalentes nipones de Samuel Fuller.
Para ello contamos con Luis Miranda, coordinador del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria, quien planteó la necesidad de conocer determinados aspectos de la cultura japonesa. Sólo así podemos comprender la esencia del género yakuza que Suzuki se dedicó a subvertir sin piedad. Este tipo de películas se caracterizan, según explicó Miranda, por un trasfondo "melancólico" al recurrir a estereotipos "que tienen que ver con la pérdida del Japón de siempre". Suelen estar protagonizadas por un yakuza expulsado de su grupo, que al final vuelve para demostrar su sentido del honor. Más o menos eso es lo que ocurre en Tokyo Drifter (1966) de Suzuki, sólo que ahí se intercalan escenas que parecen sacadas de un western o de un musical.
Por otra parte, en la sociedad japonesa se permiten ciertas "válvulas de escape" a la presión social entre las que puede incluirse el séptimo arte, y está "muy clara la diferencia entre realidad y representación". Esto implica que en el cine se vayan incrementando hasta niveles insospechados las dosis de violencia y de sexo, lo cual resulta aceptable siempre y cuando lo que se muestra esté "convenientemente teatralizado".
A la misma altura que Suzuki podemos situar a Yasuzo Masumura, "un cineasta muy dotado" y que abordaba con sentido artístico "situaciones muy escabrosas", pero que por ejemplo en Manji (1964) impresiona "por cómo compone las escenas, con ese talento tan japonés para la construcción del espacio". Y eso hace que una película sobre relaciones lésbicas que por su temática bordea el exploitation, se nos presente en cambio como una obra "que por momentos recuerda al Wong Kar-Wai de In The Mood For Love o 2046". Masumura es sin duda un cineasta pendiente de recibir en España el reconocimiento que se merece, aunque iniciativas como el ciclo del año pasado en el Círculo de Bellas Artes de Madrid apuntan en ese sentido.
Claro que si lo que se buscan son emociones fuertes un tercer nombre a tener en cuenta es el de Koji Wakamatsu, autor de "películas políticas construidas con fantasías de violación" como Ecstasy Of The Angels (1972). Wakamatsu es representante del más estricto underground de extrema izquierda que quería "volar por los aires" todo el sistema de distribución de películas y el propio status quo político de Japón, sustentado en torno al "pacto de silencio" que mantenía al Emperador como cabeza visible del Gobierno tras la derrota de la II Guerra Mundial.
Miembros de esta tendencia izquierdista apoyaron de hecho a Suzuki cuando fue despedido por los estudios Nikkatsu dada la supuesta incoherencia de su clásico Branded To Kill (1967). Quedaron patentes entonces las simpatías y relaciones que unían a los miembros de esta generación al margen de los derroteros de cada uno. Por cierto que pasarían bastantes años antes de que Suzuki expiase sus pecados contra la ortodoxia y pudiera volver al cine, pero como suele decirse, esa es otra historia...
Para escuchar la intervención entera de Luis Miranda, accede a la entrada dedicada a la edición #42 de La Linterna Mágica
Vistas hoy día por espectadores occidentales, las películas de Seijun Suzuki son el equivalente de un "plato picante", con sus pistoleros silbadores y sus asesinos a sueldo adictos al olor del arroz hervido. Pero más allá de esas excentricidades, este cine se inscribe en un contexto extremadamente complejo como era el Japón de los años sesenta.
A raíz del ciclo que el pasado mes de julio la asociación de cine Vértigo dedicó a Suzuki en la capital grancanaria, y tras quedarnos sorprendidos con la audacia de sus propuestas, hemos querido en La Linterna Mágica plantear una introducción a otros directores japoneses de serie B. Y entiéndase eso de serie B como un término occidental insuficiente para describir la realidad de la industria cinematográfica del país asiático, pero que traslada las ideas de escasez de presupuesto y encorsetamiento en géneros que luego los directores más creativos se encargaban de "dinamitar". En otras palabras, hemos querido buscar a otros equivalentes nipones de Samuel Fuller.
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| Imagen de 'Branded To Kill' |
Para ello contamos con Luis Miranda, coordinador del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria, quien planteó la necesidad de conocer determinados aspectos de la cultura japonesa. Sólo así podemos comprender la esencia del género yakuza que Suzuki se dedicó a subvertir sin piedad. Este tipo de películas se caracterizan, según explicó Miranda, por un trasfondo "melancólico" al recurrir a estereotipos "que tienen que ver con la pérdida del Japón de siempre". Suelen estar protagonizadas por un yakuza expulsado de su grupo, que al final vuelve para demostrar su sentido del honor. Más o menos eso es lo que ocurre en Tokyo Drifter (1966) de Suzuki, sólo que ahí se intercalan escenas que parecen sacadas de un western o de un musical.
Por otra parte, en la sociedad japonesa se permiten ciertas "válvulas de escape" a la presión social entre las que puede incluirse el séptimo arte, y está "muy clara la diferencia entre realidad y representación". Esto implica que en el cine se vayan incrementando hasta niveles insospechados las dosis de violencia y de sexo, lo cual resulta aceptable siempre y cuando lo que se muestra esté "convenientemente teatralizado".
A la misma altura que Suzuki podemos situar a Yasuzo Masumura, "un cineasta muy dotado" y que abordaba con sentido artístico "situaciones muy escabrosas", pero que por ejemplo en Manji (1964) impresiona "por cómo compone las escenas, con ese talento tan japonés para la construcción del espacio". Y eso hace que una película sobre relaciones lésbicas que por su temática bordea el exploitation, se nos presente en cambio como una obra "que por momentos recuerda al Wong Kar-Wai de In The Mood For Love o 2046". Masumura es sin duda un cineasta pendiente de recibir en España el reconocimiento que se merece, aunque iniciativas como el ciclo del año pasado en el Círculo de Bellas Artes de Madrid apuntan en ese sentido.
Claro que si lo que se buscan son emociones fuertes un tercer nombre a tener en cuenta es el de Koji Wakamatsu, autor de "películas políticas construidas con fantasías de violación" como Ecstasy Of The Angels (1972). Wakamatsu es representante del más estricto underground de extrema izquierda que quería "volar por los aires" todo el sistema de distribución de películas y el propio status quo político de Japón, sustentado en torno al "pacto de silencio" que mantenía al Emperador como cabeza visible del Gobierno tras la derrota de la II Guerra Mundial.
Miembros de esta tendencia izquierdista apoyaron de hecho a Suzuki cuando fue despedido por los estudios Nikkatsu dada la supuesta incoherencia de su clásico Branded To Kill (1967). Quedaron patentes entonces las simpatías y relaciones que unían a los miembros de esta generación al margen de los derroteros de cada uno. Por cierto que pasarían bastantes años antes de que Suzuki expiase sus pecados contra la ortodoxia y pudiera volver al cine, pero como suele decirse, esa es otra historia...
Para escuchar la intervención entera de Luis Miranda, accede a la entrada dedicada a la edición #42 de La Linterna Mágica
Programa #42
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Este viernes volvimos a hablar con Eduardo Serradilla acerca del Festival de Sitges, cuya presente edición ha contado con una notable representación de artistas canarios al exhibirse la nueva película de Fresnadillo y el cortometraje REM.
Y el resto del programa estuvo dedicado a un especial introductorio sobre el cine japonés de serie B de los años sesenta. Luis Miranda, coordinador del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria, nos presentó a directores de esa época como Seijun Suzuki o Yasuzo Masumura, haciendo hincapié en el contexto histórico y social que ayuda a comprender las excentricidades de sus películas.
Además, escuchamos la música del tráiler de REM y la canción principal de la película de Suzuki Tokyo Drifter.
Este viernes volvimos a hablar con Eduardo Serradilla acerca del Festival de Sitges, cuya presente edición ha contado con una notable representación de artistas canarios al exhibirse la nueva película de Fresnadillo y el cortometraje REM.
Y el resto del programa estuvo dedicado a un especial introductorio sobre el cine japonés de serie B de los años sesenta. Luis Miranda, coordinador del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria, nos presentó a directores de esa época como Seijun Suzuki o Yasuzo Masumura, haciendo hincapié en el contexto histórico y social que ayuda a comprender las excentricidades de sus películas.
Además, escuchamos la música del tráiler de REM y la canción principal de la película de Suzuki Tokyo Drifter.
Friday, October 7, 2011
Antoni Padrós: “Lo que me interesa es perturbar conciencias y transgredir la realidad”
Por Orlando Santana y Ayoze García
Cataluña. Finales del franquismo. Un empleado de banco y pintor empieza a rodar películas "a salto de mata" con los materiales más baratos del mercado. Mucho ha llovido desde entonces, pero el cine de Antoni Padrós (a quien la Casa Encendida de Madrid acaba de dedicar una completa y "excepcional" retrospectiva) mantiene su capacidad de atracción, pese a (o quizá a causa de) las circunstancias que rodearon su creación.
"Lo que me interesaba era perturbar conciencias y transgredir la realidad", comentó Padrós este viernes en una entrevista en La Linterna Mágica. Este "hombre invisible" y "kamikaze", como él mismo se llama, ha visto cómo la Filmoteca de Cataluña restauraba recientemente esas películas suyas que "no existen" porque no estaban homologadas. En los próximos meses saldrán en DVD, entre otras, sus largometrajes Lock Out (1973) y Shirley Temple Story (1976), una "comedia musical terrorista" que se exhibió en San Sebastián y más tarde en Alemania. "Las películas estaban muy mal" en términos de conservación, "y ahora se pueden ver en perfectas condiciones".
En aquellas ocasiones en que salía al extranjero para mostrar su cine, Padrós no sólo cosechaba premios, sino que también comprobaba la intolerancia de algunos compatriotas, como la vez en que "una mujer con el pelo a lo Marge Simpson" empezó a amenazar con denunciarle a las autoridades españolas. Y en Cataluña grupos extremistas dejaban mensajes del tipo: "Si pasáis la película de Padrós, incendiaremos el edificio".
"¿Cómo podía una persona ir en contra de las ideas de otro?", se pregunta el director, quien aclara que más allá de eso no tuvo ningún problema, por ejemplo cuando rodaba en exteriores: "He tenido mucha suerte, porque nunca me ha pasado nada". Y aunque se le considere un director maldito, él defiende ante todo que le gustaba trabajar sin ataduras: "Lo he hecho todo en libertad".
Y ahí sigue. Ahora Antoni Padrós anda terminando un mediometraje de unos 30 minutos titulado El hombre preciso, cuyo protagonista atraviesa un espejo y mantiene una conversación con La Muerte. Parece por tanto que la creatividad no se le ha agotado, ni tampoco la capacidad para sacar adelante proyectos de presupuesto irrisorio.
Por último, Padrós explica que echa en falta que se haga más cine experimental en la actualidad en España, que no se quede en cosa de "cuatro locos que estamos por ahí perdidos". Bendita locura, añadimos nosotros.
Entra en la entrada dedicada a la edición #41 de La Linterna Mágica para escuchar la entrevista completa con Padrós.
Cataluña. Finales del franquismo. Un empleado de banco y pintor empieza a rodar películas "a salto de mata" con los materiales más baratos del mercado. Mucho ha llovido desde entonces, pero el cine de Antoni Padrós (a quien la Casa Encendida de Madrid acaba de dedicar una completa y "excepcional" retrospectiva) mantiene su capacidad de atracción, pese a (o quizá a causa de) las circunstancias que rodearon su creación.
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| Imagen del corto 'Ice Cream' |
"Lo que me interesaba era perturbar conciencias y transgredir la realidad", comentó Padrós este viernes en una entrevista en La Linterna Mágica. Este "hombre invisible" y "kamikaze", como él mismo se llama, ha visto cómo la Filmoteca de Cataluña restauraba recientemente esas películas suyas que "no existen" porque no estaban homologadas. En los próximos meses saldrán en DVD, entre otras, sus largometrajes Lock Out (1973) y Shirley Temple Story (1976), una "comedia musical terrorista" que se exhibió en San Sebastián y más tarde en Alemania. "Las películas estaban muy mal" en términos de conservación, "y ahora se pueden ver en perfectas condiciones".
En aquellas ocasiones en que salía al extranjero para mostrar su cine, Padrós no sólo cosechaba premios, sino que también comprobaba la intolerancia de algunos compatriotas, como la vez en que "una mujer con el pelo a lo Marge Simpson" empezó a amenazar con denunciarle a las autoridades españolas. Y en Cataluña grupos extremistas dejaban mensajes del tipo: "Si pasáis la película de Padrós, incendiaremos el edificio".
"¿Cómo podía una persona ir en contra de las ideas de otro?", se pregunta el director, quien aclara que más allá de eso no tuvo ningún problema, por ejemplo cuando rodaba en exteriores: "He tenido mucha suerte, porque nunca me ha pasado nada". Y aunque se le considere un director maldito, él defiende ante todo que le gustaba trabajar sin ataduras: "Lo he hecho todo en libertad".
Y ahí sigue. Ahora Antoni Padrós anda terminando un mediometraje de unos 30 minutos titulado El hombre preciso, cuyo protagonista atraviesa un espejo y mantiene una conversación con La Muerte. Parece por tanto que la creatividad no se le ha agotado, ni tampoco la capacidad para sacar adelante proyectos de presupuesto irrisorio.
Por último, Padrós explica que echa en falta que se haga más cine experimental en la actualidad en España, que no se quede en cosa de "cuatro locos que estamos por ahí perdidos". Bendita locura, añadimos nosotros.
Entra en la entrada dedicada a la edición #41 de La Linterna Mágica para escuchar la entrevista completa con Padrós.
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